Animacja - Animation
Animacja to metoda, w której postacie są manipulowane tak, aby wyglądały jak ruchome obrazy . W tradycyjnej animacji obrazy są rysowane lub malowane ręcznie na przezroczystych arkuszach celuloidu, które są fotografowane i eksponowane na filmie . Obecnie większość animacji tworzy się przy użyciu obrazów generowanych komputerowo (CGI). Animacja komputerowa może być bardzo szczegółową animacją 3D , podczas gdy animacja komputerowa 2D (która może wyglądać jak animacja tradycyjna) może być używana ze względów stylistycznych, niskiej przepustowości łącza lub szybszego renderowania w czasie rzeczywistym . Inne popularne metody animacji wykorzystują animację poklatkowątechnika do dwu- i trójwymiarowych obiektów, takich jak wycinanki z papieru , lalki , figurki z gliny .
Zwykle efekt animacji uzyskuje się poprzez szybkie następowanie po sobie sekwencji obrazów, które minimalnie różnią się od siebie. Uważa się, że iluzja – podobnie jak w przypadku filmów w ogóle – opiera się na zjawisku phi i ruchu beta , ale dokładne przyczyny są nadal niepewne. Analogowe mechaniczne mediów animacji, które polegają na szybkim wyświetlaniem kolejnych zdjęć należą phénakisticope , Zoetrope , klapki książki , praksinoskop i filmu. Telewizja i wideo to popularne elektroniczne nośniki animacji, które pierwotnie były analogowe, a teraz działają cyfrowo . Do wyświetlania na komputerze opracowano techniki takie jak animowany GIF i animacja Flash .
Animacja jest bardziej wszechobecna niż wiele osób wie. Oprócz filmów krótkometrażowych , fabularnych , seriali telewizyjnych , animowanych GIF-ów i innych mediów poświęconych wyświetlaniu ruchomych obrazów, animacja jest również powszechna w grach wideo , ruchomej grafice , interfejsach użytkownika i efektach wizualnych .
Fizyczny ruch części obrazu za pomocą prostych mechanizmów — na przykład ruchomych obrazów w pokazach latarni magicznych — również można uznać za animację. Mechaniczna manipulacja trójwymiarowymi lalkami i przedmiotami w celu naśladowania żywych istot ma w automatach bardzo długą historię . Automaty elektroniczne zostały spopularyzowane przez Disneya jako animatronika .
Animatorzy to artyści specjalizujący się w tworzeniu animacji.
Etymologia
Słowo „animacja” wywodzi się od łacińskiego „animātiōn”, rdzeń od „animātiō”, co oznacza „nadawanie życia”. Podstawowym znaczeniem angielskiego słowa jest „żywotność” i jest używane znacznie dłużej niż znaczenie „nośnika ruchomego obrazu”.
Historia
Przed kinematografią
Setki lat przed wprowadzeniem prawdziwej animacji ludzie z całego świata cieszyli się pokazami z ruchomymi postaciami, które zostały stworzone i manipulowane ręcznie w lalkarskich , automatach , grach cieni i magicznej latarni . Te multimedialne Phantasmagoria pokazy, które były bardzo popularne w zachodnioeuropejskich teatrów z końca 18 wieku przez pierwszą połowę 19 wieku, biorące realistyczne prognoz ruchu duchy i inne straszliwe obrazy w ruchu.
W 1833 r. dysk stroboskopowy (lepiej znany jako fenakistyk ) wprowadził zasadę nowoczesnej animacji z sekwencyjnymi obrazami, które były wyświetlane jeden po drugim, jeden po drugim, tworząc złudzenie optyczne ruchomych obrazów. Serie kolejnych obrazów powstawały od czasu do czasu przez tysiące lat, ale dysk stroboskopowy był pierwszą metodą przedstawiania takich obrazów w płynnym ruchu i po raz pierwszy umożliwił artystom tworzenie serii z odpowiednim systematycznym rozkładem ruchów. Zasada animacji stroboskopowej została również zastosowana w zoetrope (1866), flipbooku (1868) i praksynoskopie (1877). Przeciętna animacja z XIX wieku zawierała około 12 obrazów, które były wyświetlane jako ciągła pętla przez ręczne obracanie urządzeniem. Flipbook często zawierał więcej zdjęć oraz miał początek i koniec, ale jego animacja nie trwała dłużej niż kilka sekund. Wydaje się, że pierwszym, który stworzył znacznie dłuższe sekwencje, był Charles-Émile Reynaud , który w latach 1892-1900 odniósł duży sukces ze swoimi 10--15 -minutowymi Pantomimami Lumineuses .
Cicha era
Kiedy kinematografia ostatecznie przebiła się w 1895 roku, po tym, jak animowane obrazy były znane od dziesięcioleci, cud realistycznych szczegółów w nowym medium był uważany za jego największe osiągnięcie. Animacja na filmie została skomercjalizowana dopiero kilka lat później przez producentów zabawek optycznych, z pętlami filmowymi z chromolitografii (często śledzonymi na podstawie materiału filmowego na żywo) dla zaadaptowanych zabawkowych latarni magicznych przeznaczonych dla dzieci do użytku w domu. Minęło jeszcze kilka lat, zanim animacja dotarła do kin.
Po wcześniejszych eksperymentach pionierów kina J. Stuarta Blacktona , Arthura Melbourne-Coopera , Segundo de Chomóna i Edwina S. Portera (między innymi), The Haunted Hotel (1907) Blacktona był pierwszym wielkim sukcesem poklatkowym , zbijającym z tropu publiczność, pokazując obiekty które pozornie poruszały się same z pełnymi fotograficznymi detalami, bez śladów znanej sztuczki scenicznej.
Émile Cohl „s Fantasmagorie (1908) jest najstarszym znanym przykładem tego, co stało się znane jako tradycyjnej animacji (rysowane ręcznie) . Inne wielkie artystyczne i bardzo wpływowe filmy krótkometrażowe tworzył Ladislas Starevich z jego animacjami lalkowymi od 1910 i Winsor McCay ze szczegółową animacją rysunkową w filmach takich jak Mały Nemo (1911) i Dinozaur Gertie (1914).
W latach 1910 produkcja animowanych „ kreskówek ” stała się przemysłem w USA. Odnoszący sukcesy producent John Randolph Bray i animator Earl Hurd , opatentowali proces animacji cel , który dominował w branży animacji przez resztę stulecia. Kot Feliks , który zadebiutował w 1919 roku, stał się pierwszą animowaną supergwiazdą.
Amerykański złoty wiek
W 1928 roku Steamboat Willie , z Myszką Miki i Myszką Minnie , spopularyzował film ze zsynchronizowanym dźwiękiem i umieścił studio Walta Disneya na czele branży animacji.
