Krytyka sztuki - Art criticism

Małpy jako sędziowie sztuki , 1889, Gabriel von Max

Krytyka sztuki to dyskusja lub ocena sztuki wizualnej . Krytycy sztuki zwykle krytykują sztukę w kontekście estetyki lub teorii piękna. Celem krytyki sztuki jest poszukiwanie racjonalnych podstaw do oceny sztuki, ale wątpliwe jest, czy taka krytyka może wyjść poza panujące okoliczności społeczno-polityczne.

Różnorodność ruchów artystycznych zaowocowała podziałem krytyki artystycznej na różne dyscypliny, z których każda może stosować inne kryteria oceny. Najpopularniejszy podział w dziedzinie krytyki to między krytyką historyczną i oceną, formą historii sztuki , a współczesną krytyką twórczości artystów żyjących.

Pomimo przekonania, że ​​krytyka sztuki jest o wiele mniej ryzykownym działaniem niż tworzenie sztuki, opinie o sztuce aktualnej zawsze podlegają drastycznym korektom wraz z upływem czasu. Krytycy przeszłości są często wyśmiewani za odrzucanie czczonych obecnie artystów (jak wczesne prace impresjonistów ). Niektóre ruchy artystyczne zostały przez krytyków nazwane lekceważąco, a nazwa ta została później przyjęta jako rodzaj odznaki honorowej przez artystów stylu (np. impresjonizm , kubizm ), zapomniano o pierwotnym negatywnym znaczeniu.

Artyści często mieli niełatwe relacje ze swoimi krytykami. Artyści zazwyczaj potrzebują pozytywnych opinii krytyków, aby ich prace można było oglądać i kupować; niestety dla artystów dopiero późniejsze pokolenia mogą to zrozumieć.

Sztuka jest ważną częścią bycia człowiekiem i można ją znaleźć we wszystkich aspektach naszego życia, niezależnie od kultury czy czasów. Istnieje wiele różnych zmiennych, które decydują o ocenie sztuki, takich jak estetyka, poznanie czy percepcja. Sztuka może być obiektywna lub subiektywna w oparciu o osobiste preferencje względem estetyki i formy. Może opierać się na elementach i zasadach projektowania oraz akceptacji społecznej i kulturowej. Sztuka jest podstawowym ludzkim instynktem o różnorodnej gamie form i ekspresji. Sztuka może stać sama z natychmiastowym osądem lub może być postrzegana z głębszą, bardziej wykształconą wiedzą. Teorie estetyczne, pragmatyczne, ekspresyjne, formalistyczne, relatywistyczne, procesyjne, imitacyjne, rytualne, poznawcze, mimetyczne i postmodernistyczne to tylko niektóre z wielu teorii krytykujących i doceniających sztukę. Krytyka i ocena sztuki może być subiektywna w oparciu o osobiste preferencje względem estetyki i formy lub może być oparta na elementach i zasadach projektowania oraz akceptacji społecznej i kulturowej.

Definicja

Krytyka sztuki ma wiele, a często wiele, subiektywnych punktów widzenia, które są niemal tak różne, jak wielu ludzi ją praktykujących. Trudno o bardziej stabilną definicję niż działanie związane z dyskusją i interpretacją sztuki i jej wartości. W zależności od tego, kto pisze na ten temat, sama „krytyka sztuki” może być pomijana jako cel bezpośredni lub może obejmować historię sztuki w swoje ramy. Niezależnie od problemów definicyjnych, krytyka sztuki może w swoich esejach odwoływać się do historii rzemiosła, a sama historia sztuki może posługiwać się metodami krytycznymi w sposób dorozumiany. Według historyka sztuki R. Sivy Kumara „Granice między historią sztuki a krytyką sztuki… nie są już tak mocno zarysowane, jak kiedyś. Być może zaczęło się od zainteresowania historyków sztuki sztuką współczesną”.

Metodologia

Krytyka sztuki obejmuje aspekt opisowy, w którym dzieło sztuki jest wystarczająco przetłumaczone na słowa, aby umożliwić postawienie sprawy. Ocena dzieła, które następuje po opisie (lub jest z nim przeplatane) zależy w równym stopniu od dorobku artysty, co od doświadczenia krytyka. W działaniu o tak wyraźnym subiektywnym składniku istnieje wiele sposobów, w jakie można je realizować. Jako skrajności w możliwym spektrum, podczas gdy niektórzy preferują po prostu zwracanie uwagi na bezpośrednie wrażenia wywołane przez obiekt artystyczny, inni wolą bardziej systematyczne podejście odwołujące się do wiedzy technicznej, faworyzowanej teorii estetyki i znanego kontekstu społeczno-kulturowego, w którym zanurzony jest artysta, aby rozpoznać ich intencje .

Historia

Krytyka sztuki prawdopodobnie wywodzi się z początków samej sztuki, o czym świadczą teksty znajdujące się m.in. w dziełach Platona , Witruwiusza czy Augustyna z Hippony , które zawierają wczesne formy krytyki artystycznej. Ponadto bogaci mecenasi zatrudniali, przynajmniej od początku renesansu , pośredników oceniających sztukę, aby pomagali im w pozyskiwaniu zamówień i/lub gotowych dzieł.

Początki

Jonathan Richardson ukuł termin „krytyka sztuki” w 1719 roku.

Krytyka sztuki jako gatunek pisarski uzyskała współczesną formę w XVIII wieku. Najwcześniej terminu krytyka sztuki użył angielski malarz Jonathan Richardson w jego publikacji z 1719 r. An Essay on the Whole Art of Criticism . W tej pracy próbował stworzyć obiektywny system rankingu dzieł sztuki. Siedem kategorii, w tym rysunek, kompozycja, inwencja i kolorystyka, otrzymało ocenę od 0 do 18, które po połączeniu dały ocenę końcową. Termin, który wprowadził, szybko się przyjął, zwłaszcza że angielska klasa średnia zaczęła być bardziej wnikliwa w zakupach artystycznych, jako symbole ich afiszowanego statusu społecznego.

We Francji i Anglii w połowie XVIII wieku zainteresowanie społeczne sztuką zaczęło się upowszechniać, a sztuka była regularnie wystawiana na Salonach w Paryżu i Letnich Wystawach w Londynie. Pierwszymi pisarzami, którzy zyskali indywidualną reputację krytyków sztuki w XVIII-wiecznej Francji, byli Jean-Baptiste Dubos ze swoimi Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1718), które zyskały uznanie Woltera za mądrość jego podejścia do teorii estetyki ; i Étienne La Font de Saint-Yenne z Reflexions sur quelques powoduje de l'état présent de la peinture en France, który pisał o Salonie z 1746 r., komentując społeczno-ekonomiczne ramy produkcji popularnego wówczas stylu barokowego , co doprowadziło do postrzeganie nastrojów antymonarchistycznych w tekście.

XVIII-wieczny francuski pisarz Denis Diderot znacznie rozwinął medium krytyki artystycznej. „Salon 1765” Diderota był jedną z pierwszych prawdziwych prób uchwycenia sztuki słowami. Według historyka sztuki Thomasa E. Crow : „Kiedy Diderot zajął się krytyką sztuki, depczą jej pierwsze pokolenie profesjonalnych pisarzy, którzy zajęli się oferowaniem opisów i ocen współczesnego malarstwa i rzeźby. produkt podobnie nowatorskiej instytucji regularnych, bezpłatnych, publicznych wystaw sztuki najnowszej”.

Tymczasem w Anglii wystawa Society of Arts w 1762 r., a później w 1766 r. wywołała lawinę krytycznych, choć anonimowych broszur. Gazety i czasopisma z tego okresu, takie jak London Chronicle , zaczęły publikować kolumny krytyki sztuki; forma, która wystartowała wraz z założeniem Akademii Królewskiej w 1768 r. W latach 70. XVII wieku Kronika Poranna stała się pierwszą gazetą, która systematycznie przeglądała sztukę prezentowaną na wystawach.

19 wiek

John Ruskin , wybitny krytyk sztuki XIX-wiecznej Anglii.

Od XIX wieku krytyka sztuki stała się bardziej powszechnym powołaniem, a nawet zawodem, rozwijając niekiedy sformalizowane metody oparte na określonych teoriach estetycznych . We Francji w latach 20. XIX wieku doszło do rozłamu między zwolennikami tradycyjnych neoklasycznych form sztuki a noworomantyczną modą. Neoklasycy pod przewodnictwem Étienne-Jeana Delécluze'a bronili klasycznego ideału i preferowali starannie wykończoną formę w obrazach. Romantycy, tacy jak Stendhal , krytykowali dawne style jako zbyt schematyczne i pozbawione uczuć. Zamiast tego bronili nowych ekspresyjnych, idealistycznych i emocjonalnych niuansów sztuki romantycznej. Podobna, choć bardziej stonowana debata miała miejsce także w Anglii.

Jednym z wybitnych krytyków w Anglii w tym czasie był William Hazlitt , malarz i eseista. Pisał o swoim głębokim zadowoleniu ze sztuki i przekonaniu, że sztuka może być wykorzystana do poprawy hojności ducha i wiedzy ludzkości o otaczającym świecie. Był jednym z rosnącej fali angielskich krytyków, którzy zaczęli się niepokoić coraz bardziej abstrakcyjnym kierunkiem, w którym poruszała się sztuka krajobrazu JMW Turnera .

Jednym z wielkich krytyków XIX wieku był John Ruskin . W 1843 opublikował Modern Painters , w którym powtórzył koncepcje z „Pejzażu i portretu” w The Yankee (1829) pierwszego amerykańskiego krytyka sztuki Johna Neala w rozróżnieniu między „rzeczami widzianymi przez artystę” a „rzeczami takimi, jakie są”. Dzięki żmudnej analizie i dbałości o szczegóły Ruskin osiągnął to, co historyk sztuki EH Gombrich nazwał „najbardziej ambitnym dziełem naukowej krytyki sztuki, jakie kiedykolwiek podjęto”. Ruskin zasłynął ze swojej bogatej i płynnej prozy, a później rozwinął się, by stać się aktywnym i szeroko zakrojonym krytykiem, publikując prace na temat architektury i sztuki renesansowej , w tym Kamienie Wenecji .

Charles Baudelaire „s Salon 1845 przeglądu sztuki szoku swoją publiczność z jego pomysłów.

Kolejną dominującą postacią dziewiętnastowiecznej krytyki artystycznej był francuski poeta Charles Baudelaire , którego pierwszym opublikowanym dziełem był jego przegląd sztuki Salon z 1845 roku , który natychmiast zwrócił uwagę na swoją śmiałość. Wiele jego krytycznych opinii było w swoim czasie nowatorskich, w tym jego orędownictwo na temat Eugène'a Delacroix . Kiedy słynna Olimpia Édouarda Maneta (1865), portret nagiej kurtyzany, wywołała skandal z powodu rażącego realizmu, Baudelaire pracował prywatnie, by wesprzeć swojego przyjaciela. Twierdził, że „krytyka powinna być częściowa, namiętna, polityczna – to znaczy ukształtowana z wyłącznego punktu widzenia, ale także z punktu widzenia, który otwiera jak najwięcej horyzontów”. Starał się odsunąć debatę od starych binarnych stanowisk z poprzednich dekad, oświadczając, że „prawdziwym malarzem będzie ten, kto potrafi wydobyć ze współczesnego życia jego epicki aspekt i sprawić, abyśmy zobaczyli i zrozumieli kolorem lub rysunkiem, jak wielkie i poetyckie jesteśmy w naszych fularach i wypolerowanych butach”.

W 1877 roku John Ruskin wyszydził Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket po tym, jak artysta James McNeill Whistler pokazał to w Galerii Grosvenor : „Widziałem i słyszałem już wiele z bezczelności Cockneya, ale nigdy nie spodziewałem się, że usłyszę coxcomb poprosić dwieście gwinei za rzucenie garnkiem farby w twarz publiczności. Ta krytyka sprowokowała Whistlera do pozwania krytyka za zniesławienie. Kolejna sprawa sądowa okazała się pyrrusowym zwycięstwem Whistlera.

Przełom XX wieku

Autoportret Rogera Fry'a , opisany przez historyka sztuki Kennetha Clarka jako „nieporównywalnie największy wpływ na smak od czasów Ruskina … O ile smak może zmienić jeden człowiek, zmienił go Roger Fry”.

Pod koniec XIX wieku w Anglii zaczął zyskiwać na popularności ruch w kierunku abstrakcji, a nie konkretnych treści, którego zwolennikiem był zwłaszcza dramaturg Oscar Wilde . Na początku XX wieku te postawy formalnie połączyły się w spójną filozofię, poprzez pracę Grupa Bloomsbury członków Roger Fry i Clive Bell . Jako historyk sztuki w latach 90. XIX wieku Fry zaintrygował się nową sztuką modernistyczną i jej odejściem od tradycyjnego przedstawiania. Jego wystawa z 1910 roku, którą nazwał sztuką postimpresjonistyczną, wywołała wiele krytyki ze względu na swój ikonoklazm. Energicznie bronił się w wykładzie, w którym przekonywał, że sztuka skłaniała się ku odkryciu języka czystej wyobraźni, a nie statecznego i, jego zdaniem, nieuczciwego naukowego uchwycenia pejzażu. Argument Fry'a okazał się wówczas bardzo wpływowy, zwłaszcza wśród postępowej elity. Virginia Woolf zauważyła, że: „w okolicach grudnia 1910 [data wygłoszenia przez Fry'a wykładu] zmienił się ludzki charakter”.

Niezależnie iw tym samym czasie Clive Bell twierdził w swojej książce Art z 1914 roku, że każde dzieło sztuki ma swoją szczególną „znaczącą formę”, podczas gdy konwencjonalna tematyka jest zasadniczo nieistotna. Praca ta położyła podwaliny pod formalistyczne podejście do sztuki. W 1920 roku Fry twierdził, że „jest mi wszystko jedno, jeśli reprezentuję Chrystusa lub rondel, ponieważ interesuje mnie forma, a nie sam przedmiot”. Oprócz bycia zwolennikiem formalizmu , przekonywał, że wartość sztuki polega na jej zdolności do wywołania u odbiorcy charakterystycznego doświadczenia estetycznego. doświadczenie nazwał „emocją estetyczną”. Zdefiniował je jako to doświadczenie, które wzbudza znacząca forma. Zasugerował również, że powodem, dla którego doświadczamy emocji estetycznych w odpowiedzi na znaczącą formę dzieła sztuki, jest postrzeganie tej formy jako wyrazu doświadczenia artysty. Z kolei doświadczenie artysty, jak sugerował, to doświadczenie widzenia zwykłych obiektów w świecie jako czystej formy: doświadczenie, które ma się, gdy widzi się coś nie jako środek do czegoś innego, ale jako cel sam w sobie.

Herbert Read był orędownikiem współczesnych artystów brytyjskich, takich jak Paul Nash , Ben Nicholson , Henry Moore i Barbara Hepworth, i związał się z grupą zajmującą się sztuką współczesną Nasha Unit One. Skupił się na modernizmu z Pablo Picasso i Georges Braque i opublikował wpływowych 1929 esej o znaczeniu sztuki w słuchacza . Redagował także wyznaczający trendy magazyn Burlington (1933-38) i pomagał w organizacji Londyńskiej Międzynarodowej Wystawy Surrealistów w 1936 roku.

Od 1945

Podobnie jak w przypadku Baudelaire'a w XIX w., zjawisko poety-krytyka pojawiło się ponownie w XX w., kiedy mistrzem kubizmu został francuski poeta Apollinaire . Później francuski pisarz i bohater ruchu oporu André Malraux dużo pisał o sztuce, wykraczając daleko poza granice jego rodzinnej Europy. Jego przekonanie, że awangardą Ameryki Łacińskiej jest muralizm meksykański ( Orozco , Rivera i Siqueiros ) zmieniło się po podróży do Buenos Aires w 1958 roku. Po wizycie w pracowniach kilku argentyńskich artystów w towarzystwie młodego dyrektora Muzeum Sztuki Nowoczesnej Rafaela Squirru z Buenos Aires Malraux zadeklarował, że nowa awangarda znajduje się w nowych ruchach artystycznych Argentyny . Squirru, poeta-krytyk, który w latach 60. został dyrektorem kulturalnym OAS w Waszyngtonie, był ostatnim, który przed śmiercią przeprowadził wywiad z Edwardem Hopperem , przyczyniając się do ożywienia zainteresowania amerykańskim artystą.

W latach czterdziestych było nie tylko kilka galerii ( The Art of This Century ), ale także niewielu krytyków, którzy chcieli śledzić twórczość nowojorskiej Awangardy . Było też kilku artystów z wykształceniem literackim, wśród nich Robert Motherwell i Barnett Newman, którzy pełnili również funkcję krytyków.

Chociaż Nowy Jork i świat nie były zaznajomione z nowojorską awangardą , pod koniec lat 40. większość artystów, którzy dziś stali się powszechnie znanymi, miała swoich uznanych patronów-krytyków. Clement Greenberg opowiadał się za Jacksonem Pollockiem i kolorowymi malarzami pola, takimi jak Clyfford Still , Mark Rothko , Barnett Newman, Adolph Gottlieb i Hans Hofmann . Harold Rosenberg wydawał się preferować malarzy akcji, takich jak Willem de Kooning i Franz Kline . Thomas B. Hess , redaktor naczelny ARTnews , poparł Willema de Kooninga .

Nowi krytycy podnieśli swoich podopiecznych, obsadzając innych artystów jako „naśladowców” lub ignorując tych, którzy nie służyli swojemu celowi promocyjnemu. Na przykład w 1958 r. Mark Tobey „został pierwszym amerykańskim malarzem od czasu Whistlera (1895), który zdobył główną nagrodę na Biennale w Wenecji. Dwa czołowe nowojorskie czasopisma artystyczne nie były zainteresowane. Sztuka wspomniała o tym historycznym wydarzeniu tylko w rubryce informacyjnej i Art News (redaktor naczelny: Thomas B. Hess) całkowicie go zignorowali.The New York Times and Life drukował artykuły".

