Art - Art


Z Wikipedii, wolnej encyklopedii

Ruchu wskazówek zegara od górnej lewej: autoportret przez Vincenta van Gogha ; żeński przodek postać przez Chokwe artysty; szczegół z Narodziny Wenus przez Sandro Botticellim ; i Okinawy lew Shisa .

Sztuka jest zróżnicowany zakres działalności człowieka w tworzeniu wzrokowe, słuchowe lub wykonywania Artefakty ( dzieła ), wyrażając autora wyobraźni , koncepcyjne pomysł lub umiejętności technicznych, przeznaczoną do cenione za ich piękno lub emocjonalnej siły. W swojej najbardziej ogólnej postaci działania te obejmują produkcję dzieł sztuki, krytyka sztuki, studium historii sztuki i estetyki rozpowszechniania sztuki.

Trzy klasyczne gałęzie sztuki są malarstwo , rzeźba i architektura . Muzyka , teatr , filmu , tańca i inne sztuki sceniczne , a także literatura i inne media, takie jak mediach interaktywnych , są zawarte w szerszej definicji sztuki . Aż do 17 wieku, sztuka , o której mowa każdej umiejętności i opanowania i nie była zróżnicowana od rzemiosła lub nauk . We współczesnej użytkowania po 17 wieku, gdzie względy estetyczne są najważniejsze, sztuki piękne są oddzielone i odróżnić od nabytych umiejętności w ogóle, takich jak ozdobne lub sztuką użytkową .

Chociaż definicja sztuki jest kwestionowana i zmieniał się w czasie, ogólne opisy wspomnieć pomysł wyobraźni lub technicznych umiejętności wynikające z ludzkiej agencji i tworzenia. Charakter koncepcji artystycznych i pokrewnych, takich jak kreatywność i interpretacji, są badane w gałęzi filozofii zwanej estetyce .

Twórczy sztuki i dzieł sztuki

Dzieła sztuki mogą opowiadać lub po prostu wyrazić estetyczny prawdę lub uczucie. Panorama z sekcji A Thousand Li z gór i rzek , malowanie 12th-wieku dynastii Song artysta Wang Ximeng .

W perspektywie historii sztuki, dzieła artystyczne istniały niemal tak długo jak ludzkość: od wczesnych prehistorycznych sztuki dla sztuki współczesnej ; Jednak niektóre teorie ograniczyć pojęcie „twórczości” do współczesnych społeczeństwach zachodnich. Jeden z pierwszych poczucie definicji sztuki jest ściśle związane ze starszej łacińskiego znaczenia, który z grubsza przekłada się na „umiejętności” lub „jednostki”, jako związany ze słowami takimi jak „rzemieślnika”. Angielskie słowa pochodzące z tym znaczeniu to artefakt , sztuczny , sztuczność , medycynie i sztuki wojskowej . Jednakże, istnieje wiele innych zastosowań potoczne słowa, wszystkie z pewnym stosunku do jego etymologii .

20th-century Rwandzie butelka. Prace artystyczne mogą służyć praktyczne funkcje, w uzupełnieniu do ich walory dekoracyjne.

Z biegiem czasu, filozofów , jak Platon , Arystoteles , Sokrates i Kanta , m.in. w wątpliwość sens sztuki. Kilka dialogów Platona rozwiązania pytania o sztuce: Sokrates mówi, że poezja jest inspirowana przez muzy , a nie jest racjonalne. Mówi to z aprobatą, a inne formy boskiego szaleństwa (pijaństwo, erotyzmu i marzy) w Phaedrus (265a-c), i jeszcze w Republice chce zdelegalizować wielką sztukę poetycką Homera, i śmiech, jak również. W Ion Sokrates nie daje wskazówkę z dezaprobatą Homera, która wyraża się w Rzeczypospolitej . Dialog Ion sugeruje, że Homer „s Iliada funkcjonował w starożytnego greckiego świata Biblia dzisiaj we współczesnym świecie chrześcijańskim: jak natchnione sztuką literacką, która może dostarczyć wskazówek moralnych, jeśli tylko może być prawidłowo interpretowane.

W odniesieniu do sztuki literackiej i sztuk muzycznych, Arystoteles uważane epika , tragedia, komedia, poezję dytyrambiczny i muzykę za mimetyczne lub odtwórczy sztuki, każdy w różnym naśladowania przez średnim, obiektu, a sposób. Na przykład muzyka imituje z mediami rytmu i harmonii, a taniec imituje z samym rytmie i poezji z języka. Formy różnią się również na celu naśladowania. Komedie, na przykład, jest dramatyczna naśladowanie mężczyzn gorszych niż średnia; natomiast tragedia imituje mężczyźni nieco lepsze niż średnia. Wreszcie, postacie różnią się pod względem sposobu imitacji-through narracji czy charakteru, poprzez zmianę lub brak zmiany, a przez dramat lub bez dramatu. Arystoteles uważał, że naśladownictwo jest naturalne dla człowieka i stanowi jedną z zalet ludzkości nad zwierzętami.

Druga, bardziej aktualne, słowa znaczeniu sztuki jako skrót dla twórczej sztuki lub sztuki pojawiły się na początku 17 wieku. Dzieła sztuki odnosi się do umiejętności wykorzystywane do wyrażania kreatywności artysty, lub zaangażować wrażliwości estetycznej publiczności, albo wyciągnąć publiczność do rozważenia bardziej wyrafinowanej lub drobniejsze dzieła sztuki.

W ramach tego ostatniego sensie, słowo sztuka może odnosić się do kilku rzeczy: (i) badanie twórcze umiejętności, (ii) sposób korzystania z twórcze umiejętności, (iii) produkt twórczej umiejętności, lub (iv) doświadczenie publiczności z twórczego umiejętności. Sztuka twórcze ( sztuki jako dyscypliny) to zbiór dyscyplin, które produkują Dzieła ( sztuki jako obiekty), które są zmuszone przez osobistego napędu (sztuki jako aktywność) i przekazać wiadomość, nastrój lub symbolikę dla postrzegający zinterpretować (sztuki jako doświadczenie). Sztuka jest czymś, co stymuluje danej osoby myśli, emocji, przekonań, lub pomysły poprzez zmysły. Dzieła sztuki mogą być wykonane bezpośrednio do tego celu lub interpretować na podstawie obrazów lub obiektów. Dla niektórych badaczy, takich jak Kant , nauki i sztuki można odróżnić poprzez naukę jako reprezentujący domenę wiedzy i sztuki jako reprezentujący domenę swobody wypowiedzi artystycznej.

Często, gdy umiejętność jest używana we wspólnym lub praktyczny sposób, ludzie będą to rzemiosło zamiast sztuki rozważenia. Podobnie, jeśli jest stosowana umiejętności w sposób handlowych lub przemysłowych, można rozważyć sztuki handlowa zamiast sztuki. Z drugiej strony, rzemiosła i konstrukcja są czasem uznawane za sztukę użytkową . Niektórzy zwolennicy sztuki twierdzą, że różnica między sztuką i zastosowanej techniki ma więcej do czynienia z orzeczeń wartości dokonanych o sztuce niż jakikolwiek jasny definicyjnego różnicy. Jednak nawet dzieła sztuki często ma cele poza czystą kreatywności i wyrażania siebie. Celem dzieł sztuki może komunikować się pomysły, takie jak w politycznie, duchowo, albo filozoficznie motywowanej sztuki; aby stworzyć poczucie piękna (patrz estetykę ); zbadać rodzaj percepcji; dla przyjemności; lub generować silne emocje . Celem może być również pozornie nie istnieje.

Charakter sztuki został opisany przez filozofa Richarda Wollheim jako „jeden z najbardziej nieuchwytny tradycyjnych problemów ludzkiej kultury”. Sztuka została zdefiniowana jako narzędzie ekspresji lub przekazywania emocji i idei, środek do odkrywania i docenienie formalnych elementów dla nich samych, jak i mimesis lub reprezentacji . Sztuka jako mimesis ma głębokie korzenie w filozofii Arystotelesa . Lew Tołstoj identyfikowane jako sztukę wykorzystaniu środków porozumiewania pośrednich od jednej osoby do drugiej. Benedetto Croce i RG Collingwood wysunął idealistyczny pogląd, że sztuka wyraża emocje, i że dzieło sztuki więc zasadniczo istnieje w umyśle twórcy. Teoria sztuki jako forma ma swoje korzenie w filozofii Kanta , i został opracowany na początku XX wieku przez Rogera Fry'a i Clive Bell . Ostatnio, pod wpływem myślicieli Martina Heideggera interpretować sztukę jako środek, dzięki któremu społeczność rozwija się dla siebie medium do wyrażania siebie i interpretacji. George Dickie jest oferowane instytucjonalnej teorii sztuki , która definiuje dzieła sztuki, jak każdy artefakt, na którym wykwalifikowana osoba lub osoby działające w imieniu instytucji społecznej powszechnie określane jako „ świata sztuki ” został przyznany „Status kandydata do uznania ”. Larry Shiner określił sztukę jako „nie jest istotą lub losu, ale coś zrobiliśmy. Sztuka jako my ogólnie rozumiane jest to europejski wynalazek zaledwie dwieście lat.”

Sztuka może być scharakteryzowane pod względem mimesis (jej reprezentacji rzeczywistości), narracyjnego (opowiadania), ekspresji, komunikacji emocji, lub innych cech. Podczas okresu romantyzmu , sztuka zaczęła być postrzegana jako „specjalny wydział ludzkiego umysłu, aby być klasyfikowane z religią i nauką”.

Historia

Wenus z Willendorfu , około 24,000-22,000  BP

Najstarsze udokumentowane formy sztuki są sztuki wizualne , które obejmują tworzenie obrazów lub obiektów w dziedzinach, w tym malarstwa, rzeźby, dzisiejszej grafice , fotografii i innych mediów wizualnych. Rzeźby, malowidła jaskiniowe , malowidła skalne i petroglify z górnego paleolitu datowane na około 40000 lat temu stwierdzono, ale dokładny sens takiej sztuki jest często kwestionowana, ponieważ tak mało wiadomo na temat kultur, które je wyprodukowały. Najstarsze dzieła sztuki w świecie serię maleńkich, wiercone muszli ślimaka około 75.000 lat, zostały odkryte w jaskini Południowej Afryki. Pojemniki, które mogą być używane do przechowywania farby okazały celownik już w 100.000 lat. Muszle trawione przez Homo erectus z 430.000 i 540.000 lat temu zostały odkryte w 2014 roku.

Jaskinia obraz konia od Lascaux jaskiniach, około 16.000 BP

Wielu wielkich tradycji w sztuce ma fundament w sztuce jednego z wielkich starożytnych cywilizacji: starożytnego Egiptu , Mezopotamii , Persji , Indii, Chin, starożytnej Grecji, Rzymie, a także Inków , Majów i Olmeków . Każdy z tych ośrodków wczesnej cywilizacji opracowała unikalny i charakterystyczny styl w sztuce. Ze względu na wielkość i czas trwania tych cywilizacji, więcej ich dzieł sztuki przetrwały i więcej ich wpływu została przekazana do innych kulturach i czasach późniejszych. Niektórzy również dostarczyły pierwsze zapisy jak artyści pracowali. Na przykład, to okres sztuki greckiej zobaczył cześć ludzkiej postaci fizycznej oraz rozwoju równoważne umiejętności, aby pokazać muskulaturę, opanowanie piękno i anatomicznie prawidłowe proporcje.

W bizantyjskiej i średniowiecznej sztuki zachodniego średniowieczu znacznie sztuka koncentruje się na ekspresję badanych o kulturze biblijnej i religijnej, a stosowane style, które wykazywały wyższą chwałę niebiańskim świecie, takich jak wykorzystanie złota na tle obrazów, lub szkła mozaiki lub okien, które Przedstawiono również dane w wyidealizowanych wzorem (płaskich) formy. Niemniej jednak, klasyczny realista tradycja utrzymywała się w małych dzieł bizantyjskich, a realizm stopniowo rosła w sztuce katolickiej Europie .

Renaissance sztuka miała znacznie większy nacisk na realistycznym przedstawieniem świata materialnego, a miejsce ludzi w nim, co znajduje odzwierciedlenie w cielesność ciała ludzkiego i rozwój systematycznej metody perspektywy graficznej do zobrazowania recesji w trójwymiarowym przestrzeń obrazu.

W stylizowany podpis sułtana Mahmuda II z Imperium Osmańskiego została napisana w kaligrafia arabska . To brzmi: „Mahmud Khan syn Abdulhamid jest zawsze zwycięża”.
Wielki Meczet w Kairouan w Tunezji, zwany również Meczet Ukba, jest jednym z najlepszych, najważniejszych i najlepiej zachowanych artystycznych i architektonicznych przykładów wczesnych wielkich meczetów. Dnia w jego obecnym stanie z 9. wieku, jest przodkiem i model wszystkich meczetów w zachodnich ziemiach islamskich.

Na wschodzie, sztuka islamska odrzucenie „s ikonografii doprowadziło do nacisku na geometryczne wzory , kaligrafii i architektury . Dalej na wschód, religia dominuje stylów artystycznych i form zbyt. Indie i Tybet widział nacisk na pomalowanych rzeźb i tańca, podczas gdy obraz religijny pożyczył wiele konwencji z rzeźby i tendencję do jasnych kontrastowych kolorach, z naciskiem na konturów. Chiny zobaczył rozkwit wielu dziedzin sztuki: jade rzeźba, bronzework, ceramiki (w tym ogłuszania terakoty armii cesarza Qin), poezja, kaligrafia, muzyka, malarstwo, teatr, literatura, itp chińskie style różnią się znacznie od epoki do epoki i każdego jeden jest tradycyjnie nazwane dynastii rządzącej. Tak więc, na przykład, dynastii Tang obrazy są monochromatyczne i rzadki, podkreślając wyidealizowane krajobrazy, ale dynastii Ming obrazy są zajęte i kolorowe, a skupić się na opowiadania z ustawieniem i składem. Nazwy japan style po jego cesarskiej dynastii też, a także zobaczyliśmy dużo współzależności między style kaligrafii i malarstwa. Druk Woodblock stał się ważny w Japonii po 17 wieku.

Malowanie przez dynastii Song artysta Ma Lin, circa 1250. 24,8 x 25,2 cm

Zachodnia Wiek Oświecenia w 18. wieku nastąpił przedstawień artystycznych fizycznych i racjonalnych pewników wszechświata zegarku, a także politycznie rewolucyjnych wizji świata post-monarchistyczne, takich jak Blake rolę „s Newtona jako Boskiego Geometry czy Dawida „s propagandowym obrazy. Doprowadziło to do romantycznych odrzucenie tego na rzecz zdjęć emocjonalnej strony i indywidualności człowieka, przedstawiona w powieści Goethego . Następnie pod koniec 19 wieku nastąpił szereg ruchów artystycznych, takich jak akademickiej sztuki , symbolizm , impresjonizm i fowizm między innymi.

Historia sztuki XX wieku to opowieść o nieskończonych możliwości i poszukiwanie nowych standardów, z których każdy jest rozebrany z rzędu przez następny. Zatem parametry impresjonizm , ekspresjonizm , fowizm , kubizm , dadaizm , surrealizm , itd. Nie mogą być utrzymywane bardzo dużo poza czasem ich wynalazku. Zwiększenie globalnego oddziaływania w tym czasie widział równorzędny wpływ innych kultur do sztuki zachodniej. Tak więc, japoński drukuje Woodblock (sami wpływem zachodniego renesansu draftsmanship) miał ogromny wpływ na impresjonizmu i późniejszego rozwoju. Później, rzeźby afrykańskie zostały objęte przez Picassa i do pewnego stopnia przez Matisse'a . Podobnie, w wieku 19 i 20 Zachód miał ogromny wpływ na sztukę Wschodniej z pierwotnie zachodnich pomysłów, takich jak komunizm i postmodernizm wywierać silny wpływ.

Modernizm , idealistyczne poszukiwanie prawdy, ustąpiła w drugiej połowie 20 wieku do realizacji jego nieosiągalności. Theodor Adorno powiedział w 1970 roku: „To jest teraz za pewnik, że nic, co dotyczy sztuka może być brane za pewnik jakiejkolwiek więcej. Ani samej sztuki, ani sztuki w stosunku do całości, ani nawet prawa do istnienia sztuki” Relatywizm została przyjęta jako nieuniknionej prawdy, która doprowadziła do okresu sztuki współczesnej i postmodernistycznej krytyki , gdzie kultur świata i historii są postrzegane jako zmieniających się form, które mogą być docenione i wywodzących się z tylko z sceptycyzmem i ironią. Ponadto oddzielanie kultur jest coraz bardziej niewyraźne, a niektórzy twierdzą, że jest teraz bardziej właściwe, aby myśleć w kategoriach kultury globalnej, zamiast jedynek regionalnych.

W powstawaniu dzieła , Martin Heidegger , niemiecki filozof i myśliciel nasienny, opisuje istotę sztuki w kategoriach pojęć bytu i prawdy. Twierdzi on, że sztuka jest nie tylko sposobem wyrażania element prawdy w kulturze, ale sposoby jej tworzenia i dostarczania trampolinę, z której „to, co jest” może być ujawniona. Dzieła sztuki nie są jedynie reprezentacje obecnego stanu rzeczy, ale faktycznie produkują wspólnego zrozumienia danej społeczności. Za każdym razem, nowa grafika jest dodawany do każdej kulturze, znaczenie, co to znaczy istnieć nieodłącznie zmieniło.

Formy, gatunki, style i media

Napoleon I na tronie cesarskim przez Ingres (francuski, 1806), olej na płótnie

Twórczości artystycznej są często podzielone na bardziej szczegółowe kategorie, zwykle wzdłuż kategoriach percepcyjnie wyczuwalnymi takich jak mediach , gatunku, stylu i formy. Forma sztuki odnosi się do elementów sztuki , które są niezależne od jego interpretacji lub znaczenia. Obejmuje ona metody przyjęte przez artystę i fizycznej kompozycji z grafiką, głównie non-semantyczne aspekty pracy (tj figurae ), takie jak kolor , kontur , wymiar , średnich , melodii , przestrzeni , tekstury i wartości . Formularz może obejmować również zasady projektowania wizualnego , takich jak układ, saldo , kontrast , nacisk , harmonii , proporcji , bliskości i rytmu.

Generalnie istnieją trzy szkoły filozofii w zakresie sztuki, koncentrując się odpowiednio na formy, treści i kontekstu. Skrajny formalizm jest pogląd, że wszystkie właściwości estetyczne sztuki są formalne (czyli część formy sztuki). Filozofowie niemal powszechnie odrzucają ten pogląd i uznał, że właściwości i estetyka sztuki wykraczać poza materiałów, technik i form. Niestety, niewiele jest konsensus w sprawie terminologii dla tych nieformalnych właściwości. Niektórzy autorzy odnoszą się do przedmiotu i treści - tj znaczeń i konotacji - podczas gdy inni wolą takich terminów jak rozumieniu i znaczeniu .

Ekstremalne Intentionalism że posiada autorską intencją odgrywa decydującą rolę w rozumieniu dzieła sztuki, przekazywania treści lub zasadniczą głównej idei, podczas gdy wszystkie inne interpretacje mogą być odrzucone. Definiuje przedmiot jako osoby lub idei reprezentowanej, a zawartość jako doświadczenie artysty tego tematu. Na przykład, skład Napoleon I na tronie cesarskim jest częściowo zapożyczone z Posąg Zeusa w Olimpii . Jak wynika z tytułu, przedmiotem jest Napoleon , a zawartość jest Ingres reprezentacja „s Napoleona jako«Boga-Imperatora poza czasem i przestrzenią». Podobnie do skrajnej formalizmu filozofowie zwykle odrzuca skrajne intentionalism, ponieważ dziedzinie może mieć kilka wieloznacznych znaczenia i autorskim intencją może niepoznawalnym a więc bez znaczenia. Jego restrykcyjna interpretacja jest „społecznie niezdrowe, filozoficznie nierealne, i politycznie nierozsądne”.

Wreszcie, rozwój teorii poststrukturalizmu bada znaczenie sztuki w kontekście kulturowym, takie jak idee, emocje i reakcje wymuszane przez pracę. Kontekst kulturowy często ogranicza się do technik i intencji artysty, w którym analiza case przebiega wzdłuż linii podobnej do formalizmu i intentionalism. Jednak w innych przypadkach warunki historyczne i materialne mogą dominować, takich jak przekonań religijnych i filozoficznych, struktur społeczno-politycznych i gospodarczych, a nawet klimatu i geografii. Krytyka sztuki nadal wzrastać i rozwijać się wraz z art.

Umiejętności i rzemiosła

Adam . Szczegół z Michelangelo fresku jest w Chapel Sykstynskiej (1511)

Sztuka może znaczyć poczucie wyszkolonego zdolności lub opanowanie w podłożu . Sztuka może też po prostu zapoznać się z rozwiniętym i efektywnego korzystania z języka przekazać sens z bezpośredniości i lub głębokości. Sztuka może być zdefiniowany jako akt wyrażania uczuć, myśli i spostrzeżeń.

Nie jest zrozumienie, że zostanie osiągnięty z materiału w wyniku obchodzenia się z nim, co ułatwia swoich procesów myślowych. Częstym widokiem jest to, że epitet „sztuka”, zwłaszcza w podwyższonej sensie wymaga pewnego poziomu twórczego wiedzy przez artystę, czy to być demonstracja możliwości technicznych, o oryginalności w stylistycznej podejścia, lub kombinacja tych dwóch. Tradycyjnie umiejętności wykonania był postrzegany jako jakości oddzielić od sztuki, a więc niezbędny dla sukcesu; dla Leonardo da Vinci , sztuka, ani więcej, ani mniej niż innych swoich przedsięwzięciach, było przejawem umiejętności. Rembrandt praca „s, teraz chwalony za jego efemerycznych cnót, był najbardziej podziwiany przez swoich współczesnych dla jego wirtuozerii. Na przełomie 20 wieku, Adroit występy John Singer Sargent były na przemian podziwiany i oglądany ze sceptycyzmem do ich ręcznego płynnie, ale w niemal tym samym czasie artysta, który stałby się era najbardziej uznane i wędrowny iconoclast, Pablo Picasso , był ukończenie tradycyjnego kształcenia akademickiego, w którym celował.

Szczegółowo Leonarda da Vinci „s Mona Lisa , pokazujące technikę malarską sfumato

Częstym współczesna krytyka jakiejś współczesnej sztuce występuje wzdłuż linii sprzeciwu wobec widocznego braku umiejętności lub zdolności wymagane w produkcji obiektu artystycznego. W sztuce konceptualnej, Marcel Duchamp „s« Fountain »jest jednym z pierwszych przykładów kawałki której artysta wykorzystał znalezionych przedmiotów («ready-made»), a nie wykonywane tradycyjnie uznawany zestaw umiejętności. Tracey Emin „s My Bed , czy Damien Hirst ” s Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle istoty żyjącej za tym przykładem i również manipulować mediach. Emin spali (i wykonywania innych czynności) w łóżku przed umieszczeniem wynik w galerii jako dzieło sztuki. Hirst wymyślił projektu koncepcyjnego dla grafiki, ale pozostawił większość ewentualnego powstania wielu dzieł do pracowników rzemieślników. Celebrity Hirst jest założony w całości na jego zdolność do wytwarzania szokujące koncepcje. Rzeczywista produkcja w wielu koncepcyjnych i współczesnych dzieł sztuki to kwestia montażu znalezionych przedmiotów. Jednakże, istnieje wiele modernistycznych i współczesnych artystów, którzy nadal przodują w umiejętności rysowania i malowania i tworzenia praktyczne na temat dzieł sztuki.

Cel, powód

Navajo dywanik wykonany około 1880 roku
Mozarabic Beatus miniaturowy . Hiszpania, późno 10. wieku

Sztuka miała dużą liczbę różnych funkcji w całej swojej historii, co czyni jej cel trudny do oszacowania streszczenie lub do jakiejkolwiek pojedynczej koncepcji. Nie oznacza to, że celem sztuki jest „niejasne”, ale że miał wiele unikalnych, różne powody tworzone. Niektóre z tych funkcji sztuki są w poniższej zarysie. Poszczególne cele dziedzinie mogą być pogrupowane według innych niż te, które są motywowane i te, które kierują (Levi Strauss).

Funkcje dla zmotywowanych

The non-zmotywowani cele sztuki są te, które są integralną częścią bycia człowiekiem, przekroczyć osobnika, lub nie spełniają określony cel zewnętrzny. W tym sensie sztuka, jak kreatywność, to coś musi zrobić człowiek ze swej natury (czyli żaden inny gatunek tworzy sztukę), a zatem poza użyteczności.

  1. Podstawowy instynkt ludzki harmonii, równowagi, rytmu . Sztuka na tym poziomie nie jest działaniem lub przedmiot, ale wewnętrzne umocnienie równowagi i harmonii (Beauty), a więc aspekt bycia człowiekiem poza użyteczności.

    Imitacja, to jest jeden instynkt naszej natury. Następnie pojawia się instynkt „” harmonii i rytmu, m ewidentnie sekcje rytmu. Osób, w związku z tym, począwszy od tego naturalnego daru opracowanej przez stopniach ich szczególne uzdolnienia, aż ich niegrzeczny improwizacje urodziła Poezji. - Arystoteles

  2. Doświadczenie tajemnicza. Sztuka jest sposobem doświadczania samego siebie w odniesieniu do wszechświata. To doświadczenie może się często brak motywacji, jako jeden docenia sztuki, muzyki i poezji.

    Najpiękniejszą rzeczą, możemy doświadczyć jest tajemnicza. Jest źródłem wszelkiej prawdziwej sztuki i nauki. - Albert Einstein

  3. Ekspresja wyobraźni. Sztuka jest sposobem wyrażania wyobraźnię w niewyspecjalizowanych grammatic sposobów, które nie są przypisane do formalności mówionego lub pisanego. W przeciwieństwie do słów, które są w sekwencji i każdy, które mają określony sens, sztuka oferuje szereg form, symboli i idei ze znaczeń, które są plastyczny.

    Jowisz orzeł [jako przykład sztuki] nie, jak to logiczne (estetyczne) atrybutów obiektu, pojęcie wzniosłości i majestat stworzenia, ale raczej coś innego, coś, co daje wyobraźni zachętę do rozprzestrzeniania swój lot ponad cały szereg pokrewnych reprezentacji, które wywołują więcej niż dopuszcza myśl wyraz w koncepcji ustalonej przez słowa. dostarczają one estetyczny pomysł, który służy powyższy racjonalny pomysł jako substytut logicznej prezentacji, ale z właściwą funkcję, jednak ożywiania umysł, otwierając się na nim perspektywę w dziedzinie pokrewnych reprezentacji rozciągających się poza jego ken. - Immanuel Kant

  4. Rytualne i symboliczne funkcje. W wielu kulturach, sztuka jest używany w rytuałach, występów i tańców jako dekoracja lub symbolu. Chociaż te często nie mają konkretnego użytkową (motywację) cel, antropolodzy wiedzą, że często służyć jakiemuś celowi na poziomie znaczeń w obrębie danej kultury. To znaczenie jest urządzone przez jednego osobnika, ale często jest wynikiem wielu pokoleń zmiany i kosmologicznej relacji w obrębie kultury.

    Większość uczonych, którzy zajmują się malowidła skalne lub przedmiotów odzyskanych od prehistorycznych kontekstach, które nie mogą być wyjaśnione w kategoriach utylitarnych, a zatem są skategoryzowane jako dekoracyjny, rytuału lub symboliczne, są świadomi pułapki stwarzanego przez pojęcie „sztuki”. - Silva Tomášková

funkcje zmotywowani

Cele zmotywowani sztuki odnoszą się do zamierzonych, świadomych działań ze strony artystów i twórcy. Mogą być one doprowadzić do zmian politycznych, aby wypowiedzieć się na temat aspektu społeczeństwa, aby przekazać konkretnej emocji czy nastroju, aby zająć psychologię prywatnego, w celu zilustrowania innej dyscypliny, aby (w sztukach użytkowych) sprzedać produkt, lub po prostu jako formę komunikacji.

  1. Porozumiewanie się. Sztuka, w jej najprostszej, jest formą komunikacji. Jak większość form komunikacji mają zamiar lub cel skierowany innej osoby, jest to motywowane celem. Sztuka ilustracyjne, takie jak ilustracji naukowej, są formą sztuki jako komunikacji. Mapy są kolejnym przykładem. Jednakże treść nie musi być naukowe. Emocje, nastroje i uczucia są również przekazywane poprzez sztukę.

    [Art to zestaw] artefakty lub obrazów symbolicznych znaczeń jako środka komunikacji. - Steve Mithen

  2. Sztuka jako rozrywkę . Sztuka może starać się doprowadzić do konkretnej emocji czy nastroju, w celu relaksującej lub zabawny widza. Często jest to funkcja z branż artystycznych filmów i gier wideo.
  3. Avante Garde. Sztuka dla zmiany polityczne. Jedną z podstawowych funkcji początku XX-wiecznej sztuki było użyć wizerunki wizualnych doprowadzić do zmian politycznych. Ruchy artystyczne, które miały tę goal- dadaizmu , Surrealizm , rosyjskiego konstruktywizmu i ekspresjonizmu abstrakcyjnego , między innymi, są zbiorczo określane jako Avante-garde sztuki.

    Natomiast realistyczna postawa, zainspirowany pozytywizmu, od Tomasza z Akwinu do Anatole France, wyraźnie wydaje mi się wrogo do jakiegokolwiek intelektualnego lub moralnego rozwoju. Nienawidzę go, bo składa się z przeciętności, nienawiści, pychy i nudny. Jest to postawa, która dzisiaj rodzi tych śmiesznych książkach, sztukach tych obraźliwych. To ciągle żywi się i czerpie siłę z gazet i ośmiesza zarówno nauki i techniki przez wytrwale pochlebne najniższy smaków; klarowność graniczące z głupotą, życia psa. - André Breton (surrealizm)

  4. Sztuka jako „wolnej strefie” , usuniętego z działaniem nieufności społecznej. W przeciwieństwie do awangardowych ruchów, które chciały wymazać różnic kulturowych w celu wytworzenia nowych wartości uniwersalnych, sztuka współczesna zwiększyło jego tolerancji wobec różnic kulturowych, jak również jego funkcji krytycznych i wyzwoleńczych (dochodzenia społecznej, aktywizm, Subversion, dekonstrukcji ... ), staje się bardziej otwarte miejsce do badań i eksperymentów.
  5. Sztuka dla zapytania społecznej, dywersji i / lub anarchii. Choć podobny do techniki do zmian politycznych, wywrotowy lub dekonstrukcji sztuki może starać się pytanie aspekty społeczeństwa bez określonego celu politycznego. W tym przypadku funkcja sztuki może być po prostu krytykować jakiś aspekt społeczeństwa.
    Spray-farby Graffiti na ścianie w Rzymie
    Graffiti i inne rodzaje sztuki ulicznej są grafiki i obrazy, które są lakierowane lub szablonu na publicznie widocznych ścian, budynków, autobusów, pociągów i mostów, zwykle bez zgody. Niektóre formy techniki, takich jak graffiti, może być również nielegalne w łamią prawo (w tym przypadku wandalizmu).
  6. Sztuka dla przyczyn społecznych. Sztuka może być stosowany w celu podniesienia świadomości na wielu różnych przyczyn. Szereg działań artystycznych miały na celu podniesienie świadomości na temat autyzmu , raka, handlu ludźmi i wielu innych zagadnień, takich jak ochrona ocean, praw człowieka w Darfurze , zamordowanych i zaginionych aborygeńskich kobiet, przemocy wobec osób starszych i zanieczyszczeń. Trashion korzystając śmieci, aby moda, praktykowane przez takich artystów jak Marina gruz jest jednym z przykładów wykorzystania sztuki do podniesienia świadomości na temat zanieczyszczeń.
  7. Sztuka dla celów psychologicznych i uzdrawiania. Sztuka jest również wykorzystywane przez terapeutów sztuki, psychoterapeutów i psychologów klinicznych jako arteterapii . Diagnostyczny serii Drawing , na przykład, jest używany do określenia osobowości i emocjonalne funkcjonowanie pacjenta. Produkt końcowy nie jest głównym celem w tym przypadku, ale raczej proces gojenia, poprzez akty twórcze, jest poszukiwany. Uzyskany fragment grafiki może oferować również wgląd w problemy doświadczane przez pacjenta i może zaproponować odpowiednie podejście do wykorzystania w bardziej tradycyjnych form terapii psychiatrycznej.
  8. Sztuka dla propagandy lub komercji. Sztuka jest często wykorzystywana jako forma propagandy, a tym samym mogą być wykorzystane do subtelnie wpływać popularne koncepcje lub nastroju. W podobny sposób, sztuka, która próbuje sprzedać produkt ma również wpływ na nastrój i emocje. W obu przypadkach celem sztuki jest tu subtelnie manipulować widza w konkretnej odpowiedzi emocjonalnej lub psychicznej wobec konkretnej idei lub przedmiotu.
  9. Sztuka jako wskaźnik przydatności. Stwierdzono, że zdolność ludzkiego mózgu znacznie przekracza to, co było potrzebne do przetrwania w środowisku rodowego. Jeden ewolucyjna psychologia wytłumaczeniem jest to, że ludzki mózg i związane z nimi cechy (takie jak zdolności artystyczne i kreatywność) to ludzki odpowiednik z pawim ogonem „s. Celem ekstrawaganckim ogona Paw samców została argumentował być, aby przyciągnąć samice (patrz również Fisherian zbiegłego i hipoteza upośledzenia ). Według niej wyższej realizacji techniki było ewolucyjny ważne, ponieważ przyciąga maty.

Funkcje opisane powyżej techniki, nie wykluczają się wzajemnie, ponieważ wiele z nich mogą się pokrywać. Na przykład sztuki dla celów rozrywkowych mogą również starać się sprzedać produkt, czyli filmu lub gry wideo.

Dostęp publiczny

Wersal: Louis Le Vau otworzył wnętrze sąd stworzyć rozległy wejście cour d'Honneur , później skopiowany całej Europie.

Od czasów starożytnych, wiele z najlepszych sztuki reprezentował umyślne wyświetlanie bogactwa czy władzy, często osiągnąć stosując skalę masową i drogich materiałów. Dużo sztuki zostało zlecone przez władców politycznych lub religijnych instytucji, z skromniejszych wersjach dostępne tylko dla najbardziej zamożnych w społeczeństwie.

Niemniej jednak, nie było wiele okresów, gdzie sztuka bardzo wysokiej jakości były dostępne, pod względem własności, całej dużej części społeczeństwa, przede wszystkim w tanich mediów, takich jak ceramiki, która utrzymuje się w ziemię, a medialne nietrwałych, takich jak tekstylia i drewno , W wielu kulturach, ceramika Indianie znajdują się w tak szerokim zakresie grobów, które nie zostały wyraźnie ograniczone do elity społecznej , chociaż inne formy sztuki mogą być. Metody rozrodu, takich jak pleśnie wykonane masową produkcję łatwiejsze i posłużyły do przynieść wysokiej jakości Ancient Roman ceramiki i grecki figurki tanagra do bardzo szerokiego rynku. Uszczelki cylindrowe były zarówno artystycznym i praktyczne, i bardzo powszechnie stosowany przez co można luźno zwana klasa średnia w starożytnego Bliskiego Wschodu . Po monety były powszechnie używane, to stało się również formą sztuki, która osiągnęła największy wybór społeczeństwa.

Kolejną ważną innowacją wszedł w 15 wieku w Europie, kiedy grafika zaczęła małymi drzeworytów , głównie religijnych, które były często bardzo małe i ręcznie barwione, i przystępne nawet przez chłopów , którzy sklejonych je na ścianach swoich domów. Drukowane książki były początkowo bardzo drogie, ale stale spadały w cenie aż przez 19 wieku nawet najbiedniejsi mogli sobie pozwolić niektóre z drukowanymi ilustracjami. Popularne druki wielu różnych rodzajów zostały urządzone domy i inne miejsca od wieków.

Budynki publiczne i pomniki , świeckie i religijne, ze swej natury zwykle dotyczy całego społeczeństwa, a odwiedzającym jako widzów i wyświetlacz do ogółu społeczeństwa od dawna ważnym czynnikiem w ich konstrukcji. Egipskie świątynie są typowe, że większość największych i najbardziej rozrzutny dekoracji został umieszczony na części, które mogłyby być postrzegane przez ogół społeczeństwa, a nie tylko na obszarach postrzegane przez kapłanów. Wiele obszarów królewskich pałaców, zamków i domów elity społecznej często były ogólnie dostępne, a duża część zbiorów sztuki takich ludzi może często być postrzegane zarówno przez kogokolwiek, albo przez tych, którzy mogą zapłacić niewielką cenę, lub tych, sobie odpowiednie ubranie, niezależnie od tego, kim są, jak w Wersalu , gdzie odpowiednie wyposażenie dodatkowe (klamry buta srebrny i mieczem) mogą być zatrudnieni w sklepach na zewnątrz.

Szczególne procedury zostały wykonane, aby umożliwić społeczeństwu zobaczyć wiele królewskie i prywatne kolekcje umieszczone w galeriach, jak z Orleans Collection przeważnie mieści się w skrzydle Palais Royal w Paryżu, które mogą być odwiedzane przez większość 18 wieku. We Włoszech turystyka Sztuki Grand Tour stał się głównym przemysłu począwszy od renesansu, a rządy i miast starania, aby ich Klucz dostępny. Brytyjski Królewski Collection pozostaje wyraźny, ale duże datki, takie jak Biblioteka Królewska Starego zostały wykonane z niego do Muzeum Brytyjskiego , założona w 1753. Uffizi we Florencji otworzył zupełnie jak z galerii w 1765 roku, chociaż ta funkcja została stopniowo przy budynku ponad biurach oryginalnych służby cywilnej przez długi czas wcześniej. Budynek obecnie zajmowanych przez Muzeum Prado w Madrycie został zbudowany przed Rewolucją Francuską do publicznego wyświetlania części królewskiej kolekcji sztuki i podobnych galeriach królewskich otwartych dla publiczności istniała w Wiedniu , Monachium i innych stolicach. Otwarcie Luwru podczas Rewolucji Francuskiej (1793) jako muzeum publicznej znacznie byłej francuskiej kolekcji królewskiej z pewnością jest ważnym etapem w rozwoju publicznego dostępu do sztuki, przeniesienia własności do stanu republikańskiej, ale było kontynuacją trendów już dobrze ugruntowana.

Większość nowoczesnych muzeów publicznych oraz programy edukacyjne sztuki dla dzieci w szkołach można prześledzić wstecz do tego impulsu mieć sztukę dostępną dla każdego. Muzea w Stanach Zjednoczonych wydają się być prezenty od bardzo bogatych do mas. ( Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, na przykład, został stworzony przez Johna Taylora Johnston , wykonawczej kolejowy, którego osobisty kolekcji sztuki zaszczepiono muzeum.), Ale mimo wszystko to, co najmniej jeden z ważnych funkcji sztuki w 21 wiek pozostaje jako marker bogactwa i statusu społecznego.

Występ Josepha Beuysa , 1978: Każdy artysta - Na drodze do wolnościowej formy organizmu społecznego

Były podejmowane przez artystów do tworzenia sztuki, które nie mogą być zakupione przez bogatych jako obiekt stanu. Jednym z głównych motywatorów z oryginalnych dużo sztuce latach 1960 i 1970 było stworzenie sztuki, które nie mogą być kupowane i sprzedawane. Jest to „należy przedstawić coś więcej niż tylko przedmiotami”, powiedział główny powojenny niemiecki artysta Joseph Beuys. Ten okres widział powstanie takich rzeczy jak performance , sztuki wideo i sztuki konceptualnej . Chodziło o to, że jeśli grafika była wydajność, które nie pozostawiają nic za sobą, lub po prostu pomysł, to może nie być kupowane i sprzedawane. „Demokratyczne nakazy obracające się wokół idei, że dzieło sztuki jest towarem impelled estetyczny innowacji, które kiełkowały w połowie 1960 roku i było odnieść w całym 1970 roku. Artyści szeroko określone w tytule sztuki konceptualnej ... zastępując działania wydajności i wydawnicze do połączenia zarówno z materiału i materialistycznymi obawy malowane lub rzeźb postaci ... [mieć] dążył do podważenia obiektu sztuki przedmiotem qua „.

Ponieważ w dziesięcioleci idee te zostały nieco zagubiony jak rynek sztuki nauczył się sprzedać ograniczone DVD edycja prac wideo, zaproszenia na ekskluzywne dzieła sztuki performance, a obiekty pozostały z koncepcyjnych kawałki. Wiele z tych spektakli tworzenia dzieł, które są rozumiane tylko przez elity, którzy zostali wykształceni, dlaczego pomysł lub wideo lub kawałek pozornej śmieci mogą być uznane za sztuka. Znacznik stanu staje się zrozumienie pracy zamiast konieczności posiadania go, a grafika pozostaje aktywność wyższej klasy. „Dzięki szerokiemu stosowaniu technologii zapisu DVD we wczesnych 2000s, artystów, a system galerii, która czerpie zyski ze sprzedaży dzieł sztuki, zyskał ważnym sposobem kontrolowania sprzedaży wideo i komputerowych dzieł sztuki w limitowanych edycjach dla kolekcjonerów.”

kontrowersje

Sztuka dawna kontrowersje, to znaczy niechęć niektórych widzów, dla wielu powodów, choć większość pre-nowoczesnych kontrowersje są słabo nagrany, albo całkowicie stracił do nowoczesnego widzenia. Ikonoklazm jest zniszczenie sztuka, która nie lubi z różnych powodów, w tym religijnych. Aniconism jest ogólna niechęć albo wszystkie obrazy figuratywne, lub te, które często po prostu religijnych i został nitki w wielu głównych religii. To był bardzo ważny czynnik w historii sztuki islamskiej , gdzie wizerunki Mahometa pozostaje szczególnie kontrowersyjna. Znacznie sztuka została lubił czysto ponieważ przedstawiono lub w inny sposób stał niepopularnych władców, partii lub innych grup. Konwencje artystyczne często były konserwatywny i traktowane bardzo poważnie przez krytyków sztuki , choć często o wiele mniej więc o szerszej publiczności. Ikonograficzna treść dziedzinie może spowodować kontrowersje, jak z późnego średniowiecza przedstawień nowego motywu Swoon NMP w scenach ukrzyżowania Jezusa . Ostateczny przez Michelangelo był kontrowersyjny z różnych powodów, w tym łamania decorum przez nagość, a Apollo -Jak pozie Chrystusa.

Zawartość wiele formalnych sztuki w historii został podyktowany przez patrona lub komisarza, a nie tylko artysty, ale z nadejściem romantyzmu i zmian gospodarczych w produkcji sztuki, wizja artystów stał się zwykle wyznacznikiem treści jego sztuka, zwiększając częstość występowania kontrowersji, choć często zmniejszając ich znaczenie. Silne bodźce dla postrzeganej oryginalność i rozgłosu zachęcał także artystów do sądu kontrowersje. Théodore Géricault „s Tratwa Meduzy (ok. 1820), był częściowo komentarz polityczny na ostatniej imprezie. Édouard Manet jest śniadanie na trawie (1863), został uznany za skandaliczny nie ze względu na nagie kobiety, ale dlatego, że siedzi obok mężczyzn ubrany w odzież czasu, niż w szatach antycznym świecie. John Singer Sargent „s Madame Pierre Gautreau (Pani X) (1884) wywołał kontrowersje nad różowym czerwonawym stosowany do barwienia kobiety płatku ucha, uważany za zbyt sugestywne i podobno psują reputację modelu wysokiej społeczeństwa. Stopniowe odejście od naturalizmu i przedstawienie realistycznych przedstawień wyglądzie przedmiotów w 19 i 20 wieku doprowadziły do toczenia sporu trwającego od ponad wieku. W XX wieku, Pablo Picasso „s Guernica (1937) używane aresztując kubistyczne technik Stark oleje monochromatyczne , aby przedstawiają wstrząsające skutki współczesnego bombardowania mały, starożytnego miasta Basków. Leon Golub „s Przesłuchanie III (1981), przedstawia samica typu nude z kapturem zatrzymanego przywiązany do krzesła, nogi, odsłaniając jej narządów płciowych, w otoczeniu dwóch oprawców ubranych w codziennym ubraniu. Andres Serrano 's Piss Christ (1989) jest fotografia krucyfiksem, święte dla religii chrześcijańskiej i reprezentujący Chrystusa jest poświęcenie i cierpienie końcowy, zanurzone w szklance artysty własnego moczu. Powstały wrzawa doprowadziły do komentarzy w Stanach Zjednoczonych Senatu około publicznego finansowania sztuki.

Teoria

Przed modernizmu, estetyka w sztuce Zachodu był bardzo zaniepokojony o osiągnięcie odpowiedniej równowagi pomiędzy różnymi aspektami realizmu i prawdy do natury i ideału ; pomysły co do tego odpowiednia równowaga przesunęły się tam iz powrotem w ciągu wieków. Obawa ta jest w dużym stopniu nieobecna w innych tradycjach sztuki. Estetyczne teoretyk John Ruskin , który opowiadał, co widział jako naturalizmem William Turner , widział rolę sztuki jako komunikacji przez sztuczności zasadniczej prawdy, które można znaleźć tylko w naturze.

Definicja i ocena sztuki stała szczególnie problematyczne od 20 wieku. Richard Wollheim wyróżnia trzy podejścia do oceny estetycznego wartość ART: realizmu , przy czym estetyczny jest absolutna wartość niezależnie od dowolnego widoku ludzi; obiektywistycznej , przy czym jest to również wartości absolutne, ale jest zależna od ogólnego doświadczenia ludzi; i relatywisty pozycji , przy czym nie jest to wartość bezwzględna, ale w zależności od, i zmienia się z ludzka przeżycie różnych ludzi.

Przybycie modernizmu

Skład II w kolorze czerwonym, niebieskim, żółtym (1930) przez Pieta Mondriana (holenderskiego, 1872-1944)

Przybycie modernizmu pod koniec XIX wieku, prowadzi do radykalnego przerwy w koncepcji funkcji techniki, a następnie ponownie pod koniec XX z pojawieniem postmodernizmu . Clement Greenberg „s 1960 artykuł«modernistycznego malarstwa»określa jako«sztukę współczesną stosowania charakterystycznych metod dyscypliny krytykować samą dyscyplinę». Greenberg pierwotnie zastosowano tę ideę do ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego i używali go jako sposób zrozumieć i usprawiedliwić mieszkanie (non-iluzjonistyczne malarstwo abstrakcyjne):

Realistyczna, naturalistyczna sztuka nie skłamali medium, za pomocą sztuki, aby ukryć sztukę; modernizm wykorzystywane sztukę zwrócić uwagę na art. Ograniczenia, które stanowią medium malarskiego płaskiej powierzchni, kształtu podpory, właściwości pigmentu leczono przez stary Masters jako negatywnych czynników, które można potwierdzić tylko pośrednio lub pośrednio. Pod modernizmu te same ograniczenia zaczęły być traktowane jako czynników pozytywnych i uznano otwarcie.

Po Greenberg, kilka ważnych teoretycy sztuki pojawiły się, takich jak Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin i Griselda Pollock między innymi. Choć pierwotnie przeznaczone tylko jako sposób rozumienia konkretnego zestawu artystów, definicja Greenberga sztuki nowoczesnej jest ważne dla wielu idei sztuki w obrębie różnych nurtów 20 wieku i na początku 21 wieku.

Pop artystów jak Andy Warhol stał się zarówno zauważyć i wpływowy poprzez pracę w tym i ewentualnie krytyce kulturze popularnej, a także świata sztuki . Artyści z 1980, 1990 i 2000s rozszerzył tę technikę samokrytyki poza sztuką wysoką wszystkim kulturowego obrazu podejmowania, w tym zdjęć mody, komiksy, billboardów i pornografii.

