balet -Ballet

Klasyczna tutu z dzwonkiem w Klasie baletowej Degasa , 1874

Balet ( francuski:  [balɛ] ) to rodzaj tańca widowiskowego , który powstał podczas włoskiego renesansu w XV wieku, a później przekształcił się w formę tańca koncertowego we Francji i Rosji. Od tego czasu stał się szeroko rozpowszechnioną i wysoce techniczną formą tańca z własnym słownictwem . Balet wywarł wpływ na całym świecie i zdefiniował podstawowe techniki , które są używane w wielu innych gatunkach tanecznych i kulturach. Różne szkoły na całym świecie włączyły swoje własne kultury. W rezultacie balet ewoluował na różne sposoby.

Balet jako dzieło jednolite obejmuje choreografię i muzykę do spektaklu baletowego. Balety są choreografowane i wykonywane przez wyszkolonych tancerzy baletowych . Tradycyjne balety klasyczne są zwykle wykonywane z akompaniamentem muzyki klasycznej i wykorzystują wyszukane kostiumy i inscenizacje, podczas gdy balety nowoczesne są często wykonywane w prostych kostiumach i bez wyszukanej scenografii lub scenografii.

Etymologia

Ballet to francuskie słowo, które wywodzi się z włoskiego balletto , zdrobnienie od ballo (taniec), które pochodzi od łacińskiego ballo , ballare , oznaczającego „tańczyć”, co z kolei pochodzi od greckiego „βαλλίζω” ( ballizo ), „do tańczyć, skakać”. Słowo to weszło do języka angielskiego od Francuzów około 1630 roku.

Historia

Ludwik XIV jako Apollo w Ballet Royal de la Nuit (1653)

Balet wywodzi się z włoskich dworów renesansowych XV i XVI wieku. Pod wpływem Katarzyny Medycejskiej jako królowej rozprzestrzenił się na Francję, gdzie rozwinął się jeszcze bardziej. Tancerze tych wczesnych baletów dworskich byli w większości szlachetnymi amatorami. Zdobione kostiumy miały robić wrażenie na widzach, ale ograniczały swobodę ruchów wykonawców.

Balety odbywały się w dużych salach z widzami z trzech stron. Realizacja łuku proscenium z 1618 roku na odległych wykonawcach od widzów, którzy mogli wtedy lepiej oglądać i doceniać techniczne wyczyny zawodowych tancerzy w przedstawieniach.

Francuski balet dworski osiągnął swój rozkwit za panowania króla Ludwika XIV . Louis założył Académie Royale de Danse (Królewską Akademię Tańca) w 1661 roku, aby ustanowić standardy i certyfikować instruktorów tańca. W 1672 roku Ludwik XIV mianował Jean-Baptiste Lully'ego dyrektorem Académie Royale de Musique ( Opery Paryskiej ), z której powstał pierwszy profesjonalny zespół baletowy , Paris Opera Ballet . Pierre Beauchamp był baletmistrzem Lully'ego . Razem ich partnerstwo drastycznie wpłynęłoby na rozwój baletu, o czym świadczy uznanie przyznane im za stworzenie pięciu głównych pozycji stóp. W 1681 r. pierwsze „baletnice” weszły na scenę po latach szkolenia w Académie.

Balet zaczął podupadać we Francji po 1830 roku, ale nadal rozwijał się w Danii, Włoszech i Rosji. Przybycie do Europy Baletów Rosyjskich pod wodzą Siergieja Diagilewa w przededniu I wojny światowej ożywiło zainteresowanie baletem i zapoczątkowało erę nowożytną.

W XX wieku balet wywarł szeroki wpływ na inne gatunki taneczne. Również w XX wieku balet zmienił się, dzieląc go od baletu klasycznego do wprowadzenia tańca nowoczesnego, co doprowadziło do ruchów modernistycznych w kilku krajach.

Znani tancerze XX wieku to Anna Pavlova , Galina Ulanova , Rudolf Nureyev , Maya Plisetskaya , Margot Fonteyn , Rosella Hightower , Maria Tall Chief , Erik Bruhn , Michaił Barysznikow , Suzanne Farrell , Gelsey Kirkland , Natalia Makarova , Arthur Mitchell i Jeanne Devereaux . Jeanne Devereaux występowała jako primabalerina przez trzy dekady i ustanowiła rekord świata, wykonując 16 potrójnych fouette.

Style

Marie Sallé , tancerka baletu klasycznego

Stylistyczne wariacje i podgatunki ewoluowały w czasie. Wczesne, klasyczne odmiany są związane przede wszystkim z pochodzeniem geograficznym. Przykładami tego są balet rosyjski , balet francuski i balet włoski . Późniejsze odmiany, takie jak balet współczesny i balet neoklasyczny, obejmują zarówno balet klasyczny, jak i nietradycyjną technikę i ruch. Być może najbardziej znanym i wykonywanym stylem baletowym jest balet późnoromantyczny (lub Ballet blanc ).

Balet klasyczny

Valse des cygnes z II aktu wydania Ivanov/Petipa Jeziora łabędziego

Balet klasyczny opiera się na tradycyjnej technice i słownictwie baletowym . W różnych krajach pojawiły się różne style, takie jak balet francuski , balet włoski , balet angielski i balet rosyjski . Kilka klasycznych stylów baletowych jest powiązanych z określonymi metodami treningowymi, zwykle nazwanymi na cześć ich twórców (patrz poniżej). Metoda Królewskiej Akademii Tańca to technika baletowa i system treningowy, który został założony przez zróżnicowaną grupę tancerzy baletowych. Połączyli swoje metody taneczne (włoski, francuski, duński i rosyjski), aby stworzyć nowy styl baletu, który jest unikalny dla organizacji i jest uznawany na całym świecie jako angielski styl baletu. Przykładami klasycznych przedstawień baletowych są: Jezioro łabędzie , Śpiąca królewna i Dziadek do orzechów .

balet romantyczny

Carlotta Grisi , oryginalna Giselle , 1841, ubrana w romantyczną tutu

Balet romantyczny był ruchem artystycznym baletu klasycznego i do dziś w repertuarze klasycznym pozostaje kilka przedstawień. Epoka romantyzmu charakteryzowała się pojawieniem się pracy pointe , dominacją tancerek i dłuższymi, zwiewnymi tutusami, które próbują uosabiać miękkość i delikatną aurę. Ruch ten miał miejsce od początku do połowy XIX wieku ( epoka romantyzmu ) i zawierał motywy, które podkreślały intensywne emocje jako źródło doznań estetycznych . Fabuła wielu baletów romantycznych obracała się wokół duchowych kobiet (sylfów, wilków i duchów), które zniewoliły serca i zmysły śmiertelnych mężczyzn. Balet La Sylphide z 1827 roku jest powszechnie uważany za pierwszy, a balet Coppélia z 1870 roku jest uważany za ostatni. Znani tancerze baletowi epoki romantyzmu to Marie Taglioni , Fanny Elssler i Jules Perrot . Jules Perrot jest również znany ze swojej choreografii, zwłaszcza Giselle , często uważanej za najbardziej znany balet romantyczny.

Balet neoklasyczny

Alexandra Danilova i Serge Lifar , Apollon Musagète , 1928

Balet neoklasyczny jest zwykle abstrakcyjny, bez jasnej fabuły, kostiumów czy scenerii. Wybór muzyki może być różnorodny i często obejmuje również muzykę neoklasyczną (np. Strawiński , Roussel ). Tim Scholl, autor From Petipa to Balanchine , uważa Apollo George'a Balanchine'a z 1928 roku za pierwszy balet neoklasyczny. Apollo reprezentował powrót do formy w odpowiedzi na abstrakcyjne balety Siergieja Diagilewa . Balanchine współpracował z choreografem tańca nowoczesnego Marthą Graham i wprowadził do swojego zespołu nowoczesnych tancerzy, takich jak Paul Taylor , który w 1959 roku wystąpił w Balanchine's Episodes .

Chociaż Balanchine jest powszechnie uważany za twarz baletu neoklasycznego, byli inni, którzy wnieśli znaczący wkład. Wariacje symfoniczne Fredericka Ashtona (1946) to przełomowe dzieło dla choreografa. Oparta na partyturze Césara Francka pod tym samym tytułem, jest czysto taneczną interpretacją partytury.

Inna forma, Modern Ballet , również pojawiła się jako odgałęzienie neoklasycyzmu. Wśród innowatorów w tej formie byli Glen Tetley , Robert Joffrey i Gerald Arpino . Chociaż trudno było przeanalizować współczesny balet od neoklasycyzmu, prace tych choreografów sprzyjały większemu atletyzmowi, który odbiegał od delikatności baletu. Fizyczność była bardziej odważna, z nastrojem, tematyką i muzyką bardziej intensywną. Przykładem tego może być Astarte Joffreya (1967), który zawierał rockową ścieżkę dźwiękową i podtekst seksualny w choreografii.

Współczesny balet

Skok baletowy wykonany w nowoczesnej, nieklasycznej formie we współczesnym balecie

Ten styl baletowy jest często wykonywany boso. Współczesne balety mogą obejmować pantomimę i aktorstwo i są zwykle osadzone w muzyce (zazwyczaj orkiestrowej, ale czasami wokalnej). Odróżnienie tej formy od baletu neoklasycznego lub nowoczesnego może być trudne. Balet współczesny jest również bliski tańcowi współczesnemu , ponieważ wiele współczesnych koncepcji baletowych wywodzi się z pomysłów i innowacji dwudziestowiecznego tańca nowoczesnego, w tym pracy na podłodze i obracania nóg. Główną różnicą jest to, że technika baletowa jest niezbędna do wykonania współczesnego baletu.

George Balanchine uważany jest za prekursora współczesnego baletu. Inna współczesna choreografka baletu, Twyla Tharp , opracowała choreografię Push Comes To Shove dla American Ballet Theatre w 1976 roku, aw 1986 stworzyła In The Upper Room dla własnego zespołu. Oba te elementy zostały uznane za innowacyjne ze względu na połączenie wyraźnie nowoczesnych ruchów z użyciem pointe i klasycznie wyszkolonych tancerzy.

Obecnie istnieje wiele współczesnych zespołów baletowych i choreografów. Należą do nich Alonzo King i jego firma LINES Ballet ; Matthew Bourne i jego firma New Adventures ; cery balet współczesny ; Nacho Duato i jego Compañia Nacional de Danza ; William Forsythe i The Forsythe Company ; oraz Jiří Kylián z Nederlands Dans Theatre . Tradycyjnie „klasyczne” zespoły, takie jak Balet Maryjski (Kirow) i Balet Opery Paryskiej, również regularnie wykonują dzieła współczesne.

Termin balet ewoluował, obejmując wszystkie formy z nim związane. Od kogoś, kto szkoli się jako tancerz baletowy, oczekuje się teraz wykonywania prac neoklasycznych, nowoczesnych i współczesnych. Oczekuje się, że tancerz baletowy będzie w stanie być dostojny i królewski w pracy klasycznej, wolny i liryczny w pracy neoklasycznej oraz skromny, surowy lub zwyczajny w pracy nowoczesnej i współczesnej. Ponadto istnieje kilka nowoczesnych odmian tańca, które łączą klasyczną technikę baletową z tańcem współczesnym, takich jak Hiplet , które wymagają od tancerzy praktykowania w niezachodnich stylach tanecznych.

Techniczne metody nauczania baletu

Istnieje sześć szeroko stosowanych, uznanych na całym świecie metod nauczania lub nauki baletu. Te metody to szkoła francuska , metoda Vaganova , metoda Cecchetti , metoda Bournonville , metoda Royal Academy of Dance (styl angielski) i metoda Balanchine (styl amerykański). W różnych krajach istnieje wiele innych szkół technicznych.

Chociaż dzieci w wieku przedszkolnym są lukratywnym źródłem dochodu dla studia baletowego, nauka baletu generalnie nie jest odpowiednia dla małych dzieci. Początkowa instrukcja wymaga stania w bezruchu i koncentracji na postawie, a nie na tańcu. Z tego powodu wiele programów baletowych historycznie przyjmowało uczniów dopiero w wieku około 8 lat. Jako alternatywę dla dzieci zaleca się kreatywny ruch i niewymagające zajęcia przedbaletowe.

Metoda francuska

Święto Kwiatów 01.jpg

Metoda francuska jest podstawą każdego treningu baletowego. Kiedy Ludwik XIV stworzył Académie Royale de Danse w 1661 roku, pomógł stworzyć skodyfikowaną technikę, nadal używaną przez osoby wykonujące ten zawód, niezależnie od tego, jaką metodę szkolenia wyznają. Szkoła francuska została szczególnie ożywiona pod rządami Rudolfa Nurejewa w latach 80. Jego wpływ ożywił i odnowił uznanie dla tego stylu i drastycznie ukształtował balet jako całość. W rzeczywistości szkoła francuska jest obecnie czasami nazywana szkołą Nureyeva. Metoda francuska często charakteryzuje się techniczną precyzją, płynnością i gracją oraz eleganckimi, czystymi liniami. W tym stylu często wykorzystuje się szybką pracę nóg, aby stworzyć wrażenie, że wykonawcy lekko dryfują po scenie. Dwie ważne cechy charakterystyczne tej techniki to specyficzny sposób wykonywania port de bras i épaulement, bardziej zaokrąglony niż w tańcu w stylu rosyjskim, ale nie tak zaokrąglony jak w stylu duńskim.

Metoda Vaganova

Agrypina Waganowa, „Esmeralda” 1910

Metoda Waganowa to styl treningu baletowego, który wywodzi się z baletu rosyjskiego , stworzony przez Agrypinę Waganową . Po wycofaniu się z tańca w 1916 r. Vaganova zwróciła się do nauczania w Leningradzkiej Szkole Choreograficznej w 1921 r. Jej metoda szkolenia jest obecnie uznawana na całym świecie, a jej książka The Fundamentals of Classical Dance (1934) jest klasycznym odniesieniem. Metoda ta charakteryzuje się połączeniem klasycznego stylu francuskiego, w szczególności elementów z epoki romantyzmu, z atletyzmem metody włoskiej i uduchowioną pasją rosyjskiego baletu. Niezwykle precyzyjną metodę nauczania opracowała w swojej książce Podstawowe zasady rosyjskiego tańca klasycznego (1948). Obejmuje to określenie, kiedy należy uczyć uczniów elementów technicznych w ich karierze baletowej, jak długo należy się na nich koncentrować oraz odpowiednią ilość skupienia na każdym etapie kariery ucznia. Te podręczniki nadal są niezwykle ważne w dzisiejszym nauczaniu baletu.

Metoda kładzie nacisk na rozwój siły, elastyczności i wytrzymałości dla prawidłowego wykonania baletu. Wyznawała przekonanie, że podczas wykonywania baletu należy przykładać taką samą wagę do rąk i nóg, ponieważ zapewni to harmonię i większą ekspresję całego ciała.

Metoda Cecchettiego

Enrico Cecchetti z Anną Pavlovą

Metoda ta, opracowana przez Enrico Cecchettiego (1850-1928), jest znana na całym świecie z intensywnego polegania na zrozumieniu anatomii w odniesieniu do baletu klasycznego. Celem tej metody jest zaszczepienie uczniom ważnych cech związanych z wykonywaniem baletu, aby nie musieli polegać na naśladowaniu nauczycieli. Ważnymi składnikami tej metody jest nacisk na równowagę, elewacje, balon , opanowanie i siłę.

Ta metoda podkreśla znaczenie rozpoznania, że ​​wszystkie części ciała poruszają się razem, tworząc piękne, pełne wdzięku linie, i jako taka ostrzega przed myśleniem o balecie w kategoriach ramion, nóg, szyi i tułowia jako oddzielnych części. Ta metoda jest dobrze znana w przypadku ośmiu port de bras, które są wykorzystywane.

Metoda Bournonville'a

Augusta Bournonville'a

Metoda Bournonville'a jest duńską metodą opracowaną po raz pierwszy przez Augusta Bournonville'a . Bournonville był pod silnym wpływem wczesnej francuskiej metody baletowej ze względu na trening z ojcem, Antoine Bournonville i innymi ważnymi francuskimi mistrzami baletu. Ta metoda ma wiele różnic stylistycznych, które odróżniają ją od innych nauczanych dzisiaj metod baletowych. Kluczowym elementem jest użycie ukośnych naramienników, przy czym górna część ciała jest zazwyczaj skierowana w stronę stopy roboczej. Ta metoda obejmuje również bardzo podstawowe użycie ramion, piruety z niskiej pozycji développé do drugiej oraz użycie biustonoszy en bas w piątej pozycji na początku i na końcu ruchów.

Metoda Bournonville produkuje tancerzy, którzy mają piękny balon („iluzja niewiarygodnej lekkości”).

Metoda Królewskiej Akademii Tańca (RAD)

Młode dziewczyny rywalizujące na egzaminach Royal Academy of Dancing (Londyn), które odbyły się w Brisbane i Toowoomba, 1938

Metoda Royal Academy of Dance , zwana także angielskim stylem baletu, została założona w 1920 roku przez Genee, Karsavinę, Bedellsa, E Espinosa i Richardsona. Celem tej metody jest promowanie kształcenia akademickiego w zakresie baletu klasycznego w całej Wielkiej Brytanii. Ten styl rozprzestrzenił się również w Stanach Zjednoczonych i jest szeroko stosowany do dziś. Istnieją określone stopnie, przez które student musi przejść, aby ukończyć szkolenie w tej metodzie. Kluczową zasadą tej metody nauczania jest to, że podstawowa technika baletowa musi być nauczana w wolnym tempie, a stopień trudności często jest znacznie wolniejszy niż w przypadku pozostałych metod. Ideą tego jest to, że jeśli uczeń ma włożyć duży wysiłek w doskonalenie podstawowych kroków, technika nauczona w tych krokach pozwala uczniowi na wykorzystanie trudniejszych kroków w znacznie łatwiejszym tempie.

Metoda Balanchine'a

Suzanne Farrell i George Balanchine tańczą w części „Don Kichota” w New York State Theatre

Opracowany przez George'a Balanchine'a z New York City Ballet . Jego metoda mocno opiera się na jego własnym treningu jako tancerza w Rosji. Technika ta znana jest z ekstremalnej szybkości podczas rutyn, nacisku na linie i głębokich plié. Być może jedną z najbardziej znanych różnic w tym stylu jest niekonwencjonalne ułożenie ciała. Tancerze tego stylu często mają zgięte ręce, a nawet stopy i są umieszczani w pozycjach wytrąconych z równowagi. Ważnymi studiami baletowymi uczącymi tej metody są Miami City Ballet , firma Ballet Chicago Studio oraz School of American Ballet w Nowym Jorku.

Kostiumy

Primabalerina, Anna Pavlova
Anna Pavlova (primabalerina); Wczesne materiały na kostiumy baletowe były ciężkie, krępujące ruchy tancerza

Kostiumy baletowe odgrywają ważną rolę w społeczności baletowej. Często są jedyną pozostałością produkcji, reprezentującą żywy wyimaginowany obraz sceny.

renesansu i baroku

Korzenie baletu sięgają renesansu we Francji i Włoszech, kiedy to strój dworski był początkiem strojów baletowych. Kostiumy baletowe znane są od początku XV wieku. Bawełna i jedwab zostały zmieszane z lnem, wplecione w półprzezroczystą gazę, by stworzyć wykwintne kostiumy baletowe.

Wiek siedemnasty

W XVII wieku używano różnych rodzajów tkanin i wzorów, aby kostiumy były bardziej spektakularne i przyciągały wzrok. Strój dworski nadal pozostawał dla kobiet w tym stuleciu. Jedwabie, atłasy i tkaniny haftowane prawdziwym złotem i szlachetnymi kamieniami podnosiły poziom spektakularnej dekoracji kojarzonej ze strojami baletowymi. Kostiumy kobiet również składały się z ciężkiego ubioru i spódnic do kolan, co utrudniało im wykonywanie ruchu i gestów.

Osiemnasty wiek

W XVIII wieku kostiumy sceniczne były nadal bardzo podobne do strojów dworskich, ale z biegiem czasu rozwijały się, głównie za sprawą francuskiego tancerza i mistrza baletu Jean-Georgesa Noverre'a (1727–1810), którego propozycje unowocześnienia baletu zawarte są w jego rewolucyjnych Lettres sur la danse et les ballets (1760). Książka Noverre zmieniła nacisk w przedstawieniu z kostiumów na fizyczne ruchy i emocje tancerzy.

Europejski balet skupiał się w Operze Paryskiej . W tej epoce spódnice były podnoszone kilka cali nad ziemią. Kwiaty, falbanki, wstążki i koronki podkreślały ten bogaty kobiecy styl, ponieważ w palecie kolorów dominowały delikatne pastelowe odcienie cytryny, brzoskwini, różu i pistacji.

Dziewiętnasty wiek

Olga Spessiva; Kostium z jeziora łabędziego w XX wieku

Na początku XIX wieku używano obcisłych strojów, koron z kwiatów, bukiecików i klejnotów. Ideały romantyzmu znalazły odzwierciedlenie w ruchach kobiecych.

Kostiumy stały się znacznie ciaśniejsze, gdy zaczęto używać gorsetów, aby pokazać krągłości baletnicy. Klejnoty i olśniewające kostiumy stały się znacznie bardziej popularne.

Dwudziesty wiek

Maggie Gripenberg (w środku) występująca w Fińskim Teatrze Narodowym w 1916 roku.

W XX wieku kostiumy baletowe powróciły pod wpływy baletu rosyjskiego. Spódnice balerinek stały się później spódniczkami do kolan, aby pokazać precyzyjną pracę pointe. Kolory używane na kostiumach scenicznych również stały się znacznie żywsze. Projektanci użyli kolorów, takich jak czerwony, pomarańczowy, żółty itp., Aby stworzyć ekspresję wizualną, gdy tancerze baletowi występują na scenie.

Balet jako kariera

Profesjonalni tancerze na ogół nie są dobrze opłacani i zarabiają mniej niż typowy pracownik. Od 2020 roku amerykańscy tancerze (w tym balet i inne formy taneczne) otrzymywali średnio 19 USD za godzinę, przy czym wynagrodzenie nauczycieli było nieco lepsze niż wykonawców.

Perspektywy zatrudnienia nie są dobre, a konkurencja o pracę jest intensywna, a liczba kandydatów znacznie przekracza liczbę ofert pracy. Większość zawodów obejmuje nauczanie w prywatnych szkołach tańca .

Choreografowie zarabiają lepiej niż tancerze. Muzycy i śpiewacy zarabiają lepiej za godzinę niż tancerze lub choreografowie, około 30 USD za godzinę; jednak praca na pełny etat jest dla muzyków niezwykła.

Efekty zdrowotne

Nastoletnie tancerki baletowe są podatne na złamania pierwszego żebra . Zespół uderzenia tylnej kostki (PAIS) najczęściej dotyka ludzi, którzy wykonują powtarzalne zgięcie podeszwowe , takich jak tancerze baletowi. Uważa się, że zaburzenia odżywiania są powszechne, a metaanaliza z 2014 roku sugeruje, że badania wskazują, że tancerze baletowi są bardziej narażeni na kilka rodzajów zaburzeń odżywiania niż populacja ogólna. Ponadto niektórzy badacze zauważyli, że intensywny trening baletowy skutkuje niższą gęstością mineralną kości w ramionach.

Krytyka

Większość choreografii baletowych jest tak napisana, że ​​może ją wykonać tylko stosunkowo młoda tancerka. Struktura baletu - w której (zwykle) męski choreograf lub reżyser używa (przeważnie) ciał kobiet do wyrażenia swojej artystycznej wizji, ignorując, uprzedmiotawiając lub uciszając zaangażowane kobiety - była krytykowana jako krzywdząca kobiety.

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne