Sztuka starożytnej Grecji - Ancient Greek art

Hellenistyczny Ołtarz Pergamoński : od l do r Nereus , Doris , Olbrzym , Oceanus
Hades porywa Persefonę , malowidło ścienne z IV wieku p.n.e. w małym macedońskim grobowcu królewskim w Verginie

Starożytna sztuka grecka wyróżnia się spośród innych starożytnych kultur ze względu na rozwój naturalistycznych, ale wyidealizowanych przedstawień ludzkiego ciała, w których głównie nagie postacie męskie były generalnie przedmiotem innowacji. Tempo rozwoju stylistycznego między około 750 a 300 rokiem p.n.e. było niezwykłe według starożytnych standardów, a w zachowanych dziełach najlepiej widać w rzeźbie . W malarstwie pojawiły się ważne innowacje, które należy zasadniczo zrekonstruować ze względu na brak oryginalnych przeżyć jakościowych, innych niż odrębna dziedzina malowanej ceramiki.

Grecka architektura , technicznie bardzo prosta, ustanowiła harmonijny styl z licznymi szczegółowymi konwencjami, które w dużej mierze zostały przyjęte przez architekturę rzymską i są nadal przestrzegane w niektórych nowoczesnych budynkach. Używał słownika ozdób, który był dzielony z ceramiką, metaloplastyką i innymi mediami, i miał ogromny wpływ na sztukę euroazjatycką , zwłaszcza po tym, jak buddyzm przeniósł ją poza rozszerzony świat grecki stworzony przez Aleksandra Wielkiego . Kontekst społeczny sztuki greckiej obejmował radykalne zmiany polityczne i wielki wzrost dobrobytu; równie imponujące osiągnięcia greckie w filozofii , literaturze i innych dziedzinach są dobrze znane.

Najwcześniejsza sztuka Greków jest generalnie wykluczona ze „sztuki starożytnej Grecji”, a zamiast tego znana jest jako grecka sztuka neolitu, po której następuje sztuka egejska ; ta ostatnia obejmuje sztukę cykladzką oraz sztukę kultur minojskich i mykeńskich z greckiej epoki brązu . Sztuka starożytnej Grecji dzieli się zazwyczaj stylistycznie na cztery okresy: geometryczny , archaiczny , klasyczny i hellenistyczny . Wiek geometryczny jest zwykle datowany na około 1000 rpne, chociaż w rzeczywistości niewiele wiadomo o sztuce w Grecji w ciągu ostatnich 200 lat, tradycyjnie znanej jako greckie średniowiecze . VII wiek p.n.e. był świadkiem powolnego rozwoju stylu archaicznego, czego przykładem jest czarnofigurowy styl malowania waz. Około 500 pne, na krótko przed wybuchem wojen perskich (480 pne do 448 pne), jest zwykle traktowane jako linia podziału między okresami archaicznym i klasycznym, a panowanie Aleksandra Wielkiego (336 pne do 323 pne) jest traktowane jako oddzielenie okresów klasycznych od hellenistycznych. Od pewnego momentu w I wieku p.n.e. używa się „grecko-rzymskiego”, lub bardziej lokalnych terminów dla świata wschodnio-greckiego.

W rzeczywistości nie było gwałtownego przejścia z jednego okresu do drugiego. Formy sztuki rozwijały się w różnym tempie w różnych częściach świata greckiego i jak w każdym wieku, niektórzy artyści pracowali w bardziej innowacyjnych stylach niż inni. Silne tradycje lokalne i wymogi lokalnych kultów pozwalają historykom zlokalizować pochodzenie nawet dzieł sztuki odnalezionych daleko od miejsca ich powstania. Różnorodna sztuka grecka była szeroko eksportowana. Przez cały okres panował ogólnie stały wzrost dobrobytu i powiązań handlowych w świecie greckim oraz z sąsiednimi kulturami.

Wskaźnik przeżycia sztuki greckiej różni się wyraźnie w zależności od mediów. Mamy ogromne ilości ceramiki i monet, dużo rzeźb kamiennych, choć jeszcze więcej rzymskich kopii, oraz kilka dużych rzeźb z brązu. Niemal całkowicie brakuje malarstwa, drobnych metalowych naczyń i wszystkiego, co jest łatwo psujące się, w tym drewna. Zachowała się kamienna skorupa wielu świątyń i teatrów, ale niewiele z ich bogatej dekoracji.

Garncarstwo

Szczegół z czarnej fig dzbanki, c. 540. Używa się także bieli, która się nie nosiła, oraz innego czerwono-fioletowego.

Zgodnie z konwencją, drobno pomalowane naczynia o różnych kształtach nazywane są „wazami”, a przetrwało ponad 100 000 znacznie kompletnych elementów, które dają (z inskrypcjami, które wiele nosi) niezrównany wgląd w wiele aspektów greckiego życia. Ceramika rzeźbiarska lub architektoniczna, również bardzo często malowana, określana jest mianem terakoty , a także przetrwała w dużych ilościach. W znacznej części literatury „ceramika” oznacza tylko malowane naczynia lub „wazony”. Ceramika była główną formą dóbr grobowych składanych w grobowcach, często jako „urny pogrzebowe” zawierające prochy ze spalenia , i była szeroko eksportowana.

Słynny i charakterystyczny styl greckiego malarstwa wazowego z postaciami przedstawionymi o mocnych konturach, z cienkimi liniami w obrębie konturów, osiągnął swój szczyt w latach około 600-350 pne i dzieli się na dwa główne style, prawie odwrotne względem siebie, czerni -malarstwo figurowe i czerwonofigurowe , w każdym przypadku inny kolor stanowi tło. Inne kolory były bardzo ograniczone, zwykle do niewielkich obszarów bieli i większych o różnej fioletowo-czerwonej kolorystyce. W ramach ograniczeń tych technik i innych silnych konwencji malarze waz osiągnęli niezwykłe rezultaty, łącząc wyrafinowanie i silną ekspresję. Technika białego gruntu pozwalała na większą swobodę w obrazowaniu, ale nie nosiła się dobrze i była głównie przeznaczona do pochówku.

Wnętrze filiżanki czerwonofigurowej Attic , około 450

Tradycyjnie mówi się, że starożytni Grecy wytwarzali większość naczyń ceramicznych do codziennego użytku, a nie do ekspozycji. Wyjątkiem są duże archaiczne monumentalne wazony wykonane jako znaki nagrobne, trofea zdobyte na grach, takie jak amfory panatenajskie wypełnione oliwą z oliwek oraz elementy wykonane specjalnie do pozostawienia w grobach; niektóre flakony perfum mają dno tuż pod ustami, więc niewielka ilość sprawia, że ​​wydają się pełne. W ostatnich dziesięcioleciach wielu uczonych kwestionowało to, widząc znacznie więcej produkcji, niż wcześniej sądzono, jako przeznaczonej do umieszczania w grobach, jako tańszy substytut wyrobów metalowych zarówno w Grecji, jak i Etrurii.

Większość zachowanej ceramiki to naczynia do przechowywania, serwowania lub picia płynów, takie jak amfory , kratery (miski do mieszania wina i wody), hydria (słoiki na wodę), miski do libacji, butelki na olej i perfumy do toalety, dzbanki i filiżanki. Malowane naczynia do serwowania i jedzenia są znacznie mniej powszechne. Malowana ceramika była przystępna nawet dla zwykłych ludzi, a sztuka „przyzwoicie ozdobiona pięcioma lub sześcioma cyframi kosztowała około dwóch lub trzech dni pensji”. Produkowano również masowo miniatury, głównie do wykorzystania jako ofiary w świątyniach. W okresie hellenistycznym produkowano szerszą gamę ceramiki, ale większość z nich ma niewielkie znaczenie artystyczne.

Biała ziemia , Strych, ok. godz. 460, Cylix Apolla , który wylewa libację , detal.

We wcześniejszych okresach nawet dość małe greckie miasta produkowały ceramikę na własne potrzeby. Były one bardzo zróżnicowane pod względem stylu i standardów. Na niektórych wyspach Morza Egejskiego , na Krecie oraz w bogatych greckich koloniach południowych Włoch i Sycylii produkowano charakterystyczną ceramikę, która zaliczana jest do sztuki . Jednak w późniejszym okresie archaicznym i wczesnoklasycznym dominowały dwie wielkie potęgi handlowe, Korynt i Ateny . Ich ceramika była eksportowana na cały świat grecki, wypierając lokalne odmiany. Garnki z Koryntu i Aten znajdują się tak daleko, jak Hiszpania i Ukraina i są tak powszechne we Włoszech, że po raz pierwszy zostały zebrane w XVIII wieku jako „wazony etruskie”. Wiele z tych doniczek to produkty masowe o niskiej jakości. W rzeczywistości, do V wieku p.n.e. ceramika stała się przemysłem, a malarstwo garncarskie przestało być ważną formą sztuki.

Paleta kolorów, które można było zastosować na doniczkach, była ograniczona technologią wypalania: najczęściej czarny, biały, czerwony i żółty. W trzech wcześniejszych okresach garnki pozostawiono w naturalnym jasnym kolorze i ozdobiono poślizgiem, który w piecu stał się czarny.

Ceramika grecka jest często sygnowana, czasem przez garncarza lub mistrza garncarstwa, ale tylko sporadycznie przez malarza. Setki malarzy można jednak zidentyfikować dzięki ich osobowościom artystycznym: tam, gdzie nie zachowały się ich sygnatury, są nazywani ze względu na wybór tematu, jako „ Malarz Achillesa ”, od garncarza, dla którego pracowali, takiego jak późno archaiczny „ Malarz Kleofradów ” , a nawet przez ich nowoczesne lokalizacje, takie jak późno archaiczny „ Berlin Painter ”.

Historia

Krater środkowy geometryczny , wys. 99 cm, poddasze, ok. 1900 r. 800-775 pne

Historia starożytnej ceramiki greckiej podzielona jest stylistycznie na pięć okresów:

  • Protogeometric od około 1050 rpne
  • geometryczna od około 900 pne
  • Późno geometryczna lub Archaiczny od około 750 roku pne
  • czarna postać z początku 7 wieku pne
  • i Czerwona Figura z około 530 r. p.n.e.

W epoce Protogeometrycznej i Geometrycznej grecką ceramikę zdobiono abstrakcyjnymi wzorami, dawniej zwykle eleganckimi i dużymi, z dużą ilością niepomalowanej przestrzeni, ale w geometrycznym często gęsto pokrywającym większą część powierzchni, jak w dużych naczyniach Mistrza Dipylon , który pracował około 750 roku. On i inni garncarze z jego czasów zaczęli wprowadzać bardzo stylizowane sylwetki ludzi i zwierząt, zwłaszcza koni. Często reprezentują one procesje pogrzebowe lub bitwy, prawdopodobnie reprezentujące te, które stoczyły zmarły.

Po fazie geometrycznej nastąpił okres orientalizacji pod koniec VIII wieku, kiedy kilka zwierząt, wiele mitycznych lub nie pochodzących z Grecji (jak odpowiednio sfinks i lew), zostało zaadaptowanych z Bliskiego Wschodu, którym towarzyszyły motywy dekoracyjne, takie jak lotos i palmeta. Zostały one pokazane znacznie większe niż poprzednie liczby. Styl dzikiej kozy to wariant regionalny, bardzo często przedstawiający kozy . Postacie ludzkie nie uległy tak silnemu wpływowi ze Wschodu, ale stały się większe i bardziej szczegółowe.

W pełni dojrzała technika czarnej figury , z dodanymi czerwonymi i białymi detalami oraz nacięciami na kontury i detale, powstała w Koryncie na początku VII wieku p.n.e. i została wprowadzona do Attyki mniej więcej pokolenie później; rozkwitał do końca VI wieku p.n.e. Technika czerwonych postacią , wymyśloną w około 530 pne, odwrócić tę tradycję, z garnki są pomalowane na czarno i figury malowane na czerwono. Wazony z czerwonymi figurami powoli zastąpiły styl czarnych figur. Czasami grawerowano lub malowano większe naczynia. Tematy erotyczne, zarówno heteroseksualne , jak i homoseksualne męskie , stały się powszechne.

Około 320 p.n.e. w Atenach i innych greckich ośrodkach zaprzestano pięknego, figuratywnego malarstwa wazowego, a polichromatyczny styl Kercz był ostatnim rozkwitem; prawdopodobnie został zastąpiony metaloplastyką dla większości swoich funkcji. Wyroby z West Slope , z motywami dekoracyjnymi na czarnym szkliwionym korpusie , były kontynuowane przez ponad wiek później. Włoskie malowanie czerwonofigurowe zakończyło się około 300 roku, a w następnym stuleciu jedynymi dużymi malowanymi wazonami, które nadal były wykonywane, były stosunkowo prymitywne wazony hadrowe , prawdopodobnie z Krety , naczynia Centuripe z Sycylii i amfory panatenajskie , obecnie zamrożona tradycja.

Obróbka metali

Krater z derveni , 4 wieku pne, z Dionizosa i Ariadny zobaczyć tutaj.

Dobra metaloplastyka była ważną sztuką w starożytnej Grecji, ale późniejsza produkcja jest bardzo słabo reprezentowana przez przetrwanie, z których większość pochodzi z krańców greckiego świata lub spoza niego, z tak odległych miejsc, jak Francja czy Rosja. Naczynia i biżuteria były produkowane zgodnie z wysokimi standardami i eksportowane daleko. Przedmioty ze srebra, w tamtych czasach warte więcej w stosunku do złota niż w czasach współczesnych, były często wyryte przez wytwórcę ich wagą, ponieważ traktowano je głównie jako magazyny wartości i prawdopodobnie zostały sprzedane lub ponownie przetopione przed bardzo długie.

Podczas faz geometryczne i Archaicznym produkcja dużych naczyń metalowych jest ważnym ekspresja greckiego kreatywności i ważnym etapem w rozwoju techniki bronzeworking, takich jak odlewanie i tłoczony udarowego. Wczesne sanktuaria, zwłaszcza Olimpia , dostarczały wielu setek trójnożnych misek lub trójnożnych naczyń ofiarnych , głównie z brązu , składanych jako wotywy . Miały one płytką miskę z dwoma uchwytami uniesionymi wysoko na trzech nogach; w późniejszych wersjach podstawka i miska były różnymi kawałkami. W okresie orientalizacji takie trójnogi często zdobiono figuralnymi protomami w postaci gryfów , sfinksów i innych fantastycznych stworzeń.

Miecze, grecki hełm i często kamizelki kuloodporne, takie jak kirys mięśniowy, były wykonane z brązu, czasami zdobione szlachetnym metalem, jak w III-wiecznym kirysie Ksour Essef . Zbroja i „opaski na tarcze” to dwa konteksty dla pasków archaicznych płaskorzeźb, które były również przyczepiane do różnych przedmiotów w drewnie; zespół na Vix Krater jest dużym przykładem. Innym powszechnym przedmiotem były lustra z polerowanego brązu, początkowo ze zdobionymi plecami i koreczkowymi uchwytami; późniejszy typ „składanego lustra” miał na zawiasach okładki, często ozdobione reliefową sceną, typowo erotyczną. Monety opisano poniżej.

Od późnego okresu archaicznego najlepsza obróbka metalu dotrzymywała kroku rozwojowi stylistycznemu w rzeźbie i innych sztukach, a Fidiasz należy do znanych rzeźbiarzy, którzy ją praktykowali. Hellenistyczny smak zachęcał do wysoce skomplikowanych pokazów technicznej wirtuozerii, skłonnych do „sprytności, kaprysu lub nadmiernej elegancji”. Wiele lub większość greckich kształtów ceramiki zostało zaczerpniętych z kształtów użytych po raz pierwszy w metalu, a w ostatnich dziesięcioleciach rośnie opinia, że ​​wiele z najlepszych wzorów malowania wazonów zostało ponownie wykorzystanych przez złotników do naczyń z grawerem i sekcjami pokrytymi innym metalem. z narysowanych projektów.

Wyjątkowe pozostałości tego, co mogło być stosunkowo powszechną klasą dużych naczyń z brązu, to dwa kratery wolutowe, służące do mieszania wina i wody. Są to Vix Krater , ok. . 530 p.n.e., wysokość 1,63 m (5'4") i waży ponad 200 kg (450 funtów), trzymając około 1100 litrów, znaleziono w pochówku celtyckiej kobiety we współczesnej Francji oraz w Derveni Krater z IV wieku , 90,5 Elity innych sąsiadów Greków, takich jak Trakowie i Scytowie , byli zapalonymi konsumentami greckich wyrobów metalowych i prawdopodobnie służyli im przez greckich złotników osiadłych na ich terytoriach, którzy dostosowali swoje wyroby do lokalnych gustów i funkcje. Takie hybrydowe elementy tworzą dużą część przeżyć, w tym Panagyurishte Treasure , Borovo Skarbu i innych trackich skarbów i kilku scytyjskich pochówków, które prawdopodobnie zawarte pracę przez greckich artystów z siedzibą w greckich osad na morzu Czarnym . Podobnie jak w przypadku inne sztuki luksusowe, macedoński cmentarz królewski w Verginie wyprodukował przedmioty najwyższej jakości z przełomu okresu klasycznego i hellenistycznego.

Biżuteria na rynek grecki jest często doskonałej jakości, jedną niezwykłą formą są misterne i bardzo delikatne złote wieńce imitujące formy roślinne, noszone na głowie. Były one prawdopodobnie rzadko, jeśli w ogóle, noszone za życia, ale dawane jako wota i noszone po śmierci. Wiele portretów mumii Fayum nosi je. Niektóre kawałki, zwłaszcza w okresie hellenistycznym, są wystarczająco duże, aby oferować pole do cyfr, podobnie jak Scytowie gustowali w stosunkowo dużych kawałkach złota.

Monumentalna rzeźba

Jeźdźcy z fryzu Partenonu , około 440 p.n.e.

Grecy bardzo wcześnie uznali, że najważniejszym tematem artystycznych działań jest ludzka postać. Widząc, że ich bogowie mają ludzką postać, w sztuce niewiele było rozróżnienia między sacrum a świeckim – ludzkie ciało było zarówno świeckie, jak i święte. A mężczyzn nago z Apollo lub Herakles miał tylko niewielkie różnice w traktowaniu do jednego z tego roku olimpijskim mistrzem boksu. W okresie archaicznym najważniejszą formą rzeźbiarską był kouros (liczba mnoga kouroi ), stojący akt męski (patrz np. Biton i Kleobis ). Kore (liczba mnoga Koraï ) lub stojącej obleczona kobieca postać, był również wspólny, ale ponieważ społeczeństwo greckie nie zezwala na publiczny pokaz kobiecej nagości aż do 4 wieku pne, kore jest uważane za mniej ważne w rozwoju rzeźby . Pod koniec tego okresu na znaczeniu zyskała rzeźba architektoniczna na świątyniach.

Podobnie jak w przypadku ceramiki, Grecy nie tworzyli monumentalnej rzeźby jedynie dla artystycznego pokazu. Posągi były zamawiane przez osoby arystokratyczne lub przez państwo i wykorzystywane do publicznych pomników, jako ofiary dla świątyń, wyroczni i sanktuariów (co często pokazują inskrypcje na posągach) lub jako znaki na grobach. Nie wszystkie posągi w okresie archaicznym miały przedstawiać konkretne osoby. Były obrazami ideału — piękna, pobożności, honoru lub poświęcenia. Były to zawsze wizerunki młodych mężczyzn, w różnym wieku, od dorastania do wczesnej dojrzałości, nawet gdy umieszczano je na grobach (przypuszczalnie) starszych obywateli. Wszystkie Kouroi były podobne stylistycznie. Stopniowanie pozycji społecznej zamawiającego pomnik wskazywane było raczej wielkością niż innowacjami artystycznymi.

W przeciwieństwie do autorów, ci, którzy uprawiali sztuki wizualne, w tym rzeźbę, początkowo mieli niski status społeczny w starożytnej Grecji, choć coraz bardziej czołowi rzeźbiarze mogli stać się sławni i raczej zamożni, często podpisując swoje prace (niestety często na cokole, który zazwyczaj oddzielony od samego posągu). Plutarch ( Życie Peryklesa , II) powiedział: „podziwiamy dzieło sztuki, ale gardzimy jego twórcą”; był to powszechny pogląd w starożytnym świecie. Starogrecki rzeźba jest podzielone przez zwykłych okresów stylistycznych z „Archaic”, „klasyczny” i „hellenistycznej”, wzbogacony o kilka dodatkowych nich zastosowanie głównie rzeźby, takich jak Orientalizing stylu Daedalic i Severe stylu wczesnego rzeźby klasycznej.

Materiały, formy

Rzadki duży późno archaiczny posąg z terakoty Zeusa i Ganimedesa w Olimpii .

Ocalałe rzeźby starożytnej Grecji były w większości wykonane z dwóch rodzajów materiałów. Najczęściej używano kamienia, zwłaszcza marmuru lub innych wapieni wysokiej jakości, ręcznie rzeźbionych narzędziami metalowymi. Kamienne rzeźby mogły być wolnostojące w całości wyrzeźbione na okrągło (posągi) lub tylko częściowo rzeźbione płaskorzeźby nadal przymocowane do tablicy tła, na przykład we fryzach architektonicznych lub stelach nagrobnych .

Posągi z brązu miały wyższy status, ale przetrwały w znacznie mniejszej liczbie, ze względu na możliwość ponownego wykorzystania metali. Wykonywano je najczęściej w technice traconego wosku . Posągi z chryselefantyny , czyli ze złota i kości słoniowej, były kultowymi obrazami w świątyniach i uważano je za najwyższą formę rzeźby, ale zachowały się tylko niektóre fragmenty. Zazwyczaj były one ponadnaturalne, zbudowane wokół drewnianej ramy, z cienkimi rzeźbionymi płytami z kości słoniowej reprezentującymi ciało i płatami złota , prawdopodobnie na drewnie, reprezentującymi ubrania, zbroję, włosy i inne detale.

W niektórych przypadkach pasta szklana, szkło oraz kamienie szlachetne i półszlachetne były używane do detali takich jak oczy, biżuteria i broń. Inne duże akrolityczne posągi używały kamienia do części ciała i drewna do reszty, a marmurowe posągi czasami miały stiukowe fryzury. Większość rzeźb była malowana (patrz niżej), a wiele z nich nosiło prawdziwą biżuterię i miało inkrustowane oczy i inne elementy z różnych materiałów.

Terakota była wykorzystywana sporadycznie do dużych rzeźb. Niewiele przykładów tego przetrwało, przynajmniej częściowo ze względu na kruchość takich posągów. Najbardziej znanym wyjątkiem jest posąg Zeusa niosącego Ganimedesa znaleziony w Olimpii , stracony około 470 p.n.e. W tym przypadku terakota jest malowana. Niewątpliwie istniały rzeźby w całości wykonane z drewna, które mogły mieć bardzo duże znaczenie we wczesnych okresach, ale w rzeczywistości żadna z nich nie przetrwała.

Archaiczny

Kleobis i Biton , kouroi okresu archaicznego, ok. 1930 r. 580 pne, Muzeum Archeologiczne w Delfach

Sztuka Cyklad z epoki brązu , do około 1100 roku pne, wykazała już niezwykłe skupienie się na postaci ludzkiej, zwykle pokazywanej w prostej pozycji stojącej z rękoma złożonymi na brzuchu. Wśród mniejszych rysów wyrzeźbiono tylko nosy, czasami oczy i kobiece piersi, chociaż postacie były najwyraźniej malowane i mogły pierwotnie wyglądać zupełnie inaczej.

Zainspirowani monumentalną kamienną rzeźbą Egiptu i Mezopotamii , w okresie archaicznym Grecy zaczęli ponownie rzeźbić w kamieniu. Postacie wolnostojące mają tę samą solidność i frontalną postawę charakterystyczną dla modeli wschodnich, ale ich formy są bardziej dynamiczne niż w rzeźbach egipskich, jak np. Dama z Auxerre i Tors Hery (okres wczesno archaiczny, ok. 660–580 p.n.e., oba w Luwrze w Paryżu). Po ok. 575 rpne takie postacie, zarówno męskie, jak i żeńskie, nosiły tzw. archaiczny uśmiech . Wyrażenie to, które nie ma szczególnej adekwatności do przedstawionej osoby lub sytuacji, mogło być sposobem nadania postaciom charakterystycznej ludzkiej cechy.

Dominowały trzy typy postaci – stojąca naga młodzież (kouros), stojąca udrapowana dziewczyna (kore) i rzadziej siedząca kobieta. Wszystkie podkreślają i uogólniają istotne cechy postaci ludzkiej oraz wykazują coraz dokładniejsze zrozumienie anatomii człowieka. Młodzi ludzie byli posągami nagrobnymi lub wotywnymi. Przykładami są Apollo (Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork), wczesne dzieło; Strangford Apollo od Anafi (British Museum, Londyn), znacznie później praca; oraz Anavyssos Kouros ( Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach ). W tym posągu widać więcej muskulatury i struktury szkieletowej niż we wcześniejszych pracach. Stojące, udrapowane dziewczyny mają szeroki zakres ekspresji, jak na rzeźbach w Muzeum Akropolu w Atenach . Ich draperie są rzeźbione i malowane z delikatnością i skrupulatnością charakterystyczną dla detali rzeźbiarskich tego okresu.

Reliefy archaiczne przetrwały z wielu grobowców, a także z większych budynków w Foce del Sele (obecnie w muzeum w Paestum ) we Włoszech, z dwoma grupami paneli metopowych , z około 550 i 510 oraz Skarbca Syfnijskiego w Delfach, z fryzami i mały fronton . Części, wszystkie obecnie w lokalnych muzeach, przetrwały z dużych trójkątnych grup frontonów ze Świątyni Artemidy na Korfu (ok. 580), zdominowanej przez ogromną Gorgonę i Starej Świątyni Ateny w Atenach (ok. 530-500).

Klasyczny

Artemision Bronze , albo Poseidon lub Zeus , c. 460 pne, Narodowe Muzeum Archeologiczne , Ateny . To arcydzieło klasycznej rzeźby zostało odnalezione przez rybaków z przylądka Artemisium w 1928 roku. Ma ponad 2 m wysokości.

W okresie klasycznym miała miejsce rewolucja w rzeźbiarstwie greckim, zwykle związana z wprowadzeniem demokracji i końcem kultury arystokratycznej związanej z kurojami . Okres klasyczny przyniósł zmiany w stylu i funkcji rzeźby. Pozy stały się bardziej naturalistyczne (patrz Woźnica z Delf jako przykład przejścia do bardziej naturalistycznej rzeźby), a umiejętności techniczne greckich rzeźbiarzy w przedstawianiu ludzkiej postaci w różnych pozach znacznie wzrosły. Od około 500 pne posągi zaczęły przedstawiać prawdziwych ludzi. Rzeźby Harmodiusa i Arystogeitona ustawione w Atenach w celu upamiętnienia obalenia tyranii były uważane za pierwsze publiczne pomniki prawdziwych ludzi.

„Pierwszy prawdziwy portret pojedynczego Europejczyka”: kopia z czasów rzymskich zaginionego popiersia Temistoklesa z 470 rpne w stylu Surowy .

Jednocześnie rzeźby i posągi znalazły szersze zastosowanie. Wielkie świątynie epoki klasycznej, takie jak Partenon w Atenach i Świątynia Zeusa w Olimpii, wymagały rzeźby reliefowej do dekoracyjnych fryzów i rzeźby okrągłej, aby wypełnić trójkątne pola frontonów . Trudne wyzwanie estetyczne i techniczne stymulowało w dużej mierze innowację rzeźbiarską. Niestety prace te przetrwały tylko we fragmentach, z których najsłynniejsze to Marmury Partenonu , z których połowa znajduje się w British Museum.

Statua pogrzebowa ewoluowała w tym okresie od sztywnych i bezosobowych kouros okresu archaicznego do wysoce osobistych grup rodzinnych okresu klasycznego. Pomniki te są powszechnie spotykane na przedmieściach Aten, które w starożytności były cmentarzami na obrzeżach miasta. Chociaż niektóre z nich przedstawiają „idealne” typy – żałobną matkę, posłuszny syn – coraz częściej przedstawiały prawdziwych ludzi, zazwyczaj ukazując zmarłego, który godnie opuścił rodzinę. Są to jedne z najbardziej intymnych i wzruszających pozostałości starożytnych Greków.

W okresie klasycznym po raz pierwszy znamy nazwiska poszczególnych rzeźbiarzy. Fidiasz nadzorował projekt i budowę Partenonu . Praksyteles po raz pierwszy uczynił kobiecy akt godnym szacunku w okresie późnego klasycyzmu (połowa IV w.): jego zachowana w kopiach Afrodyta z Knidos została uznana przez Pliniusza za najwspanialszy posąg na świecie.

Najsłynniejszymi dziełami okresu klasycznego dla współczesnych były kolosalna Statua Zeusa w Olimpii i Statua Ateny Partenos w Partenonie. Oba były chryselefantynami i wykonane przez Fidiasza lub pod jego kierownictwem, a teraz zaginęły, chociaż mniejsze kopie (w innych materiałach) i dobre opisy obu nadal istnieją. Ich wielkość i świetność skłoniły cesarzy do zajęcia ich w okresie bizantyjskim i oba zostały przeniesione do Konstantynopola , gdzie później zostały zniszczone w pożarach.

hellenistyczny

Wenus z Milo , odkrył na greckiej wyspie Milos , 130-100 pne, Luwr

Przejście od okresu klasycznego do hellenistycznego nastąpiło w IV wieku p.n.e. Po podbojach Aleksandra Wielkiego (336 pne do 323 pne) kultura grecka rozprzestrzeniła się aż do Indii , o czym świadczą wykopaliska Ai-Khanoum we wschodnim Afganistanie oraz cywilizacja Greko-Baktryjczyków i Indo-Greków . Sztuka grecko-buddyjska reprezentowała synkretyzm między sztuką grecką a wizualną ekspresją buddyzmu. W ten sposób sztuka grecka stała się bardziej zróżnicowana i bardziej pod wpływem kultur ludów wciągniętych w orbitę grecką.

W opinii niektórych historyków sztuki podupadła również pod względem jakości i oryginalności. Jest to jednak ocena, której nie podzielaliby ówcześni artyści i miłośnicy sztuki. Rzeczywiście, wiele rzeźb wcześniej uważanych za arcydzieła klasyczne jest obecnie uznawanych za hellenistyczne. Techniczne umiejętności rzeźbiarzy hellenistycznych są wyraźnie widoczne w tak ważnych dziełach, jak Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki i Ołtarz Pergamoński . Nowe ośrodki kultury greckiej, zwłaszcza rzeźbiarskiej, rozwinęły się w Aleksandrii , Antiochii , Pergamonie i innych miastach, gdzie nowe monarchie były hojnymi mecenasami. Do II wieku rosnąca potęga Rzymu wchłonęła również znaczną część greckiej tradycji – a także coraz większą część jej produktów.

W tym okresie rzeźba stała się bardziej naturalistyczna, a także ekspresyjna; zainteresowanie przedstawianiem skrajności emocji jest czasami spychane do skrajności. Przedmioty gatunkowe zwykłych ludzi, kobiet, dzieci, zwierząt i scen domowych stały się dopuszczalnymi tematami rzeźby, która była zamawiana przez zamożne rodziny do ozdoby ich domów i ogrodów; Chłopiec Thorn przykład. Powstały realistyczne portrety mężczyzn i kobiet w każdym wieku, a rzeźbiarze nie czuli się już zobowiązani do przedstawiania ludzi jako ideałów piękna lub fizycznej doskonałości.

Świat Dionizosa , pasterskiej sielanki zamieszkałej przez satyry , menady , nimfy i sileni , był często przedstawiany we wcześniejszym malarstwie wazowym i figurkach, ale rzadko w pełnowymiarowej rzeźbie. Teraz powstały takie prace, które przetrwały w kopiach, w tym Faun Barberini , Torso Belvedere i Satyr Spoczynku ; że Centaury Furietti i Śpiąca hermafrodyta odzwierciedlać pokrewnych tematów. W tym samym czasie nowe hellenistyczne miasta powstające w całym Egipcie , Syrii i Anatolii wymagały posągów przedstawiających bogów i bohaterów Grecji w świątyniach i miejscach publicznych. To sprawiło, że rzeźba, podobnie jak garncarstwo, stała się przemysłem, z konsekwencją standaryzacji i pewnym obniżeniem jakości. Z tych powodów przetrwało o wiele więcej posągów hellenistycznych niż w przypadku okresu klasycznego.

Niektóre z najbardziej znanych rzeźb hellenistycznych to Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki (II lub I wiek p.n.e.), posąg Afrodyty z wyspy Melos znanej jako Wenus z Milo (połowa II wieku p.n.e.), Umierająca Galia (około 230 pne) oraz monumentalną grupę Laokoona i jego synów (koniec I wieku p.n.e.). Wszystkie te posągi przedstawiają motywy klasyczne, ale ich traktowanie jest o wiele bardziej zmysłowe i emocjonalne, niż pozwalał na to surowy smak okresu klasycznego lub pozwalały na to jego umiejętności techniczne.

Wielofigurowa grupa posągów była innowacją hellenistyczną, prawdopodobnie z III wieku, polegającą na usunięciu ze ścian epickich bitew wcześniejszych płaskorzeźb na frontonie świątyni i umieszczeniu ich jako grup posągów naturalnej wielkości. Ich styl jest często nazywany „ barokowym ”, z ekstrawagancko wykrzywionymi pozami i intensywnymi wyrazami twarzy. Reliefy na ołtarzu pergamońskim są najbliższymi oryginalnymi ocalałymi, ale kilka dobrze znanych dzieł uważa się za rzymskie kopie oryginałów hellenistycznych. Należą do nich Grupa Galów i Ludovisi Galii , a także mniej znane klęczącej Galii i innych, wszyscy wierzyli skopiować prowizji Pergamene przez Attalos I aby uczcić jego zwycięstwo około 241 nad Galów z Galacji , zawierająca prawdopodobnie dwie grupy.

Inne przykłady to Grupa Laokoona , Byk Farnese , Menelaos podtrzymujący ciało Patroklosa („grupa Pasquino”), Arrotino i rzeźby Sperlonga . Od II wieku styl neoattycki lub neoklasyczny jest postrzegany przez różnych badaczy albo jako reakcja na barokowe ekscesy, powrót do wersji stylu klasycznego, albo jako kontynuacja tradycyjnego stylu dla posągów kultowych. Warsztaty stylu stały się głównie producentami kopii na rynek rzymski, preferując kopie dzieł klasycznych niż hellenistycznych.

Odkrycia dokonane od końca XIX wieku wokół (obecnie zatopionego) starożytnego egipskiego miasta Heracleum obejmują IV wiek pne, niezwykle zmysłowy, szczegółowy i feministyczny (w przeciwieństwie do deifikowanego) przedstawienie Izydy , oznaczające połączenie egipskiego i hellenistycznego formy zaczynające się w czasie podboju Egiptu przez Aleksandra Wielkiego . Było to jednak nietypowe dla ptolemejskiej rzeźby dworskiej, która generalnie unikała mieszania stylów egipskich z dość konwencjonalnym stylem hellenistycznym, podczas gdy świątynie w pozostałej części kraju nadal używały późnych wersji tradycyjnych egipskich formuł. Uczeni zaproponowali „styl aleksandryjski” w rzeźbie hellenistycznej, ale w rzeczywistości niewiele łączy go z Aleksandrią.

Rzeźba hellenistyczna odznaczała się również wzrostem skali, której kulminacją był Kolos z Rodos (koniec III wieku), który był tego samego rozmiaru co Statua Wolności . Połączone skutki trzęsień ziemi i grabieży zniszczyły to, a także inne bardzo duże dzieła tego okresu.

Figurki

Figurki z terakoty

Naczynie ceramiczne w kształcie Afrodyty w muszli; z Attyki , Grecja klasyczna , odkryta na cmentarzu Fanagoria , Półwysep Taman ( Królestwo Bosporańskie , południowa Rosja ), 1. ćw. IV w. p.n.e., Ermitaż , Sankt Petersburg .

Glina jest materiałem często używanym do wyrobu statuetek wotywnych lub idoli, nawet przed cywilizacją minojską i trwającą aż do okresu rzymskiego. W VIII wieku p.n.e. grobowce w Beocji często zawierają „bożków dzwonowych”, kobiece figurki z ruchomymi nogami: głowa, mała w porównaniu z resztą ciała, jest umieszczona na końcu długiej szyi, podczas gdy ciało jest bardzo pełne, w kształcie dzwonu. Archaiczne grobowce heron , dla miejscowych bohaterów, mogą otrzymać dużą liczbę figurek o prymitywnych kształtach, z prymitywną figuracją, zazwyczaj przedstawiających postacie z uniesionymi rękami.

W okresie hellenistycznym większość figurek z terakoty straciła swój religijny charakter i przedstawia postacie z życia codziennego. Figurki Tanagra , pochodzące z jednego z kilku ośrodków produkcyjnych, są masowo produkowane za pomocą form, a po wypaleniu malowane. Wśród nowych tematów, przedstawianych z wyrafinowanym stylem, znalazły się lalki, postacie modnie ubranych dam i aktorów, niektóre z nich prawdopodobnie portrety. Były one tanie i początkowo eksponowane w domu, podobnie jak nowoczesne figurki ozdobne, ale dość często były chowane wraz z właścicielami. W tym samym czasie miasta takie jak Aleksandria , Smyrna czy Tarsus produkowały mnóstwo groteskowych figurek, przedstawiających osoby o zdeformowanych członkach, z wyłupiastymi i wykrzywionymi oczami. Takie figurki były również wykonane z brązu.

W przypadku malowanych terakoty architektonicznej patrz Architektura poniżej.

Figurki metalowe

Figurki wykonane z metalu, głównie z brązu, są niezwykle powszechnym znaleziskiem we wczesnych greckich sanktuariach, takich jak Olimpia , gdzie znaleziono tysiące takich obiektów, głównie przedstawiających zwierzęta. Są one zwykle wytwarzane w technice traconego wosku i można je uznać za początkowy etap rozwoju greckiej rzeźby z brązu. Najczęstszymi motywami w okresie geometrycznym były konie i jelenie, ale przedstawiane są również psy, bydło i inne zwierzęta. Postacie ludzkie pojawiają się sporadycznie. Produkcja małych metalowych wotów była kontynuowana przez całą starożytność Grecji. W okresie klasycznym i hellenistycznym rozpowszechniły się także bardziej kunsztowne statuetki z brązu, ściśle związane z rzeźbą monumentalną . Wysokiej jakości przykłady były chętnie zbierane przez bogatych Greków, a później Rzymian, ale zachowało się stosunkowo niewiele.

Architektura

Dwie wczesno archaiczne świątynie greckie w porządku doryckim w Paestum we Włoszech, ze znacznie szerszymi kapitelami niż później.
Świątynia Hefajstosa , Ateny , dobrze zachowany dojrzały dorycki, koniec V wieku p.n.e

Architektura (tj. budynki wykonane według estetycznie przemyślanego projektu) przestała istnieć w Grecji od końca okresu mykeńskiego (około 1200 pne) aż do VII wieku, kiedy miejskie życie i dobrobyt powróciły do ​​punktu, w którym można było budować publiczne. Ponieważ większość greckich budowli w okresie archaicznym i wczesnoklasycznym była wykonana z drewna lub cegły mułowej , nic po nich nie pozostało poza kilkoma planami i prawie nie ma źródeł pisanych na temat wczesnej architektury ani opisów budynków. Większość naszej wiedzy o architekturze greckiej pochodzi z zachowanych budynków z okresu późnego archaicznego, klasycznego, hellenistycznego i rzymskiego (ponieważ starożytna architektura rzymska mocno wykorzystywała style greckie) oraz z późnych źródeł pisanych, takich jak Witruwiusz (I wiek p.n.e.). Oznacza to, że istnieje silna skłonność do świątyń , najczęstszych głównych budynków, które przetrwają. Tutaj kwadratowe bloki kamienia użyte do budowy ścian były przydatne w późniejszych budynkach, a często jedyne , co przetrwało, to części kolumn i metop, które były trudniejsze do recyklingu.