Duchamp zaproponował kiedyś, że sztuka jest każda aktywność jakiejkolwiek kind- wszystkiego. Jednak sposób, że tylko niektóre działania klasyfikowane są dziś jako sztuki jest konstrukcją społeczną. Istnieją dowody na to, że nie może być elementem prawdy do tego. Wynalazek sztuki: A History Kultury jest sztuką historia książka, która analizuje budowę nowoczesnego systemu sztuk tj dzieła sztuki. Shiner znajdzie dowody, że starszy system sztuki przed naszym nowoczesnym systemie (dzieła sztuki) odbędzie się lada sztuką wykwalifikowanych działalność człowieka tj starogrecki społeczeństwo nie posiadał sztukę okresie, ale Techne . Techne można zrozumieć ani jako sztuki lub rzemiosła, dlatego że te wyróżnienia sztuki i rzemiosła są wyroby historyczne, które weszły później w historii ludzkości. Techne zawarte malarstwo, rzeźbę i muzykę, ale także; gotowanie, medycyna, jeździectwo , geometria , stolarka , proroctwo i rolnictwo itd.

Nowa Krytyka i „celowy błąd”

W następstwie Duchamp w pierwszej połowie XX wieku, znaczna zmiana w ogólnej teorii estetycznej, która odbyła próbowano zastosować teorię estetyczną pomiędzy różnymi formami sztuki, w tym sztuki literackich i sztukach plastycznych, do siebie. Spowodowało to powstanie w Nowej Krytyki szkoły i debaty dotyczącej celowe błędność . Sporna była kwestia, czy estetyczne intencje artysty w tworzeniu dzieła sztuki, niezależnie od jej specyficzna forma powinna być związana z krytyką i oceną produktu finalnego dzieła sztuki, lub, jeśli dzieło sztuki powinny być oceniane na podstawie własnych osiągnięć niezależnych od intencji artysty.

W 1946 roku William K. Wimsatt i Monroe Beardsley opublikowany klasyczną i kontrowersyjny Nowy krytyczny esej zatytułowany „ intencjonalnym Fallacy ”, w którym twierdzili oni zdecydowanie przeciwko znaczenia danej intencji autora , czyli „zamierzone znaczenie” w analizie dzieła literackiego , Dla Wimsatt i Beardsley, słowa na stronie były to znaczenia; import znaczeń spoza tekstu zostało uznane za nieistotne, a potencjalnie rozpraszać.

W innym eseju „ afektywnej błędem ”, który służył jako swego rodzaju siostrzanym eseju „The Zamierzone Fallacy” Wimsatt i Beardsley dyskontowane również osobiste / emocjonalne reakcje czytelnika do dzieła literackiego jako ważnego pomocą analizy tekstu. Ten błąd będzie później zostać odrzucone przez teoretyków od czytelnika odpowiedzi szkole teorii literatury. Jak na ironię, jednym z czołowych teoretyków z tej szkoły, Stanley Fish , sam był szkolony przez Nowych Krytyków. Ryby krytykuje Wimsatt i Beardsley w eseju „Literatura w Reader” (1970).

Jak podsumować Gaut i Livingston w swoim eseju „The Creation of Art”: „strukturalistycznej i post-strukturalistów teoretycy i krytycy byli ostro krytyczny wobec wielu aspektów Nowej Krytyki, zaczynając z naciskiem na estetyczny uznaniem i tzw autonomii sztuki , lecz powtórzył atak na założeniu biograficzny krytyki, że działania artysty i doświadczenie były uprzywilejowane krytyczny temat.” Autorzy twierdzą, że:. „Anty-intentionalists, takie jak formalistów, utrzymują, że intencje zaangażowanych w tworzenie sztuki są nieistotne lub obwodowych poprawnie interpretując sztukę Więc szczegółów aktu stworzenia prac, choć być może interesujące same w sobie, nie mają żadnego wpływu na prawidłową interpretację dzieła.”

Gaut i Livingston określić intentionalists w odróżnieniu od formalistów stwierdzając, że: „Intentionalists, w przeciwieństwie formalistów, utrzymują, że odniesienie do intencji ma zasadnicze znaczenie przy ustalaniu prawidłowej interpretacji dzieł” Cytują Richard Wollheim jak stwierdzając, że „Zadaniem krytyki jest rekonstrukcja procesu twórczego, w którym proces twórczy musi z kolei być traktowane jako coś, nie zatrzymując się na krótko, ale na zakończenie, praca sama sztuka.”

„Turn językowa” i jego debata

Koniec 20 wieku sprzyja szeroką debatę znany jako językowej kolei kontrowersje, lub „niewinnym debaty oka”, a ogólnie określane jako structuralism- Poststrukturalizm debaty w filozofii sztuki. Ta debata omówił spotkanie dzieła sztuki jako określona przez względną jakim stopniu koncepcyjny spotkanie z dziełem sztuki dominuje nad percepcyjnej spotkania z dziełem sztuki.

Decydująca dla językowego kolei debaty w historii sztuki i humanistyki były prace jeszcze innej tradycji, a mianowicie strukturalizmu z Ferdinand de Saussure i ruchu wynikającej z poststrukturalizmu . W 1981 roku artysta Mark Tansey stworzył dzieło sztuki pod tytułem „The Innocent Eye” jako krytyki panującej atmosferze niezgody w filozofii sztuki w ciągu dekad zamykających 20. wieku. Wpływowych teoretyków obejmują Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault i Jacques Derrida . Moc języka, ściślej określonych tropów retorycznych, historii sztuki i dyskursu historycznego została zbadana przez Haydena White'a . Fakt, że język jest nie przejrzysty medium myśl została podkreślona przez bardzo różnych postaci filozofii języka , które powstały w pracach Johann Georg Hamann i Wilhelma von Humboldta . Ernst Gombrich i Nelson Goodman w książce Języki sztuki: podejście do teorii symboli spokojnie uznać, że koncepcyjny spotkanie z dziełem sztuki dominowały wyłącznie nad percepcyjnej i wizualnym spotkania z dziełem sztuki w 1960 i 1970 roku. Był zakwestionowane na podstawie badań przeprowadzonych przez wybranego Nobla psycholog Roger Sperry który utrzymywał, że człowiek spotkanie wizualny nie ograniczała się do pojęć reprezentowanych w samym języku (przełomie językowa) oraz, że inne formy psychologicznych przedstawień dzieła sztuki były równie uzasadnione i udowodnić. Widok Sperry w końcu panowały pod koniec 20 wieku z filozofowie estetyczne takie jak Nick Zangwill silnie broniąc powrót do umiarkowanego estetycznego formalizmu wśród innych alternatyw.

spory klasyfikacyjne

Oryginalny Fountain przez Marcela Duchampa , 1917, sfotografowany przez Alfred Stieglitz na 291 po 1917 Stowarzyszenie Artystów Niezależnych wystawy. Stieglitz użył tło z The Warriors przez Marsden Hartley sfotografować pisuar. Znacznik wejście wystawa może być wyraźnie widoczne.

Spory co do tego, czy należy zaklasyfikować coś jako dzieła sztuki są nazywane klasyfikacyjnych sporów o sztuce. Klasyfikacyjne spory w 20 wieku obejmowały kubistyczne i impresjonistów obrazy, Duchamp „s Fountain , filmy, superlatyw imitacje banknotów , sztukę konceptualną i gry wideo . Filozof David Novitz twierdził, że spór o definicję sztuki rzadko są sercem tego problemu. Przeciwnie, „namiętny obawy i interesy, że ludzie kamizelkę w życiu społecznym” są „tak samo częścią wszystkich klasyfikacyjnych sporów o sztuce” (Novitz, 1996). Według Novitz, klasyfikacyjne spory są częstsze spory o wartościach społecznych i gdzie społeczeństwo stara się iść niż oni o teorii prawidłowego. Na przykład, gdy Daily Mail krytykowane Hirst „S i Emin pracę” s twierdząc «dla 1000 lat sztuki był jednym z naszych wielkich sił civilizing. Dziś, marynowane owiec i zabrudzonych łóżka grozić do barbarzyńców nas wszystkich» nie są pogłębianie lub definicję teorii o sztuce, ale kwestionowanie wartości pracy Hirsta i Emin. W 1998 roku Arthur Danto , zaproponował eksperyment myślowy pokazując, że „status artefakt jak praca wyników sztuki od idei kultura ma do niego, zamiast jego nieodłącznymi cechami fizycznymi lub wyczuwalnych. Interpretacja Kultury (sztuka teoria pewnego rodzaju ) jest zatem konstytutywny arthood obiektu.”

Anty-sztuka jest etykieta dla sztuki, które celowo kwestionuje ustalone parametry i wartości sztuki; Termin związany jest z dadaizmu i nadana Marcela Duchampa tuż przed I wojną światową, kiedy to robił sztukę ze znalezionych przedmiotów . Jeden z nich, Fountain (1917), zwykły pisuar, osiągnął znaczny znaczenie i wpływ na sztuki. Anty-sztuka jest cechą pracy przez Sytuacjonistycznej Międzynarodówki , ruch Poczta sztuki lo-fi, a Young British Artists , chociaż jest to forma wciąż odrzucony przez Stuckists , którzy określają się jako anty-anty-sztuki .

Architektura jest często jako jeden z plastyki; Jednak, podobnie jak w sztukach dekoracyjnych lub reklama, to polega na tworzeniu obiektów, gdzie względy praktyczne stosowania są niezbędne w taki sposób, że zwykle nie są w malarstwie, na przykład.

Ocena wartości

Aborygeni pustych grobów dziennika. National Gallery, Canberra , Australia

Nieco w stosunku do powyższego, słowo sztuka służy również do zastosowania wyroki wartości, gdyż w takich wyrażeń jak „że posiłek był dziełem sztuki” (kucharz jest artystą), czy „Sztuka podstępu” ( wysoce osiągnął poziom umiejętności zwodziciela jest chwalony). Jest to użycie słowa jako miara wysokiej jakości i wartości, które daje termin jego smak podmiotowości. Wykonywanie orzeczeń wartości wymaga podstaw do krytyki. Na najprostszym poziomie, sposób ustalić, czy wpływ obiektu na zmysły spełnia kryteria, które należy uwzględnić sztuki jest to, czy jest to postrzegane jako atrakcyjne lub odpychające. Chociaż postrzeganie jest zawsze zabarwiona doświadczenia i jest zawsze subiektywny, jest powszechnie zrozumiałe, że to, co nie jest jakoś estetycznie satysfakcjonujące nie może być sztuką. Jednak „dobre” sztuka nie zawsze, a nawet regularnie estetycznie atrakcyjne dla większości widzów jest. Innymi słowy, podstawowym motywacji artysty nie musi być dążenie do estetyki. Również sztuka często przedstawia strasznych obrazów wykonanych ze względów społecznych, moralnych, albo do myślenia. Na przykład, Francisco Goya malarstwo „s przedstawiających hiszpańskie strzelanin z 3 maja 1808 roku jest graficznym przedstawieniem plutonem egzekucyjnym wykonującym kilku cywilów błagalnie. Jednak w tym samym czasie, przerażające obrazy pokazuje głębokie zdolności artystyczne Goya w kompozycji i wykonania i produkuje okucia oburzenie społeczne i polityczne. Zatem dyskusja trwa, co tryb estetycznej satysfakcji, jeśli w ogóle, jest zobowiązany do określenia „Art”.

Założeniem nowych wartości lub bunt przeciwko przyjętych pojęć, co jest estetycznie superior nie musi nastąpić jednocześnie z pełnym rezygnacji z dążenia do tego, co jest estetycznie. Rzeczywiście, często jest na odwrót prawda, że przegląd tego, co jest powszechnie pojmowane jako estetycznie umożliwia ponownego ożywienia wrażliwości estetycznej oraz nowym uznanie dla standardów samej sztuki. Szkoły niezliczone zaproponowali własne sposoby definiowania jakości, ale wszystkie one wydają się zgodni co najmniej w jednym punkcie: raz ich wybory estetyczne są akceptowane, wartość dzieła sztuki zależy od jego zdolności do przekraczania granic swojej wybranego nośnika uderzyć jakąś uniwersalną strunę przez rzadkie umiejętności artysty lub w jego dokładne odbicie w to, co jest określane jako zeitgeist . Sztuka jest często przeznaczone do odwołania się i połączyć z ludzkich emocji. To może wzbudzić estetyczne lub moralne uczucia, a może być rozumiana jako sposób komunikowania się tych uczuć. Artyści wyrażają coś tak, że ich publiczność jest pobudzony do pewnego stopnia, ale nie muszą to robić świadomie. Sztuka może być uważany za eksploracji ludzkiej kondycji ; to znaczy, co to znaczy być człowiekiem.

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

  • Oscar Wilde Intentions 1891
  • Stephen Davies Definicje Sztuki , 1991
  • Nina Felshin, wyd. Ale to jest sztuka? , 1995
  • Katarzyna de Zegher (red.). Wewnątrz Widoczne . MIT Press, 1996
  • Evelyn Hatcher, wyd. Sztuka jako Kultury: Wprowadzenie do antropologii Sztuki , 1999
  • Noël Carroll, Teorie Art Today , 2000
  • John Whitehead. Chwytając za wiatrem , 2001
  • Michael Holly Ann i Keith Moxey (red.) Historia sztuki wizualne Estetyka Studies . New Haven: Yale University Press, 2002. ISBN  0300097891
  • Podbite oko, Larry. Wynalazek sztuki: A History Kultury . Chicago: University of Chicago Press, 2003. ISBN  978-0-226-75342-3
  • Arthur Danto , nadużywanie piękność: estetyka i pojęcia sztuki. 2003
  • Dana Arnold i Margaret Iverson, wyd. Sztuka i Myśl . Londyn: Blackwell, 2003. ISBN  0631227156
  • Jean Robertson i Craig McDaniel, tematów sztuki współczesnej, sztuki wizualne, po roku 1980 , 2005

Dalsza lektura

  • Antony Briant i Griselda Pollock , wyd. Cyfrowych i innych Virtualities: renegocjacji obraz . Londyn i Nowy Jork: IBTauris 2010. ISBN  978-1441676313
  • Augros, Robert M., Stanciu, George N. New Story of Science: umysł i wszechświat , Lake Bluff, Ill .: Regnery Gateway, 1984. ISBN  0-89526-833-7 (książka ta ma istotne materiały na temat sztuki i nauka)
  • Benedetto Croce . Estetyczny jak Science wypowiedzi i ogólne językowa , 2002
  • Botar Oliver AI Detours techniczne: The Early Moholy-Nagy Reconsidered . Art Gallery of The Graduate Center, City University of New York i The Salgó Trust for Education, 2006. ISBN  978-1599713571
  • Burguete, Maria i Lam, Lui, wyd. (2011). Media: nauka Matter . World Scientific: Singapur. ISBN  978-981-4324-93-9
  • Carol Armstrong i Katarzyny de Zegher , wyd. Kobiety Artyści w Tysiącleciu . Massachusetts: Październik Książki / MIT Press, 2006. ISBN  026201226X
  • Carl Jung , Człowiek i jego symbole . Londyn: Pan Books, 1978. ISBN  0330253212
  • EH Gombrich , The Story of Art . Londyn: Phaidon Press, 1995. ISBN  978-0714832470
  • Florian Dombois, Ute Meta Bauer , Claudia Mareis i Michael Schwab, wyd. Birdhouse intelektualnej. Praktyka artystyczna jako Badań . Londyn: Koening Books, 2012. ISBN  978-3863351182
  • Katharine Everett Gilbert i Helmut Kuhn, Historia estetyki . Wydanie 2 poprawione. Indiana: Indiana University Press, 1953.
  • Kristine Stiles i Peter Selz , wyd. Teorie i dokumenty Sztuki Współczesnej . Berkeley: University of California Press, 1986
  • Kleiner, Gardner, Mamiya i Tansey. Sztuka przez wieki, wydanie dwunaste (2 tomy) Wadsworth, 2004. ISBN  0-534-64095-8 (tom 1) i ISBN  0-534-64091-5 (tom 2)
  • Richard Wollheim , sztuki i jego obiektów: Wprowadzenie do estetyki . New York: Harper & Row, 1968. OCLC  1077405
  • Will Gompertz . Co się gapisz ?: 150 lat Sztuki Nowoczesnej w mgnieniu oka . New York: Viking, 2012. ISBN  978-0670920495
  • Władysław Tatarkiewicz , Historia Sześć pomysłów: esej w estetyce , tłumaczone z polskiego przez Christophera Kasparek , Haga, Martinus Nijhoff 1980

Linki zewnętrzne