Ogromny sukces Myszki Miki jest postrzegany jako początek złotego wieku amerykańskiej animacji , który trwał do lat 60. XX wieku. Stany Zjednoczone zdominowały światowy rynek animacji dzięki mnóstwu animowanych filmów krótkometrażowych. Kilka studio wprowadzi znaki, które stały się bardzo popularne i będzie mieć długotrwałe kariery, w tym Maria Butinova Studios ' Mapmo (1924), Leo Król Knott (1931), Walt Disney Productions ' Goofy (1932) i Donald Duck (1934) , Warner Bros. Cartoons ' Looney Tunes postacie, takie jak Porky Pig (1935), Daffy Duck (1937), Bugs Bunny (1938/1940), Tweety (1941/1942), Sylvester the Cat (1945), Wile E. Coyote i Road Runner (1949), Fleischer Studios / Paramount kreskówki Studios ' Betty Boop (1930), Popeye (1933) Superman (1941) oraz Casper (1945), MGM kreskówki studio ' s Tom i Jerry (1940) oraz Droopy , Walter Lantz Productions / Universal Studio Cartoons ' Woody Woodpecker (1940), Terrytoons / 20th Century Fox 's Mighty Mouse (1942) i United Artists ' Pink Panther (1963).
Funkcje przed CGI
W 1917 roku włosko-argentyński reżyser Quirino Cristiani nakręcił pierwszy pełnometrażowy film El Apóstol (obecnie zaginiony ), który odniósł krytyczny i komercyjny sukces. Po nim w 1918 roku pojawiły się rastros Sin dejar Cristianiego , ale dzień po premierze film został skonfiskowany przez rząd.
Po trzech latach pracy nad nim Lotte Reiniger wydała w 1926 roku niemiecką pełnometrażową animację sylwetkową Die Abenteuer des Prinzen Achmed , najstarszy zachowany film animowany.
W 1937 roku Walt Disney Studios wypuściło swój pierwszy film animowany, Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków , wciąż jeden z najbardziej dochodowych tradycyjnych filmów animowanych w maju 2020 roku. Studio Fleischera poszło za tym przykładem w 1939 roku z pewnym sukcesem, wydając Podróże Guliwera . Częściowo z powodu odcięcia rynków zagranicznych przez drugą wojnę światową, kolejne filmy Disneya Pinokio , Fantasia (obie 1940) i drugi animowany film Fleischer Studios Mr. Bug Goes to Town (1941/1942) zawiodły. Przez dziesięciolecia Disney był jedynym amerykańskim studiem, które regularnie produkowało filmy animowane, dopóki Ralph Bakshi nie stał się pierwszym, który również wydał więcej niż garść filmów . Sullivan-Bluth Studios zaczęło regularnie produkować filmy animowane, począwszy od An American Tail w 1986 roku.
Chociaż stosunkowo niewiele tytułów odniosło taki sukces, jak filmy Disneya, inne kraje rozwinęły własne branże animacji, które produkowały zarówno krótkie, jak i fabularne animacje teatralne w szerokiej gamie stylów, stosunkowo często obejmujące techniki animacji poklatkowej i wycinanej . Rosyjskie studio animacji Soyuzmultfilm , założone w 1936 r., produkowało średnio 20 filmów (w tym krótkometrażowe) rocznie, aw 2018 r. osiągnęło 1582 tytuły. Chiny, Czechosłowacja/Czechy, Włochy, Francja i Belgia to kolejne kraje, które częściej niż okazjonalnie publikowały filmy fabularne , podczas gdy Japonia stała się prawdziwą potęgą w produkcji animacji, z własnym rozpoznawalnym i wpływowym stylem anime efektywnej animacji ograniczonej .
Telewizja
Animacja stała się bardzo popularna w telewizji od lat pięćdziesiątych, kiedy telewizory zaczęły być powszechne w większości krajów rozwiniętych. Bajki były głównie programowane dla dzieci, w dogodnych przedziałach czasowych, a zwłaszcza młodzież z USA spędzała wiele godzin na oglądaniu bajek w sobotni poranek . Wiele klasycznych kreskówek znalazło nowe życie na małym ekranie, a pod koniec lat pięćdziesiątych produkcja nowych kreskówek zaczęła przenosić się z filmów kinowych na seriale telewizyjne. Szczególnie płodna była produkcja Hanna-Barbera Productions, która miała ogromne hity, takie jak The Flintstonowie (1960–1966) (pierwszy serial animowany w prime time ), Scooby-Doo (od 1969) i belgijska koprodukcja Smerfy (1981–1989) . Ograniczenia amerykańskiej telewizji i zapotrzebowanie na olbrzymią ilość filmów spowodowały, że metody animacji były tańsze i szybsze , a scenariusze bardziej schematyczne. Jakość spadła, aż pod koniec lat 80. i na początku lat 90. pojawiły się bardziej śmiałe animacje z przebojowymi serialami, takimi jak The Simpsons (od 1989), jako część „renesansu” amerykańskiej animacji.
Podczas gdy amerykańskie seriale animowane również odniosły sukcesy na arenie międzynarodowej, wiele innych krajów stworzyło własne programy zorientowane na dzieci, stosunkowo często preferując animację poklatkową i lalkarską niż animację cel. Japońskie seriale anime odniosły wielki międzynarodowy sukces od lat 60. XX wieku, a europejscy producenci poszukujący niedrogich animatorów celowych stosunkowo często rozpoczynali koprodukcje z japońskimi studiami, co zaowocowało przebojowymi serialami, takimi jak Barbapapa (Holandia/Japonia/Francja 1973-1977), Wickie und die starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky the Viking) (Austria/Niemcy/Japonia 1974) oraz The Jungle Book (Włochy/Japonia 1989).
Przełącz się z komórek na komputery
Animacja komputerowa rozwijała się stopniowo od lat 40. XX wieku. Animacja szkieletowa 3D zaczęła pojawiać się w głównym nurcie w latach 70., wraz z wczesnym (krótkim) pojawieniem się w thrillerze science fiction Futureworld (1976).
Ratownicy na dole był pierwszym filmem pełnometrażowym, który został całkowicie stworzony cyfrowo bez kamery. Został wyprodukowany w stylu bardzo podobnym do tradycyjnej animacji cel w systemie produkcji animacji komputerowej (CAPS), opracowanym przez The Walt Disney Company we współpracy z firmą Pixar pod koniec lat 80-tych.
Tak zwany styl 3D, częściej kojarzony z animacją komputerową, stał się niezwykle popularny od czasu Toy Story firmy Pixar (1995), pierwszego filmu animowanego komputerowo w tym stylu.
Większość studiów animacji celowych przeszła na produkcję głównie komputerowych filmów animowanych około lat 90., ponieważ okazało się to tańsze i bardziej opłacalne. Nie tylko bardzo popularny styl animacji 3D został wygenerowany za pomocą komputerów, ale także większość filmów i seriali o bardziej tradycyjnym, ręcznie robionym wyglądzie, w którym urocze cechy animacji cel można emulować za pomocą oprogramowania, a nowe narzędzia cyfrowe pomogły w rozwoju nowe style i efekty.
Status ekonomiczny
W 2008 roku rynek animacji był wart 68,4 mld USD. W latach 2004–2013 pełnometrażowe filmy animowane osiągały najwyższe marże brutto (około 52%) ze wszystkich gatunków filmowych .
