Komiks - Comic book

Komiksy wystawione w muzeum, przedstawiające, jak byłyby eksponowane w sklepie na dworcu kolejowym w pierwszej połowie XX wieku.
Popularny format okładki komiksu wyświetla numer wydania, datę, cenę i wydawcę wraz z ilustracją i kopią okładki, która może zawierać tytuł opowiadania.

Komiks , zwany także comicbook , magazyn komiks lub (w Wielkiej Brytanii i Irlandii) po prostu komicznym , to publikacja, która składa się z komiksów sztuki w postaci kolejnych sąsiednimi panelami , które reprezentują poszczególne sceny. Panelom często towarzyszy opisowa proza ​​i pisemna narracja, zwykle dialogi zawarte w balonach słownych, charakterystycznych dla komiksowej formy sztuki. Chociaż komiks ma swoje korzenie w XVIII-wiecznej Japonii , komiksy zostały po raz pierwszy spopularyzowane w Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii w latach 30. XX wieku. Pierwszy współczesny komiks, Famous Funnies , został wydany w Stanach Zjednoczonych w 1933 roku i był przedrukiem wcześniejszych komiksów z humorem prasowym , które ustanowiły wiele sposobów opowiadania historii używanych w komiksach. Termin komiks wywodzi się od amerykańskich komiksów będących niegdyś kompilacją komiksów o humorystycznym tonie; jednak praktyka ta została zastąpiona opowiadaniami wszystkich gatunków, zazwyczaj nie mającymi humoru.

Największym rynkiem komiksowym jest Japonia. Przez 1995 roku, manga rynek w Japonii została wyceniona na ¥ 586.4 mld ( $ 6-7 mld ), z roczną sprzedażą na poziomie 1,9  miliarda książek mangi ( tankōbon objętości i mangi magazynów ) w Japonii, co odpowiada 15  spraw na osobę. Rynek komiksów w Stanach Zjednoczonych i Kanadzie został wyceniony w 2016 roku na 1,09 miliarda dolarów . Od 2017 roku największym wydawcą komiksów w Stanach Zjednoczonych jest dystrybutor mangi Viz Media , a następnie DC Comics i Marvel Comics . Najlepiej sprzedającymi się kategoriami komiksów w USA od 2019 r. są beletrystyka dla dzieci ( 41 proc.), manga (28 proc.) i komiks o superbohaterach ( 10 proc. rynku). Innym ważnym rynkiem komiksowym jest Francja , gdzie komiksy francusko-belgijskie i japońska manga stanowią po 40% rynku, a następnie komiksy amerykańskie z 10% udziałem w rynku.

Struktura

Komiksy są uzależnione od ich organizacji i wyglądu. Autorzy w dużej mierze skupiają się na ramce strony, rozmiarze, orientacji i pozycjach panelu. Te charakterystyczne dla komiksów aspekty są niezbędne w przekazywaniu treści i przesłania autora. Kluczowe elementy komiksów to panele, balony (dymki), tekst (linie) i postacie. Balony to zazwyczaj wypukłe przestrzenne pojemniki informacji, które są powiązane z postacią za pomocą elementu ogona . Ogon ma początek, ścieżkę, końcówkę i wskazał kierunek. Kluczowe zadania w tworzeniu komiksów to pisanie, rysowanie i kolorowanie. Do tworzenia komiksów wykorzystuje się wiele formuł technologicznych, w tym kierunki, osie, dane i metryki. Przestrzeganie tych kluczowych procedur formatowania polega na pisaniu, rysowaniu i kolorowaniu.

Amerykańskie komiksy

Komiksy jako medium drukowane istniały w Stanach Zjednoczonych od czasu wydania w 1842 r. w twardej oprawie The Adventures of Mr. Obadiah Oldbuck , co czyni go pierwszym znanym amerykańskim prototypem komiksu. Czasopisma protokomiksowe zaczęły pojawiać się na początku XX wieku, a pierwszym komiksem o standardowej wielkości był Funnies on Parade. Śmieszne parady były pierwszą książką, która określiła rozmiar, czas trwania i format współczesnego komiksu. Następnie, 36-stronicowy film Dell Publishing Famous Funnies: A Carnival of Comics, jako pierwszy prawdziwy amerykański komiks z kiosku; Goulart, na przykład, nazywa to „kamieniem węgielnym jednej z najbardziej lukratywnych gałęzi wydawania czasopism”. W 1905 r. GW Dillingham Company opublikowała 24 wybrane fragmenty autorstwa rysownika Gustave'a Verbeeka w antologii zatytułowanej „Niesamowite upadki Little Lady Lovekins i Old Man Muffaroo”. Wprowadzenie Jerry Siegel i Joe Shuster „s Superman w 1938 roku okazało komiksy do wielkiego przemysłu i wprowadził w Golden Age komiksów . The Golden Age pochodzi ten archetyp w superbohatera . Według historyka Michaela A. Amundsona atrakcyjne postaci z komiksów pomogły złagodzić strach młodych czytelników przed wojną nuklearną i zneutralizować niepokój związany z kwestiami związanymi z energią atomową.

Historycy na ogół dzielą oś czasu amerykańskiego komiksu na epoki. Złoty wiek komiksów rozpoczął się w latach 30. XX wieku, co jest powszechnie uważane za początek komiksu w postaci znanej dzisiaj. Silver Age komiksów jest powszechnie uważane do tej pory z pierwszego pomyślnego odrodzenia wówczas uśpionej postaci superbohatera, z debiutem Flash w Showcase # 4 (Oct. 1956). Srebrny Wiek trwał przez koniec 1960 lub na początku 1970 roku, w czasie których Marvel Comics zrewolucjonizowały medium z takich naturalistycznych superbohaterów jak Stan Lee i Jack Kirby 's Fantastic Four i Lee i Steve Ditko jest Spider-Man . Rozgraniