Książka artysty - Artist's book

Aby zapoznać się z ogólną koncepcją sztuki w książkach, zobacz Ilustracja do książki . Dla firmy zobacz Distributed Art Publishers .
Dwadzieścia sześć stacji benzynowych , 1963, Ed Ruscha .

Książki artystyczne (lub książki artystyczne lub obiekty książkowe ) to dzieła sztuki, które wykorzystują formę książki. Są one często publikowane w niewielkich nakładach, choć czasami powstają jako przedmioty jedyne w swoim rodzaju.

Przegląd

W książkach artystycznych zastosowano szeroką gamę form, od tradycyjnej formy kodeksowej po formy mniej popularne, takie jak zwoje , rozkładówki, harmonijki czy luźne przedmioty zawarte w pudełku. Artyści od wieków zajmują się drukiem i produkcją książek, ale książka artystyczna to przede wszystkim forma z końca XX wieku. Formy książkowe powstały również w ramach wcześniejszych ruchów, takich jak dadaizm , konstruktywizm , futuryzm i fluxus .

Książki artystów to książki lub podobne do książek przedmioty, nad ostatecznym wyglądem, nad którymi artysta ma wysoki stopień kontroli; gdzie książka ma być sama w sobie dziełem sztuki.

—  Stephen Bury

Książki artystyczne powstają z różnych powodów. Książka artystyczna jest na ogół interaktywna, przenośna, przenośna i łatwo udostępniana. Niektóre książki artystyczne podważają konwencjonalny format książki i stają się obiektami rzeźbiarskimi. Książki artystyczne mogą powstawać po to, by sztuka była dostępna dla ludzi poza formalnymi kontekstami galerii czy muzeów. Książki artystów mogą być wykonane z różnych materiałów, w tym z przedmiotów znalezionych. Meksykański artysta Ulises Carrión rozumiał książki artystyczne jako autonomiczne formy, które nie sprowadzają się tylko do tekstu, jak w tradycyjnej książce.

Wczesna historia

Ręcznie malowany frontyspis Blake'a do Pieśni o niewinności i doświadczeniu . Ta wersja frontyspisu pochodzi z egzemplarza Z znajdującego się obecnie w Bibliotece Kongresu .

Początki formy: William Blake

Podczas gdy artyści byli zaangażowani w produkcję książek w Europie od wczesnego średniowiecza (takich jak Księga z Kells i Très Riches Heures du Duc de Berry ), większość pisarzy na ten temat cytuje angielskiego wizjonera i poetę Williama Blake'a ( 1757-1827 jako najwcześniejszy bezpośredni poprzednik

Książki takie jak Pieśni o niewinności i doświadczeniu zostały napisane, zilustrowane, wydrukowane, pokolorowane i oprawione przez Blake'a i jego żonę Catherine , a połączenie odręcznych tekstów i obrazów stworzyło niezwykle żywe, hermetyczne dzieła bez żadnych wyraźnych precedensów. Prace te nadawały ton późniejszym książkom artystycznym, łącząc samopublikowanie i samodystrybucję z integracją tekstu, obrazu i formy. Wszystkie te czynniki do dziś pozostają kluczowymi pojęciami w książkach artystycznych.

Produkcja awangardowa 1909–1937

Tumb Zang Tumb , 1914, przez Marinetti

Gdy Europa pogrążyła się gwałtownie w kierunku I wojny światowej , różne grupy awangardowych artystów na całym kontynencie zaczęły koncentrować się na broszurach, plakatach, manifestach i książkach. Był to częściowo sposób na uzyskanie rozgłosu w coraz bardziej zdominowanym przez druk świecie, ale także jako strategia ominięcia tradycyjnych systemów galerii, rozpowszechniania pomysłów i tworzenia niedrogich prac, które mogłyby (teoretycznie) być oglądane przez ludzi, którzy w przeciwnym razie nie weszliby do sztuki galerie.

Przykładem tego ruchu w kierunku radykalizmu byli włoscy futuryści , a w szczególności Filippo Marinetti (1876–1944). Publikacja „ Manifestu futurystycznego ” z 1909 r. na okładce francuskiego dziennika Le Figaro była śmiałym zamachem stanu, który przyniósł międzynarodowy rozgłos. Marinetti wykorzystał wynikłą sławę, aby podróżować po Europie, rozpoczynając ruchy na całym kontynencie, które skręciły w kierunku tworzenia książek i broszur.

Na przykład w Londynie wizyta Marinettiego bezpośrednio przyspieszyła założenie przez Wyndhama Lewisa ruchu wortystycznego , którego pismo literackie BLAST jest wczesnym przykładem czasopisma modernistycznego, podczas gdy książka Davida Bomberga Russian Ballet (1919) przeplata się jednym, starannie rozmieszczonym tekst przeplatany abstrakcyjnymi kolorowymi litografiami, jest punktem zwrotnym w historii anglojęzycznych książek artystycznych. Jeśli chodzi o tworzenie książek artystycznych, najbardziej wpływowe odgałęzienie zasad futurystycznych pojawiło się jednak w Rosji. Marinetti odwiedził go w 1914 r., prozelitując w imieniu futurystycznych zasad szybkości, niebezpieczeństwa i kakofonii.

Rosyjski futuryzm, 1910-1917

Transrational Boog , 1914, Olga Rozanova

Skupione w Moskwie , wokół Gileia Grupy transracjonalne ( zaum ) poetów David i Nikolai Burliuk , Elena Guro , Wasilij Kamenski i Velimir Khlebnikov , że rosyjskie futurystów stworzył trwałą serię książek artystycznych że kwestionowane każdy założenie ortodoksyjnej produkcji książek. Podczas gdy niektóre z książek tworzonych przez tę grupę byłyby stosunkowo prostymi składanymi wydaniami poezji, wiele innych bawiło się formą, strukturą, materiałami i treścią, które wciąż wydają się współczesne.

Kluczowe prace, takie jak Worldbackwards (1912), Chlebnikowa i Kruchenykh , Natalia Goncharova , Larionov Rogovin i Tatlin , Transrational Boog (1915) Aliagrova i Kruchenikh & Olgi Rozanova oraz Universal War (1916) Kruchenykh wykorzystywały tekst pisany ręcznie, zintegrowany z wyraziste litografie i elementy kolażu, tworzące małe wydania z dramatycznymi różnicami między poszczególnymi egzemplarzami. Inne tytuły eksperymentowały z materiałami, takimi jak tapety, metody drukowania, w tym kopiowanie kalką i hektografy, oraz metody oprawy, w tym losowe ułożenie stron, zapewniając, że żadne dwie książki nie będą miały tego samego znaczenia kontekstowego.

Rosyjski futuryzm stopniowo ewoluował w konstruktywizm po rewolucji rosyjskiej , skoncentrowany na kluczowych postaciach Malewicza i Tatlina . Próba stworzenia nowej sztuki proletariackiej dla nowej epoki komunistycznej, konstruktywistyczne książki będzie również mieć ogromny wpływ na innych europejskich awangard, z prac projektowych i tekstowych, takich jak El Lissitzky „s dla Voice (1922), mający bezpośredni wpływ na grupy inspirowane lub bezpośrednio związane z komunizmem . Dada w Zurychu i Berlinie, Bauhaus w Weimarze i De Stijl w Holandii drukowały liczne książki, czasopisma i traktaty teoretyczne w nowo powstającym stylu modernizmu międzynarodowego . Książki artystów z tego okresu to między innymi książka Kurta Schwittersa i Kate Steinitz Strach na wróble (1925) oraz czasopismo Theo van Doesburga De Stijl .

Dada i surrealizm

Dada został początkowo założony w Cabaret Voltaire , przez grupę artystów na wygnaniu w neutralnej Szwajcarii podczas I wojny światowej . Książki artystów, czasopisma, manifesty i absurdalny teatr, pierwotnie pod wpływem poezji dźwiękowej Wassily'ego Kandinsky'ego i Blaue Reiter Almanac, który Kandinsky redagował z Markiem , były centralnym punktem każdego z głównych wcieleń Dady. Berlin Dada w szczególności rozpoczęty przez Richarda Huelsenbeck po opuszczeniu Zurychu w 1917 roku, by opublikować kilka książek, takich jak zapalające artystów George Grosz „s obliczu klasy dominującej (1921), serię motywowanych politycznie satyrycznych litografii o burżuazja niemiecka .

Zajmując się głównie poezją i teorią, surrealizm stworzył szereg dzieł, które kontynuowały francuską tradycję Livre d'Artiste, jednocześnie ją obalając. Słynnym przykładem jest Une Semaine de Bonté Maxa Ernsta (1934), łączące obrazy znalezione w wiktoriańskich książkach, podobnie jak okładka Marcela Duchampa do Le Surrealisme (1947) przedstawiająca w dotyku trójwymiarową różową pierś wykonaną z gumy.

Jednym z ważnych rosyjskich pisarzy/artystów, który tworzył książki artystyczne, był Aleksiej Remizow . Czerpiąc ze średniowiecznej literatury rosyjskiej, w swoich książkach artystycznych twórczo łączył marzenia, rzeczywistość i czystą fantazję.

Po II wojnie światowej; postmodernizm i pop-art

Przegrupowanie awangardy

Po II wojnie światowej wielu artystów w Europie próbowało odbudować więzi poza nacjonalistycznymi granicami i wykorzystało książkę artysty jako sposób na eksperymentowanie z formą, szerzenie idei i nawiązywanie kontaktów z podobnie myślącymi grupami w innych krajach.

W latach pięćdziesiątych książką zainteresowali się artyści w Europie, pod wpływem teorii modernistycznej i próbą odbudowy zniszczonych wojną pozycji.

—  Dieter Schwarz

Po wojnie, wielu czołowych artystów i poetów zaczął badać funkcje i formy książki „w poważny sposób” Betonowe poetów w Brazylii, takich jak Augusto i Haroldo de Campos , Cobra artystów w Holandii i Danii oraz Lettrists francuskich wszyscy zaczęli systematycznie dekonstruować księgę. A Przykład grzywna ta ostatnia jest Izydor Isou „s Le Grand Désordre , (1960), dzieło, które kwestionuje widzowi zmontować zawartość na odwrocie koperty na pozór narracji. Dwa inne przykłady poetów-artystów, których prace stanowiły wzory dla książek artystycznych, to Marcel Broodthaers i Ian Hamilton Finlay .

Yves Klein we Francji w podobny sposób kwestionował modernistyczną integralność serią prac, takich jak Yves: Peintures (1954) i Dimanche (1960), które poruszały kwestie tożsamości i dwulicowości. Inne przykłady z tej epoki to dwie kolaboracje Guya Deborda i Asgera Jorna , Fin de Copenhague (1957) i Mémoires (1959), dwie prace Psychogeography stworzone z znalezionych magazynów odpowiednio w Kopenhadze i Paryżu, skomponowane, a następnie wydrukowane w niepowiązanych zabarwienie.

Dieter Roth i Ed Ruscha

Dieter Roth (1930-98), któremu często przypisuje się definicję współczesnej książki artystycznej, stworzył serię prac, które w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych systematycznie dekonstruowały formę książki. Zakłóciły one autorytet kodeksu, tworząc książki z dziurami (np. Picture Book , 1957), pozwalające widzowi zobaczyć więcej niż jedną stronę jednocześnie. Roth był także pierwszym artystą, który ponownie wykorzystał znalezione książki-komiksy, wyklejki drukarskie i gazety (takie jak Daily Mirror , 1961 i AC , 1964). Chociaż pierwotnie wydawane w Islandii w bardzo małych nakładach, książki Rotha były produkowane w coraz większych seriach, przez licznych wydawców w Europie i Ameryce Północnej, i ostatecznie zostały przedrukowane wspólnie przez niemieckiego wydawcę Hansjörga Mayera w latach 70., dzięki czemu były szerzej dostępne w ostatnim półwieczu niż twórczość jakiegokolwiek innego porównywalnego artysty.

Niemal równocześnie w Stanach Zjednoczonych Ed Ruscha (1937-obecnie) wydrukował swoją pierwszą książkę, Twentysix Gasoline Stations , w 1963 roku w nakładzie 400 egzemplarzy, ale do końca dekady wydrukował prawie 4000 egzemplarzy. Książka nawiązuje bezpośrednio do amerykańskich fotograficznych reportaży podróżniczych, takich jak „ Amerykanie” Roberta Franka (1965), ale opowiada o banalnej podróży na trasie 66 między domem Ruschy w Los Angeles a jego rodzicami w Oklahomie. Podobnie jak Roth, Ruscha stworzył serię jednorodnych książek w latach sześćdziesiątych, w tym Every Building on the Sunset Strip , 1966 i Royal Road Test , 1967.

Warto wspomnieć o szwajcarskiej artystce Warji Honegger-Lavater , która tworzyła książki artystyczne równolegle z Dieterem Rothem i Edem Ruschą.

Fluxus i wielokrotność

Wyrastające z John Cage „s kompozycji doświadczalnej klasach od 1957 do 1959 roku w New School for Social Research , Fluxus był luźny kolektyw artystów z Ameryki Północnej i Europy, która koncentruje się na George Maciunas (1931-78), który urodził się na Litwie . Maciunas założył Galerię AG w Nowym Jorku w 1961 roku z zamiarem organizowania imprez i sprzedawania książek i wielokrotnych dzieł artystów, których lubił. Galeria została zamknięta w ciągu roku, najwyraźniej nie sprzedając ani jednego przedmiotu. Kolektyw przetrwał i zawierał stale zmieniającą się listę podobnie myślących artystów, w tym George'a Brechta , Josepha Beuysa , Davi Det Hompsona , Daniela Spoerri , Yoko Ono , Emmetta Williamsa i Nam June Paika .

Książki artystów (takie jak Antologia operacji losowych ) i wielokrotne (a także happeningi ) miały kluczowe znaczenie dla etosu Fluxus, który gardził galeriami i instytucjami, zastępując je „sztuką w społeczności” oraz definicją tego, co było i było Książka stawała się coraz bardziej elastyczna w ciągu dekady, gdy te dwie formy zderzyły się. Wiele wydań Fluxusa łączy cechy obu; George'a Brechta Woda Yam (1963), na przykład, obejmuje szereg punktów zebranych w polu, podczas gdy podobne wyniki są zebrane razem w książce oprawionego w Yoko Ono „s grejpfruta (1964). Innym znanym przykładem jest Literature Sausage Dietera Rotha, jednego z wielu artystów związanych z fluxusem w tym czy innym momencie jego historii; każda była zrobiona z księgi zmielonej na miazgę zmieszanej z cebulą i przyprawami i wbita w skórkę kiełbasy. Dosłownie książka, ale kompletnie nieczytelna. Litsa Spathi i Rund Jansen z Fluxus Heidelberg Centre w Holandii posiadają internetowe archiwum publikacji fluxusowych i linków internetowych fluxusowych.

Książki artystów zaczęły się mnożyć w latach sześćdziesiątych i siedemdziesiątych w klimacie społecznego i politycznego aktywizmu. Niedrogie, jednorazowe edycje były jednym z przejawów dematerializacji obiektu artystycznego i nowego nacisku na proces… Również w tym czasie zaczęło się rozwijać wiele kontrolowanych przez artystów alternatyw, które stanowiły forum i miejsce dla wielu artystów odmówiono dostępu do tradycyjnej struktury galerii i muzeum. Jedną z takich alternatyw było niezależne wydawnictwo artystyczne, a książki artystów stały się częścią fermentu form eksperymentalnych.

—  Joanny Lyons.

