rewolucja artystyczna - Artistic revolution


Z Wikipedii, wolnej encyklopedii

W całej historii, formy sztuki przeszły okresowych gwałtownych zmian zwanych rewolucje artystyczne . Ruchy dobiegła końca być zastąpiony przez nowy ruch wyraźnie inny w uderzające sposobów. Zobacz także ruchy kulturowe .

rewolucja artystyczna i rewolucje polityczne

Rola sztuki było jednocześnie wyrazić wartości bieżącej kultury jednocześnie oferując krytykę, równowagę, lub alternatywy do takich wartości, które nie są już użyteczne potwierdzających. Tak jak czasy się zmieniają, zmienia art. Jeśli były nagłe zmiany były uważane rewolucje. Najlepsze artystów poprzedzały zmiany społeczeństwa spowodowane nie do każdego przewidywanie, ale ponieważ wrażliwy spostrzegawczość jest częścią ich talencie widzenia.

Artystów, którzy odnieśli sukces na tyle, aby przedstawiać wizje, że przyszłe pokolenia mogły dożyć, często musieli poruszać się często zdradliwe ścieżki między własnym zakresie, aby zobaczyć i wykonać co pomniejsze artyści nie mogli, jednocześnie odwołując się do potężnych patronów, którzy mogliby sfinansować swoje wizje. Na przykład, obrazy uwielbiony arystokracji na początku 17 wieku, kiedy przywództwo było potrzebne do nacjonalizacji małych ugrupowań politycznych, ale później stał się uciążliwy jak przywództwo, satirization wzrosły i były mniej zainteresowane podmioty z liderami i więcej z bardziej powszechnych plights ludzkości.

Nie sztuka zawdzięcza dość dużo jak na stan zasilania jak francuski obraz robi. Było to w czasach monarchii absolutnej zainicjowanej przez Louix XIV w 17 wieku, że lubi Poussin i Le Brun umieścić Francję w czołówce europejskiej sztuki. Versailles znalazł okazały lustro w potężnej idei klasycyzmu - styl malowania, znosząc w późniejszych artystów jak Ingres, którego surowość i wielkość wyrazić autorytet świecie, gdzie Jove jest bardzo dużo w jego tronie.

Przykłady rewolucyjnej techniki w połączeniu z ruchami kulturowych i politycznych:

Artystyczny rewolucja stylu

Tutaj jest przykładem Artystycznej Revolution Kawałki

Naukowej i technologicznej

Nie wszystkie rewolucje artystyczne były polityczne. Zdarza się, że nauka i innowacje technologiczne przyniosły nieprzewidziane przemian w pracach artystów. Rewolucja stylistyczna znany jako impresjonizmu , przez malarzy chcących dokładniej uchwycić zmieniające się kolory światła i cienia, jest nierozerwalnie związane z odkryć i wynalazków w połowie 19 wieku, w którym narodził się styl.

Eugene Chevreul , francuski chemik zatrudniony jako dyrektor barwników przy francuskich dzieł gobelin, zaczął badać naturę optyczną kolorów w celu poprawy koloru w tkanin. Chevreul sobie sprawę, że oko, a nie barwnik, który miał największy wpływ na kolor, a od tego roku zrewolucjonizowała teorii koloru, chwytając co zaczęto nazywać prawo równoczesnego kontrastu: że kolory wzajemnie wpływają na siebie nawzajem w zestawieniu, każdy narzucenia swojego uzupełniający kolor na inny. Francuski malarz Eugène Delacroix, który eksperymentował z tym, co nazwał połamane dźwięki, objął książkę Chevreul'S, „Prawo Kontrast kolorów (1839) z jego wyjaśnień, w jaki sposób przy czym zestawione kolory mogą wzmocnić lub osłabić siebie, a jego eksploracji wszystko widoczne kolory widma. Zainspirowani Chevreul w 1839 roku traktatu, Delacroix zdał entuzjazm do młodych artystów, którzy inspirowali się nim. To było Chevreul który prowadził impresjonistów zrozumieć, że powinny one mieć zastosowanie odrębne pociągnięcia czystego koloru na płótnie i pozwalają oko widza, aby połączyć je optycznie.

Byli to w znacznym stopniu wspomagane przez innowacje w samej farby olejnej. Od renesansu, malarzy musiał szlifować pigment, dodać olej i tym samym tworzyć własne farby; Farby te czasochłonne również szybko wysechł, dzięki pracowni malarstwa koniecznością dla dużych prac i ograniczenie malarzy mieszać jeden lub dwa kolory na raz i wypełnić cały obszar przy użyciu tylko tego jednego koloru przed jego wyschnięciu. 1841, mało wiadomo o nazwie amerykańskiej malarz John G. Rand opracowali proste poprawę, bez którego Impresjonistów ruch nie mógł wystąpić: małe, elastyczną rurkę cynę w zdejmowalną pokrywę, w której można przechowywać farby olej. Farby olejne trzymane w takich rur przebywał wilgotne i użytkowej - i całkiem przenośny. Po raz pierwszy od czasów renesansu, malarzy nie zostały uwięzione przez ramy czasowe, jak szybko suszone farby olejne.

Farby w rurach mogą być łatwo ładowane i wykonywane w realnym świecie, aby bezpośrednio obserwować grę barw i światła naturalnego, w cień i ruch, aby malować w tej chwili. Sprzedaży oleju farby w rurach również wiązało się z pojawieniem się oślepienia nowych pigmentów - żółcień chromowa, kadm niebiesko - wynaleziony przez 19 wieku chemików przemysłowych. Probówki uwolnił Impresjonistów szybko farby, a w obrębie całej płótna, a nie dokładnie wyznaczony jednokolorowe sekcje w czasie; w skrócie, szkicować bezpośrednio w oleju - wyścigi na całym płótnie w każdym kolorze, który przyszedł do ręki, a tym samym inspirując ich nazwą „impresjonistów” - od takiego szybkiego, pogrubienie pędzla i dAb odrębnych kolorach wykonane współcześni krytycy, że ich obrazy były jedynie wrażenia nie gotowe obrazy, które miały mieć żadnych widocznych śladów pędzla w ogóle bez szwu pod warstwami lakieru.

Auguste Renoir powiedział: „Bez kolorów w rurach, nie byłoby Cézanne, nie Monet, Pissarro no i nie impresjonizm”.

Wreszcie, staranne, hiper-realistyczne techniki francuskiego neoklasycyzmu były postrzegane jako sztywne i bez życia w porównaniu z niezwykłą nowej wizji świata widziany przez nowy wynalazek fotografii w połowie 1850 roku. To nie było tylko, że rosnąca zdolność tego nowego wynalazku, szczególnie przez francuskiego wynalazcę Daguerre, wykonane realizm malująca zbędne, gdy celowo startował w Paryżu diorama z historycznymi obrazami na dużą skalę. Przedmiotem neo-classical, ograniczona tradycji akademickiej do greckich i rzymskich legend, historycznych bitwach i opowieści biblijnych, wydawało oppressively cliched i ogranicza się do artystów chcących zbadać rzeczywisty świat przed własnymi oczami objawionej przez kamerę - codziennym życiu, szczery zgrupowania codziennych ludzi robi proste rzeczy, sam Paryż, wiejskie krajobrazy i najbardziej szczególnie grą przechwyconego światła - nie urojona lionizing niewidzialnych ostatnich wydarzeń. Wczesne fotografie wpływem stylu impresjonistycznym przez jej stosowanie asymetrii, przycinanie i najbardziej oczywiście zatarcie ruchu, jak przypadkowo zrobione w bardzo niskich prędkościach dawnej fotografii.

Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir  - in their framing, use of color, light and shadow, subject matter  - put these innovations to work to create a new language of visual beauty and meaning.

Udaje rewolucja: CIA i Ekspresjonizm abstrakcyjny

Ich początkowa zerwanie z realizmem w eksploracji światła, koloru i rodzaju farby doprowadzono do ostatecznego zawarcia przez ekspresjonizm abstrakcyjny , który wybuchł od rozpoznawalnej zawartości dowolnego rodzaju w dzieła czystego kształtu, koloru i painterliness które pojawiły się pod koniec z drugiej wojny światowej. Na pierwszy myśli jako prymitywnych, nieudolnych prac - jak w „moje czteroletnia może zrobić, że” prace -Te zostały źle zrozumiane i zaniedbane aż dany krytyczny i wsparcie przez wzrost dziennikarzy i krytyków sztuki który stał się mistrzem swoją pracę w 1940 roku i 50-tych , wyrażając moc takiej pracy w kategoriach estetycznych sami artyści rzadko używane, a nawet rozumianej. Jackson Pollock , który był pionierem splatter malarstwo, rezygnacja z pędzlem w ogóle, wkrótce stał lionized jak wściekły młody człowiek w dużej rozpiętości w Life Magazine.

W rzeczywistości, w zamierzonym, tajnego i udanej celu oddzielenia rewolucje artystyczne od tych politycznych, ekspresjonizm abstrakcyjny jak Pollack, Robert Motherwell, Willem de Kooning i Mark Rothko, a pozornie trudne, pathbreaking artystów, były w rzeczywistości potajemnie wspierany przez dwadzieścia lat przez CIA w zimnowojennej polityki rozpoczętej w 1947 roku, aby udowodnić, że Stany Zjednoczone mogłyby wspierać większą swobodę artystyczną niż bloku radzieckiego. „Uznano, że Ekspresjonizm abstrakcyjny był rodzaj sztuki, który wykonany socrealizm wyglądają jeszcze bardziej stylizowane i sztywne i ograniczone niż to było,” powiedział były pracownik CIA Donald przypadek Jameson, który w końcu przerwał milczenie na temat tego programu w roku 1995. Jak na ironię, było wymagane tajnych wsparcie CIA dla tych radykalnych prac, ponieważ próba wykorzystania funduszy rządowych na europejskiej trasie tych prac w administracji Trumana doprowadziły do ​​wrzawy publicznej w konserwatywnym McCarthy-era Ameryce, z Truman pokazowo zauważając: „Jeśli to jest sztuka, Jestem Hotentot „. W ten sposób program został ukryty pod postacią gotowych fundamentów oraz wsparcia bogatych mecenasów, którzy faktycznie z wykorzystaniem funduszy CIA, a nie ich własny, sponsoruje podróże wystawy amerykańskich ekspresjonizm abstrakcyjny całym świecie, publikuje książki i artykuły je chwaląc i zakup Streszczenie ekspresjonizmu i eksponat działa w największych muzeach amerykańskich i brytyjskich. Thomas Braden, za tych programów kulturalnych dla CIA. w pierwszych latach zimnej wojny, które dawniej były sekretarz wykonawczy Muzeum Sztuki Nowoczesnej, czołowych amerykańskich instytucji dla 20th Century sztuki i zarzutem zmowy między nimi echem przez wiele lat po tym programie została ujawniona, choć większość artyści zaangażowani nie miał pojęcia, że ​​były wykorzystywane w ten sposób i byli wściekli, kiedy dowiedziałem.

Ruchy artystyczne

Sztuka starożytna i klasyczna

Najważniejsze daty: 15.000 pne / 400 pne-200CE / 350 CE-450CE
Starożytne - Istnieją nieliczne pozostałe przykłady z wczesnej sztuki często sprzyjanie na rysunku kolorem. Praca została niedawno znaleziono w egipskich grobowcach, freski, ceramiki i metaloplastyki.
Klasyczny - Odnoszące się do lub od rzymskiej i greckiej architektury i sztuki. Przede wszystkim dotyczy geometrii i symetrii zamiast pojedynczego słowa.
Byzantine - A Sztuka religijna charakteryzuje się dużymi kopułami, zaokrąglone łuki i mozaiki ze wschodniego Cesarstwa Rzymskiego w 4 wieku.

Medieval & Gothic

Najważniejsze daty: 400CE
Medieval - sztuką wysoce religijny zaczynając w 5 wieku w Europie Zachodniej. Cechowała ją ikonograficznych obrazów ilustrujących sceny z Biblii.
Gothic - Ten styl panowały między 12 wieku i 16 wieku w Europie. Głównie ruchem architektoniczne, gotyckie cechował szczegółowej ornamentacji najbardziej zauważalnie z zaostrzonymi łukami i wyszukanym żebra sklepień.
Opracowany we Francji, gotycki został pomyślany jako rozwiązanie niedoskonałości architektury romańskiej. Pozwoliło to na katedrach być budowane z cieńszych ściankach i możliwe stało się wprowadzenie witraże zamiast tradycyjnych mozaikowych dekoracji. Jedne z najlepszych przykładów stylu należą katedry w Chartres, Reims i Amiens. Termin został również używany do opisania rzeźby i malarstwa, które wykazały większą naturalizmu.

renesans

Najważniejsze daty: 14 wieku
Ten ruch zaczął we Włoszech w 14 wieku, a termin dosłownie oznacza odrodzenie, opisuje odrodzenie zainteresowania artystycznych dokonań świata Klasycznym. Początkowo w literackiego odrodzenia Renaissance był zdecydowany odejść od religii zdominowana średniowieczu i zwrócić jego uwagę na los pojedynczego człowieka w społeczeństwie. To był czas, kiedy indywidualna ekspresja i światowe doświadczenie stało się dwa z głównych tematów sztuki renesansowej. Ruch należne wiele do rosnącej złożoności społeczeństwa, charakteryzującego politycznej stabilności, wzrostu gospodarczego i kosmopolityzmu. Edukacja zakwitły w tym czasie z biblioteki i akademie umożliwiające bardziej dokładne badania być prowadzone w kulturze antycznej świecie. Ponadto, sztuki skorzystał z patronatem takich wpływowych grup jak rodzina Medyceuszy we Florencji, rodziny Sforzów w Mediolanie i papieży Juliusza II i Leona X. Prace Petrarki pierwszy wyświetlony nowy interes w wartościach intelektualnych świata Klasycznej na początku 14 wieku i tej epoki romantyzmu jako odnaleziony w okresie renesansu można zobaczyć wyrażone przez Boccaccio. Leonardo da Vinci był archetypem człowiek renesansu reprezentujące humanistyczne wartości okresu w jego sztuce, nauce i pisaniu. Michelangelo oraz Raphael były także istotne dane w tym ruchu, tworząc dzieła uważane od wieków jako urzeczywistniającym klasyczne pojęcie doskonałości. Architekci renesansu zawarte Alberti Brunelleschi i Bramante. Wiele z tych artystów pochodzi z Florencji i pozostał ważnym ośrodkiem renesansu do 16 wieku ostatecznie do ogarniętej Rzymie i Wenecji. Niektóre pomysły włoskiego renesansu nie rozprzestrzenił się na inne części Europy, na przykład do niemieckiego artysty Albrecht Dürer z „Północnej renesansu”. Ale przez 16 wieku manieryzm był wyprzedzony renesansu i to właśnie ten styl, który złapał się w Europie.
Reprezentatywne artyści:
Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Filippo Brunelleschi, Rafael da Urbino, Tycjan, Michelangelo Buonarroti i Donatello Bardi.

Manieryzm

Najważniejsze daty: 1520-1600
Artyści renesansu i wczesnego renesansu rozwinęły swoje charakterystyczne style z obserwacji natury i formułowaniu obrazowej nauki. Kiedy manieryzm dojrzał po roku 1520 (rok Raphael zmarł), wszystkie reprezentacyjne problemy zostały rozwiązane. Ciało wiedzy było się nauczyć. Zamiast naturze jako nauczyciela, manierystyczne artyści wzięli sztukę. Podczas renesansu artyści szukali naturę, aby znaleźć swój styl, to manierystów spojrzał najpierw na styl i znalazł sposób. W manierystycznymi obrazów, kompozycje mogą mieć żadnego centralnego punktu, przestrzeń może być niejednoznaczna, postacie można scharakteryzować przez sportowego zginanie i skręcanie z zakłóceń, przesadne, elastycznego wydłużenia kończyn, dziwacznej postawy z jednej strony, płynnego postawy drugiej strony i renderingu w głowach i równomiernie mały owalny. Kompozycja jest zakleszczony przez zderzających kolorów, który jest w przeciwieństwie do tego, co widzieliśmy w zrównoważonych, naturalnych i dramatyczne kolory renesansu. Manierystyczny grafika stara niestabilność i niepokój. Jest też sentyment do alegorii, które mają lubieżne podtekstów.
Reprezentatywne artyści:
Andrea del Sarto, Jacopo da Pontormo, Correggio

Barokowy

Najważniejsze daty: 17th century
Sztuka barokowa pojawiły się w Europie około 1600 roku, jako reakcja na skomplikowany i stereotypowe stylu manierystycznym który zdominowany późnego renesansu. Sztuka barokowa jest mniej skomplikowane, bardziej realistyczne i bardziej emocjonalnie niż wpływające manieryzmu.
Ruch ten został zachęcony przez Kościół katolicki, najważniejszej mecenasa sztuki w tym czasie, jako powrót do tradycji i duchowości.
Jedną z wielkich okresów historii sztuki, Sztuka barokowa została opracowana przez Caravaggio, Annibale Carracci i Giovanni Lorenzo Bernini, między innymi. Był to również wiek Rubensa, Rembrandta, Velazqueza i Vermeera.
W 18 wieku, Sztuka barokowa została zastąpiona przez bardziej eleganckim i wyszukanym stylu rokokowym.
Reprezentatywne artyści:
Caravaggio, Annibale Carracci, Giovanni Lorenzo Bernini, Rubens, Rembrandt, Nicolas Poussin

Rokoko

Najważniejsze daty: 18 wieku
Przez 18 wieku we Francji, nowy zamożny i wpływowy klasa średnia zaczęła rosnąć, mimo że królewskość i szlachta nadal mecenasami sztuki. Po śmierci Ludwika XIV i rezygnacji z Wersalu, wysoki społeczeństwo Paryż stał purveyors stylu. Styl ten, stosowany głównie w dekoracji wnętrz, zaczęto nazywać rokoko. Termin rokokowy pochodzi od francuskiego słowa „ROCAILLE”, co oznacza, kamyki i odnosi się do kamieni i muszli użytych do dekoracji wnętrza jaskiń. Dlatego formy Shell stał się głównym motywem rokoka. Kobiety rywalizowały społeczeństwa dla najlepszych i najbardziej wyszukane ozdoby do swoich domów. Stąd styl rokokowy był bardzo zdominowana przez kobiecego smaku i wpływów.
François Boucher był 18-wieczny malarz i grafik, którego prace są traktowane jako doskonały wyraz francuskiego smaku w okresie rokoka. Przeszkolony przez ojca, który był projektantem koronki, Boucher zdobył sławę z jego zmysłowych i lekki obrazów mitologicznych i krajobrazów. On wykonany ważne prace zarówno dla królowej Francji i Mme. de Pompadour, kochanka Ludwika XV, który był uważany za najbardziej wpływową kobietą we Francji w tym czasie. Boucher był Mme. ulubiony artysta de Pompadour i zostało zlecone przez nią liczne obrazy i dekoracje. Boucher stał się również głównym projektantem królewskiej fabryki porcelany oraz dyrektora fabryki gobelin gobeliny. Vulcan Przedstawiając Wenus z ramionach Eneasz jest szablonem gobelin wykonany przez tego producenta.
Charakteryzują eleganckie i wyrafinowane jeszcze zabawny tematyki, stylu Bouchera stał się uosobieniem dworze Ludwika XV. Jego styl składało się z delikatnych barw i łagodnych postaciach malowane w błahych przedmiotu. Jego prace typowo wykorzystywane wspaniałe i ozdobne wzory do zilustrowania wdzięczne historie z Arkadii pasterzy bogiń i amorków grających przeciwko różowym i błękitnym niebem. Prace te odzwierciedlała figlarny, sztuczne i zdobiona dekadencji francuskiej arystokracji czasu.
Rokokowa czasem uważany za ostatnią fazę baroku.
Reprezentatywne artyści:
François Boucher, William Hogarth, Giovanni Battista Tiepolo, Angelica Kauffman, Giovanni Antonio Canaletto, Velázquez Vermeer

Neo-klasycznym

Najważniejsze daty: 1750-1880
dziewiętnastowieczny francuski styl sztuki i ruch, który powstał jako reakcja na barok. Starała się ożywić ideały starożytnej sztuki greckiej i rzymskiej. Neoklasyczne artystów stosowane formy klasyczne, aby wyrazić swoje poglądy na temat odwagi, poświęcenia i miłości do kraju. David i Canova są przykładami neo-klasyków.
Reprezentatywne artyści:
Jacques-Louis David, Sir Henry Raeburn Sir Joshua Reynolds, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Thomas Gainsborough, Antonio Canova, Arnold Bocklin

Romantyzm

Najważniejsze daty: 1800-1880
Romantyzm był w zasadzie to reakcja przeciwko neoklasycyzmu, jest to głęboko odczuwalne styl, który jest indywidualistyczny, piękne, egzotyczne, i emocjonalnie kutego.
Chociaż romantyzm i neoklasycyzm zostali filozoficznie przeciwieństwie, były dominującymi europejskie style dla pokoleń, a wielu artystów wpłynęły w większym lub mniejszym stopniu przez oba. Artyści mogą pracować w obu stylach w różnych czasach, a nawet mieszać style, tworząc romantyczny intelektualnie pracy przy użyciu neoklasycystyczny styl wizualny, na przykład.
Wielcy artyści ściśle związane z romantyzmem obejmują JMW Turner, Caspar David Friedrich, John Constable i William Blake.
W Stanach Zjednoczonych, wiodący Romantyczny ruch był Hudson River School dramatycznych malarstwa pejzażowego.
Oczywiste następcy romantyzmu to ruch prerafaelitów i symbolistów. Ale impresjonizm, a przez to prawie wszystkie z 20-wiecznej sztuki, jest także mocno zakorzenione w tradycji romantycznej.
Reprezentatywne artyści:
George Stubbs, William Blake, John Martin, Francisco Goya, Sir Thomas Lawrence, John Constable, Eugène Delacroix, Sir Edwin Landseer, Caspar David Friedrich, JMW Turner

Referencje