Barnett Newman , nieżyjący już członek Uptown Group, napisał przedmowy i recenzje do katalogu, a pod koniec lat 40. został artystą wystawiającym w Betty Parsons Gallery. Jego pierwsza indywidualna wystawa miała miejsce w 1948 roku. Niedługo po pierwszej wystawie Barnett Newman zauważył na jednej z Sesji Artystów w Studio 35: „Jesteśmy w trakcie tworzenia świata, do pewnego stopnia, na nasz obraz”. Wykorzystując swoje umiejętności pisarskie, Newman walczył na każdym kroku, aby wzmocnić swój nowo ugruntowany wizerunek jako artysty i promować swoją twórczość. Przykładem jest jego list do Sidneya Janisa z 9 kwietnia 1955 roku:

To prawda, że ​​Rothko rozmawia z wojownikiem. Walczy jednak o podporządkowanie się filisterskiemu światu. Moja walka ze społeczeństwem burżuazyjnym pociągnęła za sobą całkowite jego odrzucenie.

Osoba uważana mieli najwięcej do czynienia z promocją tego stylu był Nowy Jork trockistowska , Clement Greenberg . Jako długoletni krytyk sztuki dla „ Partisan Review” i „ The Nation” , stał się wczesnym i piśmiennym zwolennikiem ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Artysta Robert Motherwell , dobrze sytuowany, dołączył do Greenberga, promując styl pasujący do klimatu politycznego i intelektualnej buntowniczości epoki.

Clement Greenberg ogłosił ekspresjonizm abstrakcyjny, a Jackson Pollock w szczególności jako uosobienie wartości estetycznej. Greenberg wspierał pracę Pollocka na gruncie formalistycznym jako po prostu najlepszy obraz swoich czasów i kulminację tradycji artystycznej sięgającej przez kubizm i Cézanne'a do Moneta , w której malarstwo stawało się coraz bardziej „czystsze” i bardziej skoncentrowane na tym, co było dla niego „istotne”. , tworzenie znaków na płaskiej powierzchni.

Prace Jacksona Pollocka zawsze spolaryzowały krytyków. Harold Rosenberg mówił o przekształceniu malarstwa w egzystencjalny dramat w twórczości Pollocka, w którym „to, co miało trafić na płótno, nie było obrazem, lecz wydarzeniem”. „Wielki moment nadszedł, kiedy zdecydowano się malować »tylko po to, by malować«. Gest na płótnie był gestem wyzwolenia z wartości – politycznej, estetycznej, moralnej”.

Jednym z najgłośniejszych krytyków ekspresjonizmu abstrakcyjnego w tamtym czasie był krytyk sztuki New York Times John Canaday . Meyer Schapiro i Leo Steinberg byli także ważnymi powojennymi historykami sztuki, którzy wyrazili poparcie dla abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Od początku do połowy lat sześćdziesiątych młodsi krytycy sztuki Michael Fried , Rosalind Krauss i Robert Hughes wnieśli spore wglądy w krytyczną dialektykę, która rozwija się wokół abstrakcyjnego ekspresjonizmu.

Feministyczna krytyka sztuki

Feministyczna krytyka sztuki wyłoniła się w latach 70. z szerszego ruchu feministycznego jako krytyczna analiza zarówno wizualnych reprezentacji kobiet w sztuce, jak i dzieł wytwarzanych przez kobiety . Nadal jest głównym polem krytyki artystycznej.

Dziś

Krytycy sztuki pracują dziś nie tylko w mediach drukowanych, w specjalistycznych czasopismach artystycznych i gazetach. Krytycy sztuki pojawiają się także w internecie, telewizji i radiu, a także w muzeach i galeriach. Wielu jest również zatrudnionych na uniwersytetach lub jako edukatorzy sztuki w muzeach. Krytycy sztuki są kuratorami wystaw i często są zatrudniani do pisania katalogów wystaw. Krytycy sztuki mają własną organizację, organizację pozarządową UNESCO , zwaną Międzynarodowym Stowarzyszeniem Krytyków Sztuki, która ma około 76 sekcji narodowych i niezaangażowaną politycznie sekcję dla uchodźców i wygnańców.

Blogi artystyczne

Od początku XXI wieku na całym świecie pojawiły się krytyczne strony internetowe i blogi o sztuce, aby dodać swój głos do świata sztuki. Wielu z tych autorów korzysta z mediów społecznościowych, takich jak Facebook, Twitter, Tumblr i Google+, aby przedstawić czytelnikom swoje opinie na temat krytyki sztuki.

Zobacz też

Bibliografia

Zewnętrzne linki