Sztuka konceptualna

Książka artysty okazała się kluczowa dla rozwoju sztuki konceptualnej . Lawrence Weiner , Bruce Nauman i Sol LeWitt w Ameryce Północnej, Art & Language w Wielkiej Brytanii, Maurizio Nannucci we Włoszech, Jochen Gerz i Jean Le Gac we Francji oraz Jarosław Kozłowski w Polsce wykorzystali książkę artysty jako centralną część swojej sztuki ćwiczyć. Wczesny przykład, wystawa 5–31 stycznia 1969 zorganizowana w wynajętym biurze w Nowym Jorku przez Setha Siegelauba , nie zawierała nic poza stosem książek artystycznych, zwanym również 5–31 stycznia 1969 i zawierającym głównie prace tekstowe przez Lawrence Weiner , Douglas Huebler , Joseph Kosuth i Robert Barry . Zol LeWitt jest cegła ścianie , (1977), na przykład, po prostu chronicled cieni, mijając całej mur Maurizio Nannucci "m / 40" 92 stron składania (1967) i "Definizioni / Definicje" (1970), przy czym Rzeczywistość Kozłowskiego (1972) wykorzystała fragment Krytyki czystego rozumu Kanta , usuwając cały tekst, pozostawiając jedynie interpunkcję. Innym przykładem jest Einbetoniertes Buch , 1971 (książka w betonie) Wolfa Vostella .

Louise Odes Neaderland , założycielka i dyrektor organizacji non-profit International Society of Copier Artists (ISCA), pomogła ustanowić sztukę elektrostatyczną jako legalną formę sztuki oraz zaoferować środki dystrybucji i ekspozycji artystom książek z firmy Xerox. Tom 1, #1 Kwartalnika ISCA został wydany w kwietniu 1982 roku w folio 50 osiem na jedenaście cali nieoprawione wydruki czarno-białe lub kolorowe Xerography . Każde dzieło artysty składające się na kserokopię zostało ponumerowane w spisie treści, a odpowiedni numer był ostemplowany na odwrocie pracy każdego artysty. „Format zmieniał się z biegiem lat i ostatecznie zawierał Annual Bookworks Edition, która zawierała pudełko małych ręcznie robionych książek od współpracowników ISCA ”. Po pojawieniu się domowych komputerów i drukarek ułatwiło artystom robienie tego, co wcześniej robiła kserokopiarka, tom 21, nr 4 w czerwcu 2003 roku był ostatnim wydaniem. „21 lat Kwartalników ISCA stanowiło wizualny zapis odpowiedzi artystów na aktualne problemy społeczne i polityczne”, a także osobistych doświadczeń. Cała kwartalna kolekcja ISCA jest przechowywana i skatalogowana w Jaffe Center for Book Arts w bibliotece Florida Atlantic University .

Proliferacja i reintegracja z głównym nurtem

Wraz z rozwojem formy wiele oryginalnych, charakterystycznych elementów książek artystycznych zostało utraconych, zamazanych lub przekroczonych. Artyści tacy jak Cy Twombly , Anselm Kiefer i PINK de Thierry , z jej serią Encyclopaedia Arcadia, rutynowo tworzą unikalne, ręcznie robione książki w celowej reakcji na małe, masowo produkowane wydania poprzednich pokoleń; Na przykład Albert Oehlen , mimo że książki artystów nadal stanowi centralną część swojej praktyki, stworzył serię prac, które mają więcej wspólnego z wiktoriańskimi szkicownikami. Powrót do taniej, masowej produkcji estetyki jest widoczny od wczesnych lat 90., kiedy artyści tacy jak Mark Pawson i Karen Reimer uczynili tanią masową produkcję centralną w swojej praktyce.

Artyści współcześni i postkonceptualni również uczynili książki artystyczne ważnym aspektem swojej praktyki, zwłaszcza William Wegman , Bob Cobbing , Martin Kippenberger , Raymond Pettibon , Freddy Flores Knistoff i Suze Rotolo . Twórcy książek w książkach pop-up i innych trójwymiarowych , jedynych w swoim rodzaju książkach to Bruce Schnabel, Carol Barton , Hedi Kyle , Julie Chen , Ed Hutchins i Susan Joy Share .

Wielu artystów książek pracujących w tradycyjnych, jak i nietradycyjnych formach uczyło i dzieliło się swoją sztuką na warsztatach w ośrodkach takich jak Centre for Book Arts w Nowym Jorku i Visual Arts Studio ( VisArts ), Virginia Museum of Fine Arts Studio School, Virginia Museum of Fine Arts Statewide Outreach Program i nieistniejący już Richmond Printmaking Workshop, wszystko w Richmond w stanie Wirginia . Inne instytucje poświęcone tej formie sztuki to San Francisco Center for the Book , Visual Studies Workshop , oraz Women's Studio Workshop w Rosendale w stanie Nowy Jork .

Targi Książki Artystycznej

Niedawny boom w produkcji i rozpowszechnianiu książek artystycznych jest ściśle powiązany z Targami Książki Artystycznej:

Nawet jeśli szum zainteresowania publikacją jako praktyką artystyczną na przełomie XXI wieku przypomina szum wokół „książki artysty” w latach 70., to fenomen targów książki artystycznej w tej ilości i intensywności jest czymś nowym. (...) Targi książki artystycznej są dziś nie tylko miejscem reprezentowania odrębnej, uprzedniej sceny wydawniczej, ale także centralnym forum budowania i pielęgnowania społeczności wokół publikowania jako praktyki artystycznej.

—  Michalis Pichler

Krytyczny odbiór

Na początku lat siedemdziesiątych książka artysty zaczęła być uznawana za odrębny gatunek, a wraz z tym uznaniem narodziły się krytyczne oceny i debaty na ten temat. Powstały instytucje zajmujące się badaniem i nauczaniem formy (np. The Center for Book Arts w Nowym Jorku ); kolekcje bibliotek i muzeów sztuki zaczęły tworzyć nowe rubryki, za pomocą których klasyfikowano i katalogowano książki artystów, a także aktywnie zaczęto poszerzać swoje raczkujące kolekcje; powstały nowe kolekcje (np. Franklin Furnace w Nowym Jorku); liczne wystawy zbiorowe książek artystycznych zorganizowano w Europie i Ameryce (zwłaszcza jedna w Moore College of Art and Design w Filadelfii w 1973 roku, której katalog, według „ Artystów Books: A Critical Survey of the Literature” Stefana Klimy , jest pierwszym w miejscu użyto terminu „Księga Artysty”). Książki artystyczne stały się popularną formą wśród artystek feministycznych od lat 70. XX wieku. The Women Studio Workshop (NY) i Graphic Centrum Kobiet Pod Kobiety Building (LA), założona przez grafikiem, Sheila de Bretteville były ośrodki, gdzie kobiety artyści mogli pracować i zbadać feministycznych tematów. Powstawały księgarnie specjalizujące się w książkach artystycznych, zwykle przez artystów, m.in. Ecart w 1968 (Genewa), Other Books and So w 1975 (Amsterdam), Art Metropole w 1974 (Toronto) i Printed Matter w Nowym Jorku (1976). Wszystkie z nich miały również programy wydawnicze na przestrzeni lat, a dwa ostatnie są nadal aktywne.

W latach 80. ta konsolidacja pola nasiliła się, wraz ze wzrostem liczby praktyków, większą komercjalizacją, a także pojawieniem się szeregu publikacji krytycznych poświęconych formie. Na przykład w 1983 r. Cathy Courtney rozpoczęła regularną kolumnę w londyńskim Art Monthly (Courtney publikowała artykuły przez 17 lat, a ten artykuł jest kontynuowany do dziś z różnymi autorami). Biblioteka Kongresu przyjęła termin „książki artystyczne” w 1980 roku na liście ustalonych tematów i prowadzi aktywną kolekcję w Dziale Książek Rzadkich i Zbiorów Specjalnych.

W latach 80. i 90. powstały studia licencjackie, magisterskie i magisterskie w dziedzinie sztuki książki, których godnymi uwagi przykładami są MSZ w Mills College w Kalifornii, MSZ na University of the Arts w Filadelfii, magisterium w Camberwell College of Arts w Londynie oraz licencjat w College of Creative Studies na Uniwersytecie Kalifornijskim w Santa Barbara . Journal of Artists' Books (JAB) został założony w 1994 roku w celu „podniesienia poziomu krytycznej analizy książek artystycznych”.

W 1994 roku w Galerii Artspace w Richmond w stanie Wirginia odbyła się Narodowa Wystawa Sztuki Książki, Art ex libris , a Virginia Commission for the Arts przyznała grant na pomoc techniczną na nagranie wystawy (alias David E. Thompson).

W 1995 roku fragmenty filmu dokumentalnego Art ex Libris: The National Book Art Invitational at Artspace były pokazywane w audytorium Frances i Armand Hammer podczas 4. Biennale organizowanej co dwa lata Targów Sztuki Książki sponsorowanej przez Pyramid Atlantic Art Center w Corcoran Gallery of Art . W 1996 roku dokument Art ex Libris został wystawiony na aukcji w Swann Galleries na rzecz Centrum Sztuki Książki w Nowym Jorku. Wiele książek wystawionych w Art ex Libris w Artspace Gallery i Art ex Machina w 1708 Gallery znajduje się obecnie w Sackner Archive of Concrete and Visual Poetry w Miami na Florydzie.

W ostatnich dziesięcioleciach książka artystyczna została rozwinięta dzięki autorskiej koncepcji albumu płytowego, zapoczątkowanej przez Laurie Anderson w nowych formach medialnych, w tym na płycie CD-ROM i DVD-ROM artysty . Począwszy od 2007 roku, Codex Foundation rozpoczęła swoje Targi Książki i Sympozjum, odbywające się co dwa lata, 4-dniowe wydarzenie w San Francisco Bay Area, w którym biorą udział kolekcjonerzy i producenci książek artystycznych, a także laicy i naukowcy zainteresowani tym medium.

Kwestie krytyczne i debata

Wiele kwestii związanych z książką artysty było ożywionych dyskusji. Niektóre z głównych analizowanych tematów to:

  1. Definicja książki artystycznej: rozróżnienie pojęć „książka artystyczna”, „sztuka książki”, „książki”, „livre d'artiste”, dobre książki prasowe itp.
  2. Gdzie książka artysty „powinna” sytuować się w odniesieniu do tradycji Rzemiosła i Sztuk Pięknych.
  3. Gdzie umieścić apostrof.
  4. Kiedy magazyn jest książką? Niektóre przykłady „książek artystycznych” zamieszczone na tej stronie (takie jak De Stijl Theo van Doesburga ) to czasopisma, a nie książki.
  5. Publikowanie jako akt jawnie polityczny i chęć rzucenia wyzwania establishmentowi artystycznemu.
  6. Publikowanie jako niejawnie polityczny akt i wyzwanie polegające na wyobrażeniu sobie nowego rodzaju lektury.

Praktycy stwierdzili, że termin „książka artystyczna” jest problematyczny i brzmi nieaktualnie:

„Książka artysty” jako termin jest problematyczna, ponieważ gettoizuje, wymusza oddzielenie od szerszych praktyk dnia codziennego i ogranicza wywrotowy potencjał książek poprzez nałożenie na nie artystycznego tagu. (…) Podczas gdy wokół tego terminu toczyły się długie dyskusje, w tym gorąca debata nad tym, czy i gdzie umieścić apostrof w książce artystycznej, Lawrence Weiner kiedyś przeciął węzeł gordyjski, stwierdzając: „Nie nazywaj tego książką artystyczną, po prostu nazwij to książką”.

—  Michalis Pichler

Galeria zdjęć

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

  • Abt, Jeffrey (1986) Book Made Art: wybór książek współczesnych artystów
  • Aleksander, Karol, wyd. (1995) Talking the Boundless Book: Art, Language, and the Book Arts
  • Bernhard Cella (2012) Kolekcjonowanie książek: Wybór najnowszych książek artystycznych i artystycznych wyprodukowanych w Austrii [1] [2] , wideo YouTube będące częścią projektu.
  • Bleus, Guy (1990) Sztuka to książki
  • Borsuk, Amarant (2018). Książka. Cambridge, Massachusetts: MIT Press
  • Bright, Betty (2005) No Longer Innocent: Sztuka książki w Ameryce, 1960-1980
  • Bringhurst, Robert , Koch, Peter Rutledge . (2011) The Art of the Book w Kalifornii: Pięć współczesnych pras Stanford: Biblioteki Uniwersytetu Stanforda, ISBN  978-0-911221-46-6
  • Brown, Kathryn, wyd. (2013), Tradycja książki artystycznej w Europie XX wieku: język obrazowania .
  • Bury, Stephen (1995) Książki artystów: książka jako dzieło sztuki, 1963-1995
  • Castleman, Riva (1994) Stulecie książek artystycznych
  • Celant, Germano , przekład z włoskiego Corine Lotz (1972) Książka jako grafika, 1960-72
  • Celant, Germano i Tim Guest (1981) Książki artystów
  • Fishing Brown, Ellen. „Poza słowami – książki artystyczne w Modernism Magazine (2008)” . publikowanie.yudu.com . Źródło 24 listopada 2010 .
  • Friedman, Julia . Poza symbolizmem i surrealizmem: Sztuka syntetyczna Aleksieja Remizowa , Northwestern University Press, 2010. ISBN  0-8101-2617-6 (Trade Cloth)
  • Fusco, Maria i Ian Hunt (2006) Put About: krytyczna antologia niezależnego wydawnictwa
  • Hubert, Rennée Riese i Judd D. Hubert (1999) The Cutting Edge of Reading: Artists' Books
  • Lauf, Cornelia i Clive Phillpot (1998) Artysta/Autor: Współczesne książki artystów
  • Leszek Brogowski, Redaktor l'art. Le livre d'artiste et l'histoire du livre, nouvelle édition revue et augmentée, Rennes, Éditions Incertain Sens, coll. „Szarość” ( ISBN  978-2-914291-77-4 )
  • Johanna Drucker (1994). Stulecie książek artystycznych . Księgi Spichlerza. Numer ISBN 9781887123693.
  • Johanna Drucker , (1998) Obliczanie słowa: eseje o książkach, pisaniu i poetyce wizualnej
  • Jury, Dawid , wyd. (2007) Book Art Object Berkeley: Codex Foundation , ISBN  978-0-9817914-0-1
  • Jury, David, Koch, Peter Rutledge , wyd. (2013) Book Art Object 2 Berkeley: Codex Foundation i Stanford: Biblioteki Uniwersytetu Stanforda, ISBN  978-0-911221-50-3
  • Khalfa, Jean (2001) Dialog między malarstwem a poezją: Livres d'Artistes 1874-1999, Black Apollo Press
  • Klima, Stefan (1998) Artists Books: A Critical Survey of the Literature
  • Lippard, Lucy (1973) Sześć lat: Dematerializacja obiektu sztuki od 1966 do 1972
  • Lyons, Joanna, wyd. (1985) Książki artystyczne: antologia krytyczna i podręcznik źródłowy
  • Martinez, Alejandro (2021). „Dziesięć tez o księdze artysty” . Artishock .
  • Moeglin-Delcroix, Anne. (1997) Estetyka życia artysty, 1960-1980 . Paryż: Plac Jean-Michela; Biliothèque nationale de France.
  • Maurizio Nannucci , „Książki artystów”, Palazzo Strozzi, Florencja 1978
  • Orozco, Miguel (2018), Picasso. 70 lat ilustracji książkowej. Raisonné katalog .
  • Perrée, Rob (2002) Okładka do okładki: Książka artysty w perspektywie
  • Pichler, Michalis (2019), Manifest wydawniczy MIT Press, Cambridge, MA [3]
  • Philpot, Clive (1982). „Prawdziwa bujna”. Forum Sztuki.
  • Smith, Keith (1989) Struktura księgi wizualnej
  • Umbrella , założona i redagowana przez Judith Hoffberg , jest jednym z najstarszych internetowych periodyków obejmujących książki artystów i inne wielokrotne wydania. Dostępne online w latach 1978–2005 w Zbiorach Cyfrowych Biblioteki Uniwersyteckiej IUPUI.
  • Viola Hildebrand-Schat, Stefan Soltek: Sztuka z Księgi (niemiecki), wyd. przez Muzeum Klingspor Offenbach, Lindlar 2013. Die Neue Sachlichkeit, ISBN  978-3-942139-32-8