Przez większość okresu stosowano rygorystyczny system konstrukcji z kamiennymi słupami i nadprożami , utrzymywany w miejscu wyłącznie grawitacją. Korbelling był znany w Grecji mykeńskiej, a łuk był znany najpóźniej od V wieku, ale aż do okresu rzymskiego prawie nie stosowano tych technik. Drewno było używane tylko do produkcji stropów i belek dachowych w prestiżowych budynkach z kamienia. Zastosowanie dużych dachówek z terakoty, utrzymywanych na miejscu jedynie przez rowkowanie, oznaczało, że dachy musiały mieć niski spadek.

Do czasów hellenistycznych tylko budynki publiczne były budowane w formalnym stylu kamiennym; dotyczyły one przede wszystkim świątyń i mniejszych budynków skarbowych, które często im towarzyszyły, a zostały zbudowane w Delfach przez wiele miast. Inne rodzaje budynków, często nie zadaszony, były centralne agora , często z jednym lub więcej Colonnaded STOA wokół niego, teatrach , w gimnazjum i palestry lub Wrestling szkoły, w ekklesiasterion lub buleuterion dla zespołów oraz Propyleje lub monumentalnych bram. Okrągłe budynki o różnych funkcjach nazywano tholos , a największymi konstrukcjami kamiennymi były często obronne mury miejskie.

Grobowce przez większość okresu były wykonane jako wyszukane mauzolea na obrzeżach greckiego świata, zwłaszcza w Anatolii. Prywatne domy zbudowano wokół dziedzińca, na który pozwalały fundusze, i odsłaniały puste ściany od strony ulicy. Mieli czasem drugie piętro, ale bardzo rzadko piwnice. Zwykle budowano je co najwyżej z gruzu i stosunkowo niewiele o nich wiadomo; przynajmniej w przypadku mężczyzn większość życia spędzili poza nimi. Odkopano kilka pałaców z okresu hellenistycznego.

Zrekonstruowany Skarbiec Ateński w Delfach

Świątynie i niektóre inne budynki, takie jak skarbce w Delfach, zostały zaplanowane jako sześcian lub, częściej, prostokąt wykonany z wapienia , którego Grecja ma pod dostatkiem, a który pocięto na duże bloki i ubrano. Uzupełniały ją kolumny, przynajmniej na froncie wejściowym, a często ze wszystkich stron. Inne budynki były bardziej elastyczne w planie i nawet najbogatsze domy wydawały się być pozbawione wielu ozdób zewnętrznych. Marmur był drogim materiałem budowlanym w Grecji: wysokiej jakości marmur pochodził tylko z góry Pentelus w Attyce oraz z kilku wysp, takich jak Paros , a jego transport w dużych blokach był trudny. Był używany głównie do dekoracji rzeźbiarskich , nie strukturalnie, z wyjątkiem najwspanialszych budowli okresu klasycznego, takich jak Partenon w Atenach.

Istniały dwa główne klasycystyczne porządki architektury greckiej, dorycki i joński , przy czym porządek koryncki pojawił się dopiero w okresie klasycznym i nie stał się dominujący aż do okresu rzymskiego. Najbardziej oczywistymi cechami trzech porządków są kapitele kolumn, ale istnieją znaczne różnice w innych punktach konstrukcji i dekoracji między rzędami. Nazwy te były używane przez samych Greków i odzwierciedlały ich przekonanie, że style wywodzą się od doryckich i jońskich Greków z ciemnych wieków, ale jest to mało prawdopodobne. Dorycki był najwcześniejszym, prawdopodobnie po raz pierwszy pojawił się w kamieniu we wczesnym VII wieku, rozwinął się (choć może nie bardzo bezpośrednio) od poprzedników w drewnie. Był używany w Grecji kontynentalnej i koloniach greckich we Włoszech. Styl joński został po raz pierwszy użyty w miastach Ionii (obecnie zachodnie wybrzeże Turcji) i niektórych wyspach Morza Egejskiego, prawdopodobnie od VI wieku. Styl dorycki był bardziej formalny i surowy, joński bardziej zrelaksowany i dekoracyjny. Bardziej ozdobny porządek koryncki był późniejszym rozwojem jońskiego, początkowo najwyraźniej używany tylko wewnątrz budynków i używający form jońskich do wszystkiego z wyjątkiem stolic. Słynny i dobrze zachowany pomnik Choragiczny Lizykratesa w pobliżu Akropolu w Atenach (335/334) jest pierwszym znanym zastosowaniem porządku korynckiego na zewnątrz budynku.

Większość najbardziej znanych zachowanych budowli greckich, takich jak Partenon i Świątynia Hefajstosa w Atenach, to budowle doryckie. Erechtejon , obok Partenonu jest jednak jonowej. Porządek joński stał się dominujący w okresie hellenistycznym, ponieważ jego bardziej dekoracyjny styl lepiej odpowiadał estetyce tego okresu niż bardziej powściągliwy dorycki. Niektóre z najlepiej zachowanych budynków hellenistycznych, takie jak Biblioteka Celsusa , można zobaczyć w Turcji, w miastach takich jak Efez i Pergamon . Ale w największym z miast hellenistycznych, Aleksandrii w Egipcie , prawie nic nie przetrwało.

Projekt monety

Ateńska tetradrachma z głową Ateny i sową po 449 p.n.e. Najbardziej akceptowalna moneta w świecie śródziemnomorskim.
Złoto 20- stater z Eucratides z Baktrii circa 150 BC, największą złotą monetę starożytności. 169,2 gramów, średnica 58 mm.

Monety zostały (prawdopodobnie) wynalezione w Lidii w VII wieku pne, ale po raz pierwszy były szeroko używane przez Greków, a Grecy ustanowili kanon projektowania monet, który jest przestrzegany od tego czasu. Współczesne wzornictwo monet nadal w rozpoznawalny sposób nawiązuje do wzorów wywodzących się ze starożytnej Grecji. Grecy nie uważali projektowania monet za główną formę sztuki, chociaż niektóre z nich były kosztowne projektowane przez czołowych złotników, zwłaszcza poza samą Grecją, wśród królestw Azji Środkowej i miast Sycylii, które chciały się promować. Niemniej trwałość i obfitość monet uczyniły z nich jedno z najważniejszych źródeł wiedzy o greckiej estetyce. Monety greckie są jedyną formą sztuki ze starożytnego świata greckiego, którą nadal mogą kupować i posiadać prywatni kolekcjonerzy za skromne środki.

Najbardziej rozpowszechnionymi monetami, używanymi daleko poza ich rodzimymi terytoriami i kopiowanymi i fałszowanymi przez innych, były tetradrachmy ateńskie , wydawane od ok. ok. 10 tys. 510 do ok. 38 pne, aw epoce hellenistycznej tetradrachma macedońska , obie srebrne. Obaj utrzymywali ten sam znajomy projekt przez długi czas. Greccy projektanci rozpoczęli praktykę umieszczania portretu profilowego na awersie monet. Był to początkowo symboliczny portret boga patrona lub bogini miasta wydającego monetę: Ateny dla Aten , Apolla w Koryncie, Demeter w Tebach i tak dalej. Później używano głów bohaterów mitologii greckiej, takich jak Herakles na monetach Aleksandra Wielkiego .

Pierwsze portrety człowieka na monety były te Achemenidów Imperium satrapów w Azji Mniejszej , począwszy wygnańców ateńskich ogólnych Temistokles , który stał się satrapa z Magnesia około 450 pne, a kontynuując zwłaszcza z dynastów z Licji pod koniec wieku 5. Greckie miasta we Włoszech, takie jak Syrakuzy, zaczęły umieszczać na monetach głowy prawdziwych ludzi w IV wieku pne, podobnie jak hellenistyczni następcy Aleksandra Wielkiego w Egipcie , Syrii i innych miejscach. Greckie miasta często umieszczają na rewersach swoich monet symbol miasta: sową dla Aten, delfina dla Syrakuz i tak dalej. Umieszczanie inskrypcji na monetach rozpoczęło się również w czasach greckich. Wszystkie te zwyczaje były później kontynuowane przez Rzymian.

Najbardziej ambitne artystycznie monety, projektowane przez złotników lub rytowników kamieni szlachetnych, często pochodziły z krańców świata greckiego, z nowych kolonii we wczesnym okresie, a później z nowych królestw, jako forma marketingu ich „marek” we współczesnych warunkach. Spośród większych miast Korynt i Syrakuzy również emitowały niezmiennie atrakcyjne monety. Niektóre z monet grecko-baktryjskich są uważane za najwspanialsze przykłady monet greckich z dużymi portretami z „ładnym połączeniem realizmu i idealizacji”, w tym największe monety bite w świecie hellenistycznym: największa złota moneta została wybita przez Eukratyda ( panował 171-145 pne), największa srebrna moneta indo-greckiego króla Amyntas Nikator (panował ok. 95-90 pne). Portrety „wykazują stopień indywidualności, którego nigdy nie dorównują często nijakie przedstawienia ich królewskich rówieśników z dalszej części Zachodu”.

Obraz

Macedoński fresk nagrobny z Agios Athanasios, Saloniki , Grecja, IV wiek p.n.e.

Wydaje się, że Grecy cenili malarstwo ponad nawet rzeźbę, aw okresie hellenistycznym świadoma ocena, a nawet praktyka malowania, były składnikami edukacji dżentelmeńskiej. Ekfraza była forma literacka składająca się z opisem dzieła sztuki, a my mamy znaczna ilość literatury na temat greckiego malarstwa i malarzy, z późniejszymi uzupełnieniami w języku łacińskim, choć żaden z traktatów przez artystów, które są wymienione przetrwały. Niestety nie mamy prawie żadnego z najbardziej prestiżowych rodzajów malowideł, na desce lub we fresku , którymi zajmowała się ta literatura.

Kontrast z malowaniem wazonów jest całkowity. Nie ma o tym w ogóle wzmianek w literaturze, ale przetrwało ponad 100 000 przykładów, co daje wielu indywidualnym malarzom szanowany, zachowany dorobek. Nasz pomysł na to, co najlepsze greckie malarstwo było jak należy wyciągnąć z dokładnym uwzględnieniem podobieństw w wazonie-malarstwo, późnych egzemplarzach grecko-rzymskich w mozaiki i freski, niektóre bardzo późno przykłady rzeczywistego malowania w greckiej tradycji i starożytnej literatury .

W starożytnej Grecji istniało kilka powiązanych ze sobą tradycji malarskich. Ze względu na różnice techniczne przeszły nieco zróżnicowany rozwój. Wydaje się, że wczesne malarstwo rozwijało się podobnie do malarstwa wazowego, silnie uzależnionego od konturów i płaskich obszarów koloru, ale potem rozkwitło i rozwinęło się w czasie, gdy malowanie wazami podupadło. Pod koniec okresu hellenistycznego postęp techniczny obejmował modelowanie w celu wskazania konturów w formach, cieniach, skrótach perspektywicznych, niektórych prawdopodobnie nieprecyzyjnych formach perspektywy, tłach wnętrz i krajobrazów oraz stosowanie zmieniających się kolorów, aby sugerować odległość w krajobrazach, tak aby „grecki artyści dysponowali wszystkimi urządzeniami technicznymi potrzebnymi do w pełni iluzjonistycznego malowania".

Malowanie paneli i ścian

Najbardziej powszechną i szanowaną formą sztuki, według autorów takich jak Pliniusz czy Pauzaniasz , były obrazy tablicowe , indywidualne, przenośne obrazy na drewnianych deskach. Zastosowano techniki malarstwa enkaustycznego (woskowego) oraz temperowego . Takie obrazy zwykle przedstawiały sceny figuralne, w tym portrety i martwe natury ; mamy opisy wielu kompozycji. Były gromadzone i często wystawiane w przestrzeni publicznej. Pauzaniasz opisuje takie wystawy w Atenach i Delfach . Znamy nazwiska wielu znanych malarzy, głównie z okresu klasycznego i hellenistycznego, z literatury (patrz lista rozwijalna po prawej). Najsłynniejszym ze wszystkich starożytnych malarzy greckich był Apelles z Kos , którego Pliniusz Starszy chwalił jako „przewyższał wszystkich innych malarzy, którzy go poprzedzali lub następowali po nim”.

Niestety, ze względu na łatwo psujący się charakter użytych materiałów i wielkie wstrząsy końca starożytności, nie zachowało się ani jedno ze słynnych dzieł greckiego malarstwa tablicowego, ani nawet żadna z kopii, które niewątpliwie istniały, a które dają nam najwięcej nasza znajomość rzeźby greckiej. Mamy nieco bardziej znaczące pozostałości kompozycji ściennych. Najważniejszymi zachowanymi greckimi przykładami sprzed okresu rzymskiego są dość niskiej jakości panele Pitsa z ok. 1930 roku . 530 pne, Grobowiec Nurka z Paestum oraz różne obrazy z grobów królewskich w Verginie . Bardziej liczne malowidła w etruskich i kampańska groby są na podstawie stylów greckich. W okresie rzymskim w Pompejach i okolicach, a także w samym Rzymie znajduje się wiele malowideł ściennych , z których niektóre uważa się za kopie konkretnych wcześniejszych arcydzieł.

W szczególności kopie określonych malowideł ściennych zostały z pewnością zidentyfikowane w Mozaice Aleksandra i Willi Boscoreale . Istnieje duża grupa znacznie później grecko-rzymskich przeżyć archeologicznych z warunków suchych Egiptu, portrety mumii Fajum , wraz z podobnym Severan Tondo , a niewielka grupa malowane Miniatura w złotej szkła . Bizantyjskie ikony również wywodzą się z tradycji malowania paneli enkaustycznych, a bizantyjskie iluminowane rękopisy czasami przez wieki kontynuowały grecki styl iluzjonistyczny.

Scena sympozjum w grobowcu nurka w Paestum , ok. 201 480 pne

Tradycja malarstwa ściennego w Grecji sięga co najmniej minojskiej i mykeńskiej epoki brązu , z bogatą dekoracją freskową miejsc takich jak Knossos , Tiryns i Mykeny . Nie jest jasne, czy istnieje ciągłość między tymi poprzednikami a późniejszymi greckimi malowidłami ściennymi.

Malowidła ścienne są często opisywane w Pauzaniach, a wiele z nich wydaje się być namalowanych w okresie klasycznym i hellenistycznym. Ze względu na brak architektury zachowanej w nienaruszonym stanie niewiele się zachowało. Najbardziej godnymi uwagi przykładami są monumentalna archaiczna scena walki hoplitów z VII wieku p.n.e. z wnętrza świątyni w Kalapodi (niedaleko Teb ) oraz wyszukane freski z IV wieku „Grób Filipa” i „Grobowiec Persefony” w Werginie w Macedonii , czy grobowiec w Agios Athanasios, Saloniki , czasami sugerowano, że jest ściśle powiązany z wyżej wymienionymi wysokiej jakości malarstwem panelowym. Niezwykłe ocalenie Grobu Palmet (III wpne, wydobyte w 1971 r.) z malowidłem w dobrym stanie obejmuje portrety pary pochowanej wewnątrz na tympanonie .

Tradycja greckiego malarstwa ściennego znajduje również odzwierciedlenie we współczesnych dekoracjach grobów w greckich koloniach we Włoszech , np. słynny Grób Nurka w Paestum . Niektórzy uczeni sugerują, że słynne rzymskie freski w miejscach takich jak Pompeje są bezpośrednimi potomkami tradycji greckiej, a niektóre z nich kopiują słynne malowidła panelowe.

Zrekonstruowana kolorystyka belkowania na świątyni doryckiej

Polichromia: malarstwo na rzeźbie i architekturze

Ślady farby przedstawiające haftowane wzory na peplos archaicznego kore , Muzeum Akropolu

Duża część rzeźby figuralnej lub architektonicznej starożytnej Grecji została pomalowana kolorami. Ten aspekt greckiej kamieniarki określa się mianem polichromii (od greckiego πολυχρωμία , πολύ = wiele i χρώμα = kolor). Z powodu intensywnego wietrzenia polichromia na rzeźbie i architekturze w większości przypadków uległa znacznemu lub całkowitemu wyblaknięciu.

Chociaż słowo polichromia powstało z połączenia dwóch greckich słów, nie było używane w starożytnej Grecji. Termin ten został ukuty na początku XIX wieku przez Antoine'a Chrysostôme Quatremère de Quincy.

Architektura

Malarstwo zostało również wykorzystane do uwydatnienia wizualnych aspektów architektury. Niektóre części nadbudowy świątyń greckich malowano zwyczajowo od okresu archaicznego. Taka polichromia architektoniczna mogła przybrać formę jasnych kolorów bezpośrednio nanoszonych na kamień (widoczne np. na Partenonie , lub wyszukanych wzorów, często elementów architektonicznych wykonanych z terakoty (przykłady archaiczne w Olimpii i Delfach ). Czasami terakoty przedstawiały także sceny figuralne , podobnie jak terakotowe metopy z VII wieku pne z Thermon .

Zrekonstruowana kolorystyka na łucznika Trojan z Temple of Aphaia , Egina .

Rzeźba

Większość greckich rzeźb malowana była w mocnych i jasnych kolorach; nazywa się to „ polichromią ”. Farba często ograniczała się do części przedstawiających ubrania, włosy itp., ze skórą pozostawioną w naturalnym kolorze kamienia lub brązu, ale mogła również pokrywać rzeźby w całości; Skóra kobiety w marmurze była bezbarwna, podczas gdy skóra mężczyzny mogła być jasnobrązowa. Malarstwo greckiej rzeźby powinno być postrzegane nie tylko jako wzmocnienie ich rzeźbionej formy, ale ma cechy odrębnego stylu sztuki.

Na przykład, ostatnio wykazano , że rzeźby na frontonie ze świątyni Aphaia na Eginie zostały namalowane odważnymi i wyszukanymi wzorami, przedstawiającymi między innymi wzorzyste ubrania. Polichromii kamiennych posągów towarzyszyło użycie różnych materiałów do odróżnienia skóry, odzieży i innych detali w rzeźbach chryselefantynowych , a także użycie różnych metali do przedstawienia ust, paznokci itp. na wysokiej jakości brązach, takich jak brązy z Riace .

Malarstwo wazonowe

Najliczniejszy dowód starożytnego malarstwa greckiego przetrwał w postaci malowideł wazonowych . Są one opisane w sekcji „ ceramika ” powyżej. Dają przynajmniej poczucie estetyki malarstwa greckiego. Stosowane techniki różniły się jednak bardzo od tych stosowanych w malarstwie wielkoformatowym. To samo prawdopodobnie dotyczy przedstawionej tematyki. Wydaje się, że malarze wazonowi byli zwykle specjalistami w warsztatach garncarskich, ani malarzami innych mediów, ani garncarzami. Należy również pamiętać, że malarstwo wazonowe, choć zdecydowanie najbardziej rzucające się w oczy zachowane źródło malarstwa starożytnego Grecji, nie cieszyło się najwyższym szacunkiem w starożytności i nigdy nie jest wymieniane w literaturze klasycznej.

Mozaiki

Stag Hunt Mozaika , późno 4 wieku pne, z Pelli ; postać po prawej to prawdopodobnie Aleksander Wielki ze względu na datę mozaiki wraz z przedstawionym zaczesanym do góry włosami ( anastole ); postać po lewej dzierżąca obosieczny topór (powiązana z Hefajstosem ) to prawdopodobnie Hefajstion , jeden z lojalnych towarzyszy Aleksandra.
Niezamieciona podłoga , rzymska kopia mozaiki autorstwa Sosusa z Pergamonu
Krajowa podłoga mozaika przedstawiająca Athena , z tym „Jewellery Quarter” z Delos , Grecja, pod koniec 2 lub na początku 1 wieku pne

Mozaiki początkowo wykonywano z zaokrąglonych kamyków, a później ze szkła z tesserami, które nadawały więcej koloru i płaską powierzchnię. Były popularne w okresie hellenistycznym, początkowo jako dekoracja podłóg pałaców, ale z czasem do prywatnych domów. Często centralny obraz emblematu na środkowym panelu został ukończony w znacznie lepszej pracy niż otaczająca go dekoracja. Motywy Xeni , w których dom pokazywał przykłady różnorodnych potraw, których goście mogliby się spodziewać, stanowią większość zachowanych okazów greckiej martwej natury . Generalnie mozaikę należy traktować jako wtórne medium odwzorowujące malarstwo, często bardzo bezpośrednio, jak w Mozaice Aleksandra .

Nieprzetłaczaną Floor przez Sosos z Pergamonu (ok. 200 pne) był oryginalny i słynny malarstwo iluzjonistyczne kawałek, znany z wielu grecko-rzymskich kopii. Według Johna Boardmana Sosus jest jedynym artystą mozaikowym, którego nazwisko przetrwało; jego Gołębie są również wymieniane w literaturze i kopiowane. Jednak Katherine MD Dunbabin twierdzi, że dwóch różnych artystów mozaiki pozostawiło swoje podpisy na mozaikach z Delos . Artysta z IV wieku pne Mozaika Polowania na Jelenia być może również zostawił swój podpis jako Gnosis , choć słowo to może być odniesieniem do abstrakcyjnego pojęcia wiedzy.

Mozaiki są ważnym elementem zachowanej sztuki macedońskiej , a wiele przykładów zachowało się w ruinach Pella , starożytnej stolicy Macedonii , w dzisiejszej Macedonii Środkowej . Mozaiki, takie jak mozaika „Mozaika polowania na jelenia i polowanie na lwa”, wykazują iluzjonistyczne i trójwymiarowe cechy ogólnie spotykane w obrazach hellenistycznych, chociaż rustykalna macedońska pogoń za polowaniem jest znacznie wyraźniejsza niż inne motywy. Mozaiki z Delos w Grecji z II wieku p.n.e. zostały ocenione przez François Chamoux jako reprezentujące szczyt hellenistycznej sztuki mozaikowej, z podobnymi stylami, które utrzymywały się przez cały okres rzymski i być może położyły podwaliny pod powszechne stosowanie mozaik w świecie zachodnim poprzez do średniowiecza .

Grawerowane klejnoty

Apollonios z Aten, złoty pierścionek z portretem w granatach , ok. 1900 r. 220 pne

Grawerowane gem był luksusowy sztuki z wysokim prestiżem; Wśród późniejszych kolekcjonerów byli Pompejusz i Juliusz Cezar . Technika ta ma starożytną tradycję na Bliskim Wschodzie , a pieczęcie cylindryczne , których wzór pojawia się tylko po nawinięciu na wilgotną glinę, z której rozwinął się typ płaskiego pierścienia, rozprzestrzeniły się na świat minojski, w tym na części Grecji i Cypru . Tradycja grecka pojawiła się pod wpływem minojskiej kultury helladzkiej na kontynencie i osiągnęła apogeum subtelności i wyrafinowania w okresie hellenistycznym.

Okrągłe lub owalne klejnoty greckie (wraz z podobnymi przedmiotami z kości i kości słoniowej) są znajdowane od VIII i VII wieku pne, zwykle ze zwierzętami w energetycznych geometrycznych pozach, często z obramowaniem zaznaczonym kropkami lub obrzeżem. Wczesne przykłady to głównie miękkie kamienie. Kamienie z VI wieku są częściej owalne, z grzbietem skarabeusza (w przeszłości ten typ nazywano „scarabaeus”) oraz postaciami ludzkimi lub boskimi, a także zwierzętami; forma skarabeusza została najwyraźniej przejęta z Fenicji .

Formy są wyrafinowane jak na tamte czasy, pomimo zazwyczaj niewielkich rozmiarów klejnotów. W V wieku klejnoty stały się nieco większe, ale nadal miały tylko 2-3 centymetry wysokości. Mimo to pokazano bardzo drobne szczegóły, w tym rzęsy na jednej męskiej głowie, być może portret. Cztery klejnoty sygnowane przez Dexamenosa z Chios są najwspanialszymi z tego okresu, z których dwie przedstawiają czaple .

Rzeźba reliefowa stała się powszechna w Grecji w V wieku p.n.e. i stopniowo większość spektakularnych rzeźbionych klejnotów znalazła się w reliefie. Generalnie obraz reliefowy jest bardziej imponujący niż wklęsły; we wcześniejszej formie odbiorca dokumentu widział to w odciśniętym laku do pieczęci, natomiast w późniejszych płaskorzeźbach to właściciel pieczęci trzymał ją dla siebie, prawdopodobnie oznaczając pojawienie się klejnotów, które miały być zbierane lub noszone jako wisiorki jubilerskie w naszyjnikach i tym podobnych, a nie jako pieczęcie – późniejsze czasami są dość duże do pieczętowania liter. Jednak napisy są zwykle nadal odwrócone („pismo lustrzane”), więc czytają poprawnie tylko na wyciskach (lub patrząc od tyłu za pomocą przezroczystych kamieni). Ten aspekt również częściowo tłumaczy zbieranie odcisków w gipsie lub wosku z klejnotów, które mogą być łatwiejsze do docenienia niż oryginał.

Większe rzeźby i kamee z twardego kamienia , które są rzadkie w formie wklęsłodruku, wydają się dotrzeć do Grecji około III wieku; Farnese Tazza jest jedynym dużym zachowanym przykładem hellenistycznej (w zależności od terminów przypisanych do Gonzaga Cameo i Puchar Ptolemeuszy ), ale inne szkło-wklej imitacje z portretami sugerują, że kamee gem typu zostały dokonane w tym okresie. Podboje Aleksandra otworzyły nowe szlaki handlowe do świata greckiego i zwiększyły zakres dostępnych kamieni szlachetnych.

Ornament

Typowa odmiana motywów zdobniczych na wazonie attyckim z ok. 1900 roku. 530.

Synteza w okresie archaicznym rodzimego repertuaru prostych motywów geometrycznych z importowanymi, głównie roślinnymi, motywami z dalszego wschodu stworzyła pokaźny słownik ornamentu, z którego artyści i rzemieślnicy posługiwali się pewnie i biegle. Dziś to słownictwo jest widoczne przede wszystkim w dużym korpusie malowanej ceramiki, a także w pozostałościach architektonicznych, ale pierwotnie było używane w wielu mediach, ponieważ późniejsza wersja jest używana w europejskim neoklasycyzmie .

Do elementów tego słownictwa należą: meander geometryczny lub „klucz grecki”, jajko i strzałka , koralik i rolka , zwój witruwiański , gilosz , a ze świata roślinnego stylizowane liście akantu , woluty , palmety i półpalmety, zwoje roślin różne rodzaje , rozeta , kwiat lotosu , a papirus kwiatów . Pierwotnie używane w widocznym miejscu na archaicznych wazonach, w miarę rozwoju malarstwa figuratywnego były one zwykle relegowane, aby służyć jako granice wyznaczające krawędzie waz lub różne strefy dekoracji. Architektura grecka wyróżniała się wypracowaniem wyrafinowanych konwencji stosowania sztukaterii i innych architektonicznych elementów zdobniczych, które wykorzystywały te motywy w harmonijnie zintegrowanej całości.

Jeszcze przed okresem klasycznym słownictwo to miało wpływ na sztukę celtycką, a ekspansja świata greckiego po Aleksandrze, a także eksport greckich przedmiotów jeszcze dalej, odsłoniły jej znaczną część Eurazji , w tym regiony na północy subkontynentu indyjskiego. gdzie buddyzm się rozwijał i tworzył sztukę grecko-buddyjską . Gdy buddyzm rozprzestrzenił się z Azji Środkowej do Chin i reszty Azji Wschodniej , w formie, która bardzo wykorzystywała sztukę religijną, wersje tego słownictwa zostały zabrane ze sobą i używane do otaczania wizerunków buddów i innych obrazów religijnych, często o rozmiarach i nacisk, który starożytnym Grekom wydawał się przesadny. Słownictwo zostało wchłonięte przez ornamentykę Indii, Chin, Persji i innych krajów azjatyckich, a także rozwinęło się dalej w sztuce bizantyjskiej . Rzymianie przejęli słownictwo mniej więcej w całości i chociaż znacznie zmienione, można je prześledzić w całej europejskiej sztuce średniowiecznej , zwłaszcza w ornamentach roślinnych.

Sztuka islamska , w której ornament w dużej mierze zastępuje figurację, rozwinęła bizantyński zwój roślinny w pełną, niekończącą się arabeskę , a zwłaszcza z podbojów mongolskich z XIV wieku otrzymała nowe wpływy z Chin, w tym potomków słownictwa greckiego. Od renesansu kilka z tych azjatyckich stylów było reprezentowanych na tekstyliach, porcelanie i innych towarach importowanych do Europy i wpływało tam na ornamentykę, a proces ten trwa do dziś.

Inne sztuki

Po lewej: hellenistyczny szkło amfora wydobyty z Olbia , Sardynia , datowane na 2 wieku pne
prawej: hellenistycznego satyr , który nosi w sobie rustykalny perizoma (przepaski) i niesie pedum (crook pasterza). Aplikacja w kolorze kości słoniowej, prawdopodobnie na meble.

Chociaż szkło zostało wyprodukowane na Cyprze w IX wieku pne i znacznie się rozwinęło pod koniec tego okresu, istnieje tylko kilka pozostałości szklarstwa sprzed okresu grecko-rzymskiego, które pokazują artystyczną jakość najlepszych dzieł. Większość ocalałych to małe flakony perfum, w fantazyjnych kolorowych „pierzastych” stylach, podobnych do innych śródziemnomorskich szkieł . Szkło hellenistyczne stało się tańsze i dostępne dla szerszej populacji.

Nie zachowały się żadne greckie meble, ale jest wiele ich wizerunków na wazonach i płaskorzeźbach pamiątkowych, np . Hegeso . Była ewidentnie często bardzo elegancka, podobnie jak wywodzące się z niej style od XVIII wieku. Niektóre kawałki rzeźbionej kości słoniowej, które były używane jako inkrustacje, przetrwały, jak w Vergina, i kilka rzeźb z kości słoniowej; to była luksusowa sztuka, która mogła być bardzo dobrej jakości.

Z malowideł wazowych jasno wynika, że ​​Grecy często nosili misternie wzorzyste ubrania, a umiejętność tkania była cechą szanowanej kobiety. Zachowały się dwa luksusowe kawałki płótna z grobowca Filipa Macedońskiego . Istnieje wiele wzmianek o dekoracyjnych obiciach zarówno w domach, jak i świątyniach, ale żadna z nich nie przetrwała.

Dyfuzja i dziedzictwo

Grecko-buddyjski fryz Gandhary z wielbicielami, trzymający liście babki lancetowatej, w stylu hellenistycznym, wewnątrz kolumn korynckich , I-II wne, Buner, Swat, Pakistan , Muzeum Wiktorii i Alberta

Sztuka starożytnej Grecji wywarła znaczny wpływ na kulturę wielu krajów na całym świecie, przede wszystkim w traktowaniu postaci ludzkiej. Na Zachodzie ogromny wpływ miała również architektura grecka, a zarówno na Wschodzie, jak i na Zachodzie wpływ greckiej dekoracji można prześledzić do czasów współczesnych. Sztuka etruska i rzymska wywodziła się w dużej mierze i bezpośrednio z modeli greckich, a greckie przedmioty i wpływy sięgały do sztuki celtyckiej na północ od Alp, a także do całego świata śródziemnomorskiego i do Persji.

Na Wschodzie, Aleksander Wielki podboje „s zainicjował kilka stuleci wymiany między greckim, Azji Środkowej i kultur indyjskich, z których został znacząco usprawniony przez rozprzestrzenianie się buddyzmu , który wcześnie podniósł wielu greckich cechy i motywy w grecko-buddyjskiej sztuki , które były następnie przekazywane w ramach pakietu kulturowego do Azji Wschodniej , nawet do Japonii , wśród artystów, którzy bez wątpienia byli całkowicie nieświadomi pochodzenia motywów i stylów, których używali.

Po renesansie w Europie humanistyczna estetyka i wysokie standardy techniczne sztuki greckiej zainspirowały pokolenia artystów europejskich, wraz z poważnym ożywieniem ruchu neoklasycyzmu, który rozpoczął się w połowie XVIII wieku, co zbiegło się z łatwiejszym dostępem z Europy Zachodniej do Grecji i wznowienie importu greckich oryginałów, najsłynniejszych Marmurów Elgina z Partenonu. Aż do XIX wieku klasyczna tradycja wywodząca się z Grecji zdominowała sztukę świata zachodniego.

Historiografia

Hypnos i Tanatos niosący ciało Sarpedona z pola bitwy pod Troją ; fragment z attyckiego Lekithosa z białym tłem , 440 pne.

Zhellenizowane rzymskie klasy wyższe późnej Republiki i wczesnego Cesarstwa ogólnie akceptowały grecką wyższość w sztuce bez wielu zastrzeżeń, chociaż pochwała Pliniusza za rzeźbę i malarstwo artystów przedhellenistycznych może opierać się na wcześniejszych pismach greckich, a nie na dużej wiedzy osobistej . Pliniusz i inni autorzy klasyczni byli znani w renesansie i to założenie o greckiej wyższości znów zostało ogólnie przyjęte. Jednak krytycy renesansowi i znacznie później nie byli pewni, które dzieła były faktycznie greckie.

Będąca częścią Imperium Osmańskiego , do połowy XVIII wieku do samej Grecji mogło dotrzeć tylko nieliczni zachodni Europejczycy. Nie tylko greckie wazy znalezione na etruskich cmentarzach, ale także (co bardziej kontrowersyjne) greckie świątynie Paestum były uważane za etruskie lub inaczej italskie, aż do końca XVIII wieku i później, błędne przekonanie przedłużane przez włoskie nastroje nacjonalistyczne.

Pisma Johanna Joachima Winckelmanna , a zwłaszcza jego książki Myśli o naśladowaniu greckich dzieł malarskich i rzeźbiarskich (1750) i Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia sztuki antycznej", 1764) były pierwszymi, które wyraźnie rozróżniały starożytną grekę, Sztuka etruska i rzymska oraz definiują okresy w sztuce greckiej, śledząc trajektorię od wzrostu do dojrzałości, a następnie imitacji lub dekadencji, która ma wpływ do dnia dzisiejszego.

Pełne rozplątanie greckich posągów z ich późniejszych rzymskich kopii oraz lepsze zrozumienie równowagi między grecko-rzymską sztuką w sztuce grecko-rzymskiej miały trwać znacznie dłużej i być może nadal trwają. Sztuka grecka, zwłaszcza rzeźba, nadal cieszyła się ogromną renomą, a studiowanie jej i kopiowanie stanowiło dużą część kształcenia artystów, aż do upadku sztuki akademickiej pod koniec XIX wieku. W tym okresie rzeczywisty, znany korpus sztuki greckiej, a także w mniejszym stopniu architektury, znacznie się rozrósł. Studium wazony rozwinął ogromną literaturę na przełomie 19 i 20 wieku, wiele opiera się na identyfikacji rękach indywidualnych artystów, z Sir John Beazley czołową postacią. Literatura ta generalnie zakładała, że ​​malarstwo wazonowe reprezentuje rozwój niezależnego medium, tylko w ogólnym zarysie czerpiącego z rozwoju stylistycznego w innych mediach artystycznych. To założenie było coraz bardziej kwestionowane w ostatnich dziesięcioleciach, a niektórzy badacze postrzegają je teraz jako wtórne medium, w dużej mierze reprezentujące tanie kopie zaginionych obecnie elementów metalowych, i wiele z nich wykonano nie do zwykłego użytku, ale do złożenia w pochówkach.

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

  • „Beazley” Centrum Badań nad Sztuką Klasyczną, Uniwersytet Oksfordzki. Archiwum Beazley – obszerna strona internetowa poświęcona klasycznym klejnotom; tytuły stron używane jako odnośniki
  • Boardman, John ed., Oxford History of Classical Art , Oxford University Press , 1993, ISBN  0198143869
  • Burnett, Andrzej, Monety; Interpreting the Past , University of California/British Museum, 1991, ISBN  0520076281
  • Chamoux, Françios, Hellenistic Civilization , przekład Michel Roussel, Oxford: Blackwell Publishing, 2002 [1981], ISBN  0631222421 .
  • Cohen, Ada, Sztuka w epoce Aleksandra Wielkiego: paradygmaty męskości i ich tradycje kulturowe , New York: Cambridge University Press, 2010, ISBN  9780521769044
  • Cook, RM , sztuka grecka , Penguin, 1986 (przedruk z 1972), ISBN  0140218661
  • Dunbabin, Katherine, MD , Mozaiki świata greckiego i rzymskiego , Cambridge: Cambridge University Press , 1999, ISBN  0521002303
  • Hardiman, Craig I., (2010). „Sztuka klasyczna do 221 pne”, w Roisman, Joseph; Worthington, Ian, towarzysz starożytnej Macedonii , Oxford: Wiley-Blackwell, 2010, ISBN  9781405179362 .
  • Honor, Hugh , Neoklasycyzm. Styl i cywilizacja 1968 (przedruk 1977), Penguin
  • Howgego, Christopher, Historia starożytna z monet , Routledge, 1995, ISBN  041508993X
  • Karouzou, Semni, Muzeum Narodowe: Ilustrowany Przewodnik po Muzeum (NM Ateny), 1980, Ekdotike Athenon SA, ISBN  9789602130049 (wydanie późniejsze)
  • Rasmussen, Tom, Spivey, Nigel , eds., Patrząc na greckie wazy , 1991, Cambridge University Press, ISBN  9780521376792 , google books
  • Rawson, Jessica , Chiński ornament: Lotos i smok , 1984, British Museum Publications, ISBN  0714114316
  • Smith, RRR, Hellenistic Sculpture, podręcznik , Thames & Hudson, 1991, ISBN  0500202494
  • Williams, Dyfri. Arcydzieła sztuki klasycznej , 2009, British Museum Press, ISBN  9780714122540
  • Woodford, Susan, Wprowadzenie do sztuki greckiej , 1986, Duckworth, ISBN  9780801419942
  • Grecja: Od Myken do Partenonu , Henri Stierlin, TASCHEN , 2004

Dalsza lektura

  • Shanks, Michael (1999). Sztuka i greckie państwo-miasto . Cambridge: Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge. Numer ISBN 0 521 56117 5.
  • Betancourt, Philip P. Wprowadzenie do sztuki egejskiej . Filadelfia: INSTAP Academic Press, 2007.
  • Spal, Lucillo. Sztuka hellenistyczna: od Aleksandra Wielkiego do Augusta . Los Angeles: Muzeum J. Paula Getty'ego, 2004.
  • Coldstream, JN Geometryczny Grecja: 900-700 pne . 2. wyd. Londyn: Routledge, 2003.
  • Jenkins, Ian, Celeste Farge i Victoria Turner. Definiowanie piękna: ciało w sztuce starożytnej Grecji . Londyn: Muzeum Brytyjskie, 2015.
  • Langdon, Susan Helen. Sztuka i tożsamość w ciemnym wieku Grecja, 1100-700 pne Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
  • Ling, Roger. Tworzenie sztuki klasycznej: proces i praktyka . Stroud, Gloucestershire: Tempus, 2000.
  • Moon, Warren G. Sztuka i ikonografia starożytnej Grecji . Madison: University of Wisconsin Press, 1983.
  • Pedley, John Griffiths. Sztuka i archeologia grecka . wyd. Upper Saddle River, NJ: Prentice Hall, 2012.
  • Plantzos, Dimitris. Hellenistyczne grawerowane klejnoty . Oksford: Clarendon Press, 1999.
  • Pollitt, JJ Art w epoce hellenistycznej . Cambridge: Cambridge University Press, 1986.
  • --. Sztuka i doświadczenie w klasycznej Grecji . Cambridge: Cambridge University Press, 1972.
  • Smith, Tyler Jo i Dimitris Plantzos. Towarzysz sztuki greckiej . Somerset: Wiley, 2012.
  • Stewart, Andrew F. Klasyczna Grecja i narodziny sztuki zachodniej . Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
  • Yatromanolakis, Dimitrios. Epigrafia sztuki: starożytne greckie napisy wazonowe i obrazy wazonowe . Oxford: Archaeopress, 2016.

Zewnętrzne linki