Edukacja, propaganda i reklamy
Przejrzystość animacji sprawia, że jest to potężne narzędzie do nauczania, a jej całkowita plastyczność pozwala również na przesady, które można wykorzystać do przekazania silnych emocji i udaremnienia rzeczywistości. Dlatego jest szeroko stosowany do innych celów niż zwykła rozrywka.
Podczas II wojny światowej animacja była szeroko wykorzystywana do celów propagandowych. Wiele amerykańskich wytwórni , w tym Warner Bros. i Disney, użyczyło swoich talentów i postaci z kreskówek, aby przekazać społeczeństwu pewne wartości wojenne. Niektóre kraje, w tym Chiny, Japonia i Wielka Brytania, wyprodukowały swoją pierwszą pełnometrażową animację w ramach swoich działań wojennych.
Animacja jest bardzo popularna w reklamach telewizyjnych, zarówno ze względu na jej atrakcyjność graficzną, jak i humor, jaki może zapewnić. Niektóre animowane postacie w reklamach przetrwały przez dziesięciolecia, takie jak Snap, Crackle i Pop w reklamach płatków śniadaniowych Kellogga. Legendarny reżyser animacji Tex Avery był producentem pierwszych reklam Raid „ Kills Bugs Dead ” w 1966 roku, które odniosły duży sukces dla firmy.
Inne media, towary i parki rozrywki
Oprócz sukcesu w kinach i serialach telewizyjnych, wiele postaci z kreskówek okazałoby się również niezwykle dochodowymi, gdy uzyskano licencje na wszelkiego rodzaju towary i inne media.
Animacja jest tradycyjnie bardzo blisko związana z komiksami . Podczas gdy wiele postaci z komiksów trafiło na ekran (co często ma miejsce w Japonii, gdzie wiele mang jest adaptowanych do anime ), oryginalne postacie animowane często pojawiają się również w komiksach i czasopismach. Nieco podobnie postacie i fabuły do gier wideo (interaktywne medium animacji) zostały zaczerpnięte z filmów i odwrotnie.
Część oryginalnych treści wyprodukowanych na ekran może być wykorzystywana i sprzedawana w innych mediach. Historie i obrazy można łatwo dostosować do książek dla dzieci i innych mediów drukowanych. Piosenki i muzyka pojawiły się na płytach i jako media strumieniowe.
Podczas gdy bardzo wiele firm zajmujących się animacją komercyjnie wykorzystuje swoje dzieła poza ruchomymi obrazami, The Walt Disney Company jest najbardziej znanym i najbardziej ekstremalnym przykładem. Od czasu uzyskania licencji na dziecięcy tablet do pisania w 1929 roku, ich maskotka Myszka Miki była przedstawiana na ogromnej liczbie produktów , podobnie jak wiele innych postaci Disneya. Mogło to wpłynąć na pejoratywne użycie imienia Mickey , ale licencjonowane produkty Disneya dobrze się sprzedają, a tak zwana Disneyana ma wielu zapalonych kolekcjonerów, a nawet oddany fanklub Disneyana (od 1984).
Disneyland został otwarty w 1955 roku i oferuje wiele atrakcji opartych na postaciach z kreskówek Disneya. Jego ogromny sukces zrodził kilka innych parków rozrywki i kurortów Disneya . Zarobki Disneya z parków rozrywki stosunkowo często były wyższe niż te z ich filmów.
Krytyka
Krytyka animacji była powszechna w mediach i kinie od samego początku. Wraz z jego popularnością pojawiła się duża ilość krytyki, zwłaszcza pełnometrażowych filmów animowanych. Wiele obaw związanych z reprezentacją kulturową, psychologicznymi skutkami dla dzieci pojawiło się w branży animacji, która pozostała raczej politycznie niezmieniona i stagnacja od momentu jej powstania w kulturze głównego nurtu.
Nagrody
Podobnie jak w przypadku każdej innej formy mediów, animacja ustanowiła nagrody za doskonałość w tej dziedzinie. Oryginalne nagrody za animację wręczyła Akademia Sztuki i Wiedzy Filmowej za animowane filmy krótkometrażowe z roku 1932, podczas 5 edycji Oscarów . Pierwszym zdobywcą Oscara był film krótkometrażowy Flowers and Trees , produkcja Walt Disney Productions . Nagroda Akademii dla pełnometrażowego filmu animowanego została ustanowiona dopiero w 2001 roku i przyznana podczas 74. Oscarów w 2002 roku. Zdobył ją film Shrek , wyprodukowany przez DreamWorks i Pacific Data Images . Disney Animation i Pixar wyprodukowały najwięcej filmów, które wygrały lub zostały nominowane do nagrody. Beauty and the Beast był pierwszym filmem animowanym nominowanym do nagrody Best Picture. Up and Toy Story 3 otrzymały również nominacje do najlepszego filmu po tym, jak Akademia zwiększyła liczbę nominowanych z pięciu do dziesięciu.
Kilka innych krajów ustanowiło nagrodę dla najlepszego filmu animowanego w ramach krajowych nagród filmowych: Africa Movie Academy Award dla najlepszej animacji (od 2008), BAFTA Award dla najlepszego filmu animowanego (od 2006), César Award dla najlepszej animacji Film (od 2011), Złoty Kogut dla Najlepszej Animacji (od 1981), Nagroda Goya dla Najlepszego Filmu Animowanego (od 1989), Nagroda Japońskiej Akademii za Animację Roku (od 2007), Narodowa Nagroda Filmowa dla Najlepszego Filmu Animowanego (od 2006). Również od 2007 roku Asia Pacific Screen Award dla najlepszego pełnometrażowego filmu animowanego jest przyznawana w ramach Asia Pacific Screen Awards . Od 2009 roku Europejskie Nagrody Filmowe przyznają Europejską Nagrodę Filmową dla Najlepszego Filmu Animowanego .
Annie Award to kolejna nagroda przedstawiony za doskonałość w dziedzinie animacji. W przeciwieństwie do Oscarów, Nagrody Annie są przyznawane tylko za osiągnięcia w dziedzinie animacji, a nie za żadną inną dziedzinę technicznego i artystycznego przedsięwzięcia. Zostały one zreorganizowane w 1992 roku, aby stworzyć nowe pole dla najlepszego filmu animowanego. Zwycięzcy lat 90. byli zdominowani przez Walta Disneya; jednak nowsze studia, kierowane przez Pixar i DreamWorks, zaczęły konsekwentnie walczyć o tę nagrodę. Lista laureatów przedstawia się następująco:
- Nagroda Annie za najlepszy film animowany
- Nagroda Annie za najlepszy krótkometrażowy film animowany
- Annie Award za najlepszą animowaną produkcję telewizyjną
Produkcja
Tworzenie nietrywialnych prac animacyjnych (tj. dłuższych niż kilka sekund) rozwinęło się jako forma tworzenia filmów , z pewnymi unikalnymi aspektami. Cechami wspólnymi zarówno dla pełnometrażowych filmów fabularnych, jak i animowanych są pracochłonność i wysokie koszty produkcji.
Najważniejsza różnica polega na tym, że gdy film jest już w fazie produkcji, koszt krańcowy jednego ujęcia więcej jest wyższy w przypadku filmów animowanych niż filmów aktorskich. Reżyserowi stosunkowo łatwo jest poprosić o jeszcze jedno ujęcie podczas głównych zdjęć do filmu aktorskiego, ale każde ujęcie filmu animowanego musi być ręcznie renderowane przez animatorów (chociaż zadanie renderowania nieco innych ujęć jest mniej żmudne przez nowoczesną animację komputerową). Studio nie ma sensu płacić pensji dziesiątkom animatorów za spędzanie tygodni na tworzeniu wizualnie olśniewającej pięciominutowej sceny, jeśli ta scena nie rozwinie skutecznie fabuły filmu. W ten sposób studia animacji, począwszy od Disneya, rozpoczęły w latach 30. XX wieku praktykę utrzymywania działów fabularnych, w których artyści storyboardów rozwijają każdą scenę za pomocą storyboardów , a następnie przekazują film animatorom dopiero po tym, jak zespół produkcyjny jest przekonany, że wszystkie sceny mają sens jako cały. Podczas gdy filmy aktorskie są teraz również oparte na scenopisach, cieszą się większą swobodą, aby odejść od scenorysów (tj. Improwizacja w czasie rzeczywistym).
Innym problemem charakterystycznym dla animacji jest wymóg zachowania spójności filmu od początku do końca, nawet jeśli filmy wydłużyły się, a zespoły się rozrosły. Animatorzy, jak wszyscy artyści, z konieczności mają indywidualny styl, ale muszą konsekwentnie podporządkowywać swoją indywidualność każdemu stylowi zastosowanemu w danym filmie. Od początku lat 80. zespoły liczące od około 500 do 600 osób, z których od 50 do 70 to animatorzy, zazwyczaj tworzyły pełnometrażowe filmy animowane. Dwóm lub trzem artystom stosunkowo łatwo jest dopasować swój styl; synchronizacja tych kilkudziesięciu artystów jest trudniejsza.
Ten problem jest zwykle rozwiązywany przez oddzielną grupę artystów zajmujących się rozwojem wizualnym, którzy opracowują ogólny wygląd i paletę dla każdego filmu przed rozpoczęciem animacji. Projektanci postaci w zespole ds. rozwoju wizualnego rysują arkusze modeli, aby pokazać, jak każda postać powinna wyglądać z różnymi wyrazami twarzy, pozowana w różnych pozycjach i widziana pod różnymi kątami. W tradycyjnie animowanych projektach często rzeźbiono makiety, aby pomóc animatorom zobaczyć, jak postacie będą wyglądać pod różnymi kątami.
W przeciwieństwie do filmów akcji na żywo, filmy animowane były tradycyjnie rozwijane poza sceną streszczenia poprzez format storyboardu; twórcy storyboardów otrzymali wtedy uznanie za napisanie filmu. We wczesnych latach sześćdziesiątych studia animacji zaczęły zatrudniać profesjonalnych scenarzystów do pisania scenariuszy (przy jednoczesnym dalszym korzystaniu z działów fabularnych), a pod koniec lat osiemdziesiątych scenariusze stały się powszechne w filmach animowanych.
Techniki
Tradycyjny
Tradycyjna animacja (zwana także animacją cel lub animacją rysowaną ręcznie) była procesem stosowanym w większości filmów animowanych XX wieku. Poszczególne kadry tradycyjnie animowanego filmu to fotografie rysunków, najpierw narysowanych na papierze. Aby stworzyć iluzję ruchu, każdy rysunek różni się nieco od poprzedniego. Rysunki animatorów są odrysowywane lub kopiowane na przezroczyste arkusze octanowe zwane celami , które są wypełnione farbami w przypisanych kolorach lub tonach po stronie przeciwnej do rysunków liniowych. Wypełnione komórki postaci są sfotografowane pojedynczo na namalowanym tle za pomocą kamery na trybunie na taśmie filmowej.
Tradycyjny proces animacji cel stał się przestarzały na początku XXI wieku. Dziś rysunki animatorów i tła są albo skanowane, albo rysowane bezpośrednio w systemie komputerowym. Do kolorowania rysunków oraz symulacji ruchu i efektów kamery używa się różnych programów. Ostateczny film animowany jest przesyłany do jednego z kilku nośników, w tym tradycyjnego filmu 35 mm i nowszych nośników z cyfrowym wideo . „Wygląd” tradycyjnej animacji cel jest nadal zachowany, a praca animatorów postaci pozostała zasadniczo taka sama przez ostatnie 70 lat. Niektórzy producenci animacji używają terminu „ tradigital ” (gra słów „tradycyjny” i „cyfrowy”), aby opisać animację, która wykorzystuje znaczącą technologię komputerową.
Przykłady tradycyjnie animowanych filmów fabularnych to Pinokio (Stany Zjednoczone, 1940), Animal Farm (Wielka Brytania, 1954), Lucky i Zorba (Włochy, 1998) oraz The Illusionist (Brytyjsko-Francuski, 2010). Tradycyjnie filmy animowane produkowane przy użyciu technologii komputerowej to Król Lew (USA, 1994), Książę Egiptu (USA, 1998), Akira (Japonia, 1988), Spirited Away (Japonia, 2001), Trojaczki z Belleville ( Francja, 2003) i The Secret of Kells (irlandzko-francusko-belgijski, 2009).
Pełny
Pełna animacja odnosi się do procesu tworzenia wysokiej jakości tradycyjnie animowanych filmów, które regularnie wykorzystują szczegółowe rysunki i wiarygodny ruch, mając płynną animację. W pełni animowane filmy mogą być tworzone w różnych stylach, od bardziej realistycznie animowanych dzieł, takich jak te wyprodukowane przez studio Walta Disneya ( Mała Syrenka , Piękna i Bestia , Aladyn , Król Lew ) po bardziej „kreskówki” Warner Bros. studio animacji . Wiele animowanych filmów Disneya jest przykładami pełnej animacji, podobnie jak dzieła spoza Disneya, The Secret of NIMH (USA, 1982), The Iron Giant (USA, 1999) i Nocturna (Hiszpania, 2007). W pełni animowane filmy są animowane z szybkością 24 klatek na sekundę, z kombinacją animacji jedno- i dwójkowej, co oznacza, że rysunki mogą być przechowywane przez jedną klatkę z 24 lub dwie klatki z 24.
Ograniczony
Ograniczona animacja obejmuje użycie mniej szczegółowych lub bardziej stylizowanych rysunków i metod ruchu, zwykle animacji ruchu wzburzonego lub „przeskoku”. Ograniczona animacja wykorzystuje mniej rysunków na sekundę, co ogranicza płynność animacji. Jest to bardziej ekonomiczna technika. Zapoczątkowana przez artystów z amerykańskiego studia United Productions of America ograniczona animacja może być wykorzystana jako metoda stylizowanej ekspresji artystycznej, jak w Gerald McBoing-Boing (USA, 1951), Yellow Submarine (Wielka Brytania, 1968) i niektórewyprodukowane anime w Japonii. Jego głównym zastosowaniem było jednak tworzenie opłacalnych treści animowanych dla mediów dla telewizji (praca Hanna-Barbera, Filmation i innych studiów animacji telewizyjnych), a później dla Internetu ( rysunki internetowe ).
Rotoscoping
Rotoscoping to technika opatentowana przez Maxa Fleischera w 1917 roku, w której animatorzy śledzą ruch na żywo, klatka po klatce. Film źródłowy może być bezpośrednio skopiowany z konturów aktorów na animowane rysunki, jak we Władcy Pierścieni (USA, 1978) lub użyty w stylizowany i ekspresyjny sposób, jak w Waking Life (USA, 2001) i Skaner mroczny (USA, 2006). Inne przykłady to Fire and Ice (USA, 1983), Heavy Metal (1981) i Aku no Hana (Japonia, 2013).
Mieszanie na żywo
Akcja na żywo / animacja to technika łącząca ręcznie rysowane postacie w ujęcia na żywo lub aktorów na żywo w animowane ujęcia. Jednym z wcześniejszych zastosowań było Koko the Clown, kiedy Koko został narysowany na materiale filmowym. Walt Disney i Ub Iwerks stworzyli serię Alice Comedies (1923–1927), w której do animowanego świata wkracza aktorka. Inne przykłady to Allegro Non Troppo (Włochy 1976), Kto wrobił królika Rogera (USA, 1988), Volere volare (Włochy 1991), Space Jam (USA, 1996) i Osmosis Jones (USA, 2001).
Zatrzymaj ruch
Animacja poklatkowa jest używana do opisania animacji stworzonej przez fizyczne manipulowanie obiektami w świecie rzeczywistym i fotografowanie ich po jednej klatce filmu, aby stworzyć iluzję ruchu. Istnieje wiele różnych typów animacji poklatkowych, zwykle nazwanych od medium użytego do tworzenia animacji. Oprogramowanie komputerowe jest powszechnie dostępne do tworzenia tego typu animacji; tradycyjna animacja poklatkowa jest zwykle tańsza, ale bardziej czasochłonna w produkcji niż obecna animacja komputerowa.
-
Animacja lalkowa zazwyczaj obejmuje interakcję poklatkowych postaci lalek w skonstruowanym środowisku, w przeciwieństwie do interakcji w świecie rzeczywistym w animacji modelu. Marionetki na ogół mająwewnątrz szkielet, który utrzymuje je nieruchomo i stabilnie, aby ograniczyć ich ruch do określonych stawów. Przykładami są The Tale of the Fox (Francja, 1937), The Nightmare Before Christmas (USA, 1993), Corpse Bride (USA, 2005), Coraline (USA, 2009), filmy Jiříego Trnki i animowana komedia dla dorosłych serial telewizyjny Robot Chicken (USA, 2005-obecnie).
- Puppetoon , stworzone przy użyciu technik opracowanych przez George'a Pal , to filmy animowane lalkami, które zazwyczaj wykorzystują inną wersję lalki dla różnych klatek, zamiast po prostu manipulować jedną istniejącą lalką.
-
Clay Animation , czylianimacja z plasteliny (często nazywana claymation , która jednak jestnazwą zastrzeżoną ), wykorzystuje figury wykonane z gliny lub podobnego materiału plastycznego do tworzenia animacji poklatkowej. Figury mogą mieć wewnątrz szkielet lub ramę z drutu, podobną do powiązanej animacji marionetkowej (poniżej), którą można manipulować, aby ustawić figury. Alternatywnie, figurki mogą być wykonane w całości z gliny, w filmach Bruce'a Bickforda , gdzie gliniane stworzenia przemieniają się w różne kształty. Przykłady prac animowanych gliną obejmują The Gumby Show (USA, 1957-1967), Mio Mao (Włochy, 1974-2005),szorty Morph (Wielka Brytania, 1977-2000),szorty Wallace i Gromit (Wielka Brytania, od 1989), Jan Švankmajer „s Wymiary Dialogu ( Czechosłowacja , 1982), Pułapka drzwi (Wielka Brytania, 1984). Filmy to Wallace i Gromit: Klątwa królika , Bieg kurczaka i Przygody Marka Twaina .
- Animacja cięcia warstwowego , Animacja cięcia warstwowego jest najczęściej formą animacji gliny, w której długi, podobny do chleba „bochenek” gliny, wewnętrznie ciasno upakowany i obciążony różnymi obrazami, jest pokrojony na cienkie arkusze, a kamera animacyjna zabiera ramka na końcu bochenka dla każdego cięcia, ostatecznie ujawniając ruch wewnętrznych obrazów.
-
Animacja wycinana to rodzaj animacji poklatkowej tworzony przez przesuwanie dwuwymiarowych kawałków materiału lub materiału. Przykładami sąanimowane sekwencje Terry'ego Gilliama z Latającego Cyrku Monty Pythona (Wielka Brytania, 1969-1974); Fantastyczna planeta (Francja/Czechosłowacja, 1973); Tale of Tales (Rosja, 1979), odcinek pilotażowy serialu telewizyjnego dla dorosłych (a czasami w odcinkach) South Park (USA, 1997) oraz teledysk Live for the moment, z zespołu Verona Riots (produkowany przez Alberto Serrano oraz Nívola Uyá, Hiszpania 2014).
- Animacja sylwetki to wariant animacji wycinanej, w której postacie są podświetlone i widoczne tylko jako sylwetki. Przykłady obejmują The Adventures of Prince Achmed ( Republika Weimarska , 1926) i Princes et Princesses (Francja, 2000).
-
Animacja modelu odnosi się do animacji poklatkowej stworzonej w celu interakcji i istnienia jako część świata akcji na żywo. Przecinające się, matowe efekty i podzielone ekrany są często wykorzystywane do łączenia postaci lub obiektów poklatkowych z żywymi aktorami i ustawieniami. Przykłady obejmują prace Raya Harryhausena , widziane w filmach, Jason and the Argonauts (1963) oraz prace Willisa H. O'Briena na temat filmów, King Kong (1933).
- Go motion to odmiana animacji modelu, która wykorzystuje różne techniki do tworzenia rozmycia ruchu między klatkami filmu, czego nie ma w tradycyjnym poklatkowym ruchu. Technika została wynaleziona przez Industrial Light & Magic i Phila Tippetta, aby stworzyćsceny z efektami specjalnymi do filmu Imperium kontratakuje (1980). Innym przykładem jest smok o imieniu „Vermithrax” z filmu Dragonslayer z 1981 roku.
-
Animacja obiektów odnosi się do użycia zwykłych obiektów nieożywionych w animacji poklatkowej, w przeciwieństwie do specjalnie tworzonych obiektów.
- Animacja graficzna wykorzystuje nierysowany płaski wizualny materiał graficzny (zdjęcia, wycinki z gazet, czasopisma itp.), które czasami są manipulowane klatka po klatce w celu stworzenia ruchu. W innych przypadkach grafika pozostaje nieruchoma, podczas gdy kamera poklatkowa jest poruszana, aby stworzyć akcję na ekranie.
- Brickfilm to podgatunek animacji obiektów polegający na użyciu klocków Lego lub innych podobnych zabawek z klocków do tworzenia animacji. Ostatnio zyskały one na popularności wraz z pojawieniem się witryn do udostępniania filmów, YouTube oraz dostępnością tanich aparatów i oprogramowania do animacji .
- Pixilation polega na wykorzystaniu żywych ludzi jako postaci poklatkowych. Pozwala to na szereg surrealistycznych efektów, w tym znikanie i ponowne pojawianie się, pozwalając ludziom na ślizganie się po ziemi i inne efekty. Przykłady obejmują pixilation tajnego Adventures of Tom Thumb i gniewnych Kid spodenkach, a Oscara -winning Neighbours przez Normana McLarena .
Komputer
Animacja komputerowa obejmuje różne techniki, a jednoczącym czynnikiem jest to, że animacja jest tworzona cyfrowo na komputerze. Techniki animacji 2D koncentrują się na manipulacji obrazem, podczas gdy techniki 3D zwykle budują wirtualne światy, w których postacie i obiekty poruszają się i wchodzą w interakcje. Animacja 3D może tworzyć obrazy, które widzowi wydają się prawdziwe.
2D
Figury animacji 2D są tworzone lub edytowane na komputerze za pomocą grafiki bitmapowej 2D i grafiki wektorowej 2D . Obejmuje to zautomatyzowane skomputeryzowane wersje tradycyjnych technik animacji, interpolowane morfingowanie , skórowanie cebuli i interpolowane rotoscoping. Animacja 2D ma wiele zastosowań, w tym analogowe animacji komputerowej , animacji Flash i animacji PowerPoint . Kinografiki to nadal fotografie w formie animowanego pliku GIF , którego część jest animowana.
Animacja adwekcji końcowej linii jest techniką wykorzystywaną w animacji 2D, aby dać artystom i animatorom większy wpływ i kontrolę nad produktem końcowym, ponieważ wszystko odbywa się w tym samym dziale. Mówiąc o zastosowaniu tego podejścia w Paperman , John Kahrs powiedział, że „Nasi animatorzy mogą zmieniać rzeczy, właściwie usuwać warstwę CG, jeśli chcą, i zmieniać profil ramienia”.
3D
Animacja 3D jest modelowana cyfrowo i manipulowana przez animatora. Kreator modeli 3D zwykle zaczyna od utworzenia siatki wielokątów 3D, którą animator może manipulować. Siatka zazwyczaj zawiera wiele wierzchołków, które są połączone krawędziami i ścianami, co daje wizualny wygląd formy obiektowi 3D lub środowisku 3D. Czasami siatka otrzymuje wewnętrzną cyfrową strukturę szkieletową zwaną szkieletem, która może być używana do kontrolowania siatki poprzez ważenie wierzchołków. Proces ten nazywa się olinowaniem i może być używany w połączeniu z klatkami kluczowymi do tworzenia ruchu.
Można zastosować inne techniki, funkcje matematyczne (np. grawitacja, symulacje cząstek), symulowane futro lub włosy oraz efekty, symulacje ognia i wody . Techniki te należą do kategorii dynamiki 3D.
Warunki
- Animacja Cel-shading służy do naśladowania tradycyjnej animacji przy użyciu oprogramowania komputerowego. Cieniowanie wygląda surowo, z mniejszym mieszaniem kolorów. Przykłady obejmują Skyland (2007, Francja), The Iron Giant (1999, Stany Zjednoczone), Futurama (1999, Stany Zjednoczone) Appleseed Ex Machina (2007, Japonia), The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002, Japonia), The Legend of Zelda: Breath of the Wild (2017, Japonia)
- Machinima – Filmy tworzone przez przechwytywanie ekranu w grach wideo i wirtualnych światach. Termin pochodzi z wprowadzenia oprogramowania w demoscenach lat 80., a także z nagrań pierwszoosobowej strzelanki wideo Quake z lat 90. XX wieku.
- Przechwytywanie ruchu jest używane, gdy aktorzy działający na żywo noszą specjalne kostiumy, które umożliwiają komputerom kopiowanie ich ruchów do postaci CG. Przykłady obejmują Ekspres Polarny (2004, USA), Beowulf (2007, USA), Opowieść wigilijną (2009, USA), The Adventures of Tintin (2011, USA) kochadiiyan (2014, Indie)
- Animacja komputerowa służy przede wszystkim do animacji, która próbuje przypominać prawdziwe życie, wykorzystując zaawansowany rendering, który naśladuje w szczegółach skórę, rośliny, wodę, ogień, chmury itp. Przykłady obejmują Up (2009, USA), How to Train Your Dragon (2010, NAS)
- Animacja oparta na fizyce to animacja wykorzystująca symulacje komputerowe .
Mechaniczny
-
Animatronika to wykorzystanie mechatroniki do tworzenia maszyn, które wydają się ożywione, a nie roboty.
- Audio-Animatronika i Autonomatronika to formaanimacji robotycznej , połączona z animacją 3D, stworzona przez Walt Disney Imagineering do pokazów i atrakcji w parkach rozrywki Disneya, które poruszają się i hałasują (zazwyczaj nagraną mowę lub piosenkę). Są przywiązani do tego, co ich wspiera. Mogą siedzieć i stać i nie mogą chodzić. Audio-animatron różni się odrobota typu android tym, że zamiast reagować na bodźce zewnętrzne, wykorzystuje nagrane wcześniej ruchy i dźwięki. W 2009 roku Disney stworzył interaktywną wersję technologii o nazwie Autonomatronics.
- Generator Animacji Liniowej to forma animacji wykorzystująca statyczne ramki obrazu zainstalowane w tunelu lub szybie. Iluzję animacji tworzy się poprzez wprawienie widza w ruch liniowy, równoległy do zainstalowanych ramek obrazu. Koncepcja i rozwiązanie techniczne zostały wymyślone w 2007 roku przez Mihai Girlovan w Rumunii.
- Chuckimation to rodzaj animacji stworzonej przez twórców serialu telewizyjnego Action League Now! w którym postacie/rekwizyty są rzucane lub zrzucane z kamery lub poruszane, aby symulować mówienie niewidocznymi rękami.
- Magiczna latarnia wykorzystywane slajdy mechaniczne do projekcji ruchomych obrazów, prawdopodobnie od Christiaan Huygens wynalazł ten wczesny projektor obrazu w 1659 roku.
Inne
- Hydrotechnika : technika obejmująca światło, wodę, ogień, mgłę i lasery, z projekcjami w wysokiej rozdzielczości na ekranach mgły.
- Draw on animacja filmowa : technika, w której materiał filmowy jest tworzony przez tworzenie obrazów bezpośrednio na taśmie filmowej ; na przykład przez Normana McLarena , Len Lye i Stana Brakhage .
- Animacja na szkle : technika tworzenia filmów animowanych poprzez manipulowanie wolno schnącymi farbami olejnymi na taflach szkła, na przykład autorstwa Aleksandra Pietrowa .
- Wymaż animację : technika wykorzystująca tradycyjne media 2D, fotografowana z biegiem czasu, gdy artysta manipuluje obrazem. Na przykład William Kentridge słynie z filmów kasujących węgiel , a Piotr Dumała z autorskiej techniki animowania rys na tynku.
- Animacja Pinscreen : wykorzystuje ekran wypełniony ruchomymi pinami, które można przesuwać do środka lub na zewnątrz, naciskając obiekt na ekranie. Ekran jest oświetlony z boku dzięki czemu szpilki rzucają cienie. Technika ta została wykorzystana do tworzenia filmów animowanych z szeregiem efektów teksturowych, trudnych do uzyskania przy użyciu tradycyjnej animacji cel.
- Animacja piaskowa : piasek jest przesuwany pokawałku szkła oświetlonym odtyłu lub od przodu,aby stworzyć każdą klatkę filmu animowanego. Daje to ciekawy efekt podczas animacji ze względu na kontrast światła.
- Flipbook : flipbook (czasami, zwłaszcza w brytyjskim angielskim, zwany flick book) to książka z serią obrazków, które zmieniają się stopniowo od jednej strony do drugiej, tak że gdy strony są szybko przewracane, obrazy wydają się animuj, symulując ruch lub inną zmianę. Flipbooki są często ilustrowanymi książkami dla dzieci, są również skierowane do dorosłych i wykorzystują serię fotografii zamiast rysunków. Flipbooki nie zawsze są oddzielnymi książkami, pojawiają się jako dodatek w zwykłych książkach lub czasopismach, często w rogach stron. Dostępne są również pakiety oprogramowania i strony internetowe, które konwertują cyfrowe pliki wideo na niestandardowe flipbooki.
- Animacja postaci
- Multi-szkicowanie
- Animacja efektów specjalnych
Zobacz też
- Dwanaście podstawowych zasad animacji
- Animowany film wojenny
- Dział animacji
- Seriale animowane
- Animacja architektoniczna
- Awarów
- Niezależna animacja
- Międzynarodowy Dzień Animacji
- Międzynarodowe Stowarzyszenie Filmów Animowanych
- Międzynarodowy Turniej Animacji
- Lista tematów związanych z filmem
- Projekt graficzny ruchu
- Towarzystwo Studiów Animacji
- Model szkieletowy
Bibliografia
Cytaty
Źródła
artykuły prasowe
- Anderson, Joseph i Barbara (wiosna 1993). „Dziennik Filmu i Wideo” . Powrót do mitu o trwałości wizji . 45 (1): 3–13. Zarchiwizowane z oryginału w dniu 24 listopada 2009 r.
- Serenko, Aleksander (2007). „Komputery w ludzkich zachowaniach” (PDF) . Opracowanie instrumentu do pomiaru stopnia predyspozycji animacyjnych użytkowników agentów . 23 (1): 478–95.
Książki
- Baer, Ewa (1983). Metaloplastyka w średniowiecznej sztuce islamu . Wydawnictwo Uniwersytetu Stanowego w Nowym Jorku . s. 58, 86, 143, 151, 176, 201, 226, 243, 292, 304. ISBN 978-0-87395-602-4.
- Beck, Jerry (2004). Sztuka animacji: od ołówka do pikseli, historia kreskówek, anime i CGI . Fulhamm Londyn: Flame Tree Publishing. Numer ISBN 978-1-84451-140-2.
- Beckerman, Howard (2003). Animacja: Cała historia . Allworth Press. Numer ISBN 978-1-58115-301-9.
- Bendazzi, Giannalberto (1994). Kreskówki: sto lat animacji kinowej . Bloomington, Indiana: Indiana University Press. Numer ISBN 978-0-253-20937-5.
- Buchan, Suzanne (2013). Wszechobecna animacja . Nowy Jork i Londyn: Routledge. Numer ISBN 978-0-415-80723-4.
- Canemaker, John (2005). Winsor McCay: Jego życie i sztuka (wyd. poprawione). Książki Abramsa. Numer ISBN 978-0-8109-5941-5.
- Cotte, Olivier (2007). Sekrety nagrodzonej Oscarem animacji: Za kulisami 13 klasycznych krótkich animacji . Prasa ogniskowa. Numer ISBN 978-0240520704.
- Crafton, Donald (1993). Przed Mickey: Film animowany 1898–1928 . Chicago: University of Chicago Press. Numer ISBN 978-0-226-11667-9.
- Culhane, Szamus (1990). Animacja: Skrypt na ekran . Prasa św. Numer ISBN 978-0-312-05052-8.
- Drazin, Karol (2011). Faber Book francuskiego kina . Faber i Faber. Numer ISBN 978-0-571-21849-3.
- Finkielman, Jorge (2004). Przemysł filmowy w Argentynie: ilustrowana historia kultury . Karolina Północna: McFarland. P. 20 . Numer ISBN 978-0-7864-1628-8.
- Furniss, Maureen (1998). Sztuka w ruchu: estetyka animacji . Wydawnictwo Uniwersytetu Indiany. Numer ISBN 978-1-86462-039-9.
- Faber, Liz; Walters, Helena (2004). Animation Unlimited: innowacyjne filmy krótkometrażowe od 1940 roku . Londyn: Wydawnictwo Laurence King. Numer ISBN 978-1-85669-346-2.
- Godfrey, Bob; Jackson, Anna (1974). Książka animacji filmowej „Zrób to sam” . Publikacje BBC. Numer ISBN 978-0-563-10829-0.
- Harryhausen, Ray ; Dalton, Tony (2008). Stulecie animacji modelek: od Mélièsa do Aardmana . Prasa Aurum. Numer ISBN 978-0-8230-9980-1.
- Laybourne, Kit (1998). The Animation Book: Kompletny przewodnik po tworzeniu filmów animowanych – od flip-booków, przez kreskówki dźwiękowe, po animację 3D . Nowy Jork: Trzy rzeki Press. Numer ISBN 978-0-517-88602-1.
- Lawson, Tim; Osoby, Alisa (2004). Magia za głosami [ A Who's Who z animowanych aktorów głosowych ]. Prasa uniwersytecka w Missisipi. Numer ISBN 978-1-57806-696-4.
- Ledoux, Trish (1997). Kompletny przewodnik po anime: katalog japońskich filmów animowanych i przewodnik po zasobach . Prasa Tiger Mountain. Numer ISBN 978-0-9649542-5-0.
- Lowe, Richard; Schnotz, Wolfgang, wyd. (2008). Nauka z animacją. Implikacje badawcze dla projektowania . Nowy Jork: Cambridge University Press. Numer ISBN 978-0-521-85189-3.
- Masson, Terrence (2007). CG101: Referencje dla branży grafiki komputerowej . Unikalne i osobiste historie wczesnych produkcji animacji komputerowych oraz kompleksowa podstawa branży dla wszystkich poziomów czytania. Williamstown, MA: Fauxtografia cyfrowa. Numer ISBN 978-0-9778710-0-1.
- Needham, Józef (1962). „Nauka i cywilizacja w Chinach”. Fizyka i technologia fizyczna . IV . Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge.
- Rodzic, Rick (2007). Animacja komputerowa: algorytmy i techniki . Uniwersytet Stanowy Ohio: Morgan Kaufmann. Numer ISBN 978-0-12-532000-9.
- Paweł, Jozue (2005). Cyfrowe hacki wideo . Media O'Reilly. Numer ISBN 978-0-596-00946-5.
- Pilling, Jayne (1997). Towarzystwo Studiów Animacji (red.). Czytelnik w badaniach animacji . Wydawnictwo Uniwersytetu Indiany. Numer ISBN 978-1-86462-000-9.
- Priebe, Ken A. (2006). Sztuka animacji poklatkowej . Technologia kursu Thompsona. Numer ISBN 978-1-59863-244-6.
- Neupert, Richard (2011). Historia animacji francuskiej . John Wiley & Synowie. Numer ISBN 978-1-4443-3836-2.
- Rojas, Carlos; Chow, Eileen (2013). Oxford Handbook of Chinese Cinemas . Oxford University Press. Numer ISBN 978-0-19-998844-0.
- Herman, Sarah (2014). Brick Flicks: kompleksowy przewodnik po tworzeniu własnych filmów LEGO poklatkowych . Nowy Jork: Skyhorse Publishing. Numer ISBN 978-1-62914-649-2.
- Shaffer, Joshua C. (2010). Odkrywanie magicznego królestwa: nieoficjalny przewodnik po wakacjach w Disneylandzie . Indiana: Dom Autorski. Numer ISBN 978-1-4520-6312-6.
- Salomona, Karola (1989). Zaczarowane rysunki: historia animacji . Nowy Jork: Random House, Inc. ISBN 978-0-394-54684-1.
- Tomasz Bob (1958). Walt Disney, sztuka animacji: historia studia Disneya Wkład w nową sztukę . Studia Walta Disneya . Szymona i Schustera.
- Tomasz, Frank ; Johnston, Ollie (1981). Disney Animacja: Iluzja życia . Abbeville Press. Numer ISBN 978-0-89659-233-9.
- Zieliński, Zygfryd (1999). Audiowizje: kino i telewizja jako entr'actes w historii . Wydawnictwo Uniwersytetu w Amsterdamie. Numer ISBN 978-90-5356-303-8.
- Sito, Tom (2013). Przenoszenie innowacji: historia animacji komputerowej . Massachusetts: MIT Prasa . Numer ISBN 978-0-262-01909-5.
- Smith, Thomas G. (1986). Industrial Light & Magic: Sztuka efektów specjalnych . Nowy Jork: Ballantine Books. Numer ISBN 978-0-345-32263-0.
- Biały, Tony (2006). Animacja od ołówków do pikseli: klasyczne techniki dla cyfrowego animatora . Milton Park: Taylor i Francis. Numer ISBN 978-0-240-80670-9.
- Williams, Richard (2001). Zestaw przetrwania Animatora . Fabera i Fabera. Numer ISBN 978-0-571-20228-7.
Źródła internetowe
- Amidi, Amid (2 grudnia 2011). „Krytycy filmowi z Nowego Jorku nie lubili w tym roku ani jednego filmu animowanego” . Kreskówka napar . Źródło 19 lutego 2016 .
- Ball, Ryan (12 marca 2008). „Najstarsza animacja odkryta w Iranie” . Magazyn animacji . Źródło 15 marca 2016 .
- Beck, Jerry (2 lipca 2012). „Trochę więcej o „Papierman ” Disneya ” . Kreskówka napar.
- Bendazzi, Giannalberto (1996). „Nieopowiedziana historia argentyńskiego pioniera animatora” . Animacja Światowa Sieć . Pobrano 29 kwietnia 2016 .
- "Animacja" (PDF) . boi.gov.ph . Zarząd Inwestycji. Listopad 2009. Zarchiwizowane z oryginału (PDF) w dniu 19 października 2012 . Źródło 24 lipca 2012 .
- Brown, Margery (2003). „Eksperymentalne techniki animacji” (PDF) . Olympia, WA: Evergreen State Collage. Zarchiwizowane z oryginału (PDF) w dniu 7 marca 2008 r . Źródło 11 listopada 2005 .
- Carbone, Ken (24 lutego 2010). „Animacja epoki kamienia w cyfrowym świecie: William Kentridge w MoMA” . Szybka firma . Źródło 7 marca 2016 .
- Haglund, David (7 lutego 2014). „Najstarszy znany film LEGO” . Łupek . Pobrano 25 lutego 2016 .
- „Najstarsza animacja świata?” . theheritagetrust.wordpress.com . Zaufanie Dziedzictwa. 25 lipca 2012 r. Zarchiwizowane z oryginału w dniu 22 października 2015 r.
- Kenyon, Heather (1 lutego 1998). „Jak oni to zrobili?: Ujawniono tajemnice poklatkowe” . Animacja Światowa Sieć . Źródło 2 marca 2016 .
- Nagel, styczeń (21 maja 2008). „Płeć w mediach: kobiety nie rządzą” . Animacja Światowa Sieć . Źródło 3 marca 2016 .
- McDuling, John (3 lipca 2014). „Hollywood rezygnuje z komedii” . Atlantyk . Miesięczna Grupa Atlantycka . Pobrano 20 lipca 2014 .
- McLaughlin Dan (2001). „Raczej niekompletny, ale wciąż fascynujący” . Telewizja filmowa . UCLA. Zarchiwizowane z oryginału w dniu 19 listopada 2009 . Źródło 12 lutego 2013 .
- O'Keefe, Matt (11 listopada 2014). „6 głównych innowacji, które zrodziły się w głowach twórców wyobraźni Disneya” . Turystyczny park rozrywki . Źródło 9 marca 2016 .
- Przecinacz wody, Angela (24 maja 2012). „35 lat po Gwiezdnych Wojnach, specjalista od efektów, Phil Tippett powoli tworzy szalonego boga” . Przewodowy . Pobrano 6 lutego 2016 .
- Zohn, Patricia (28 lutego 2010). „Kolorowanie Królestwa” . Targi próżności . Źródło 7 grudnia 2015 .
- „Oskary Walta Disneya” . Muzeum Rodziny Walta Disneya. 22 lutego 2013 r. Zarchiwizowane z oryginału w dniu 22 marca 2015 r . Pobrano 22 lutego 2016 .
- „Władysław Starewicz – Biografia” . kultura.pl . Instytut Adama Mickiewicza. 16 kwietnia 2012 . Źródło 9 lutego 2016 .
Zewnętrzne linki
Zasoby biblioteczne dotyczące animacji |
- Tworzenie 8-minutowego filmu animowanego
- „Animando” , 12 minutowy film demonstrujący 10 różnych technik animacji (i uczący ich posługiwania się).
- Bibliografia animacji – strona internetowa „Histoire de la télévision”
- Animacja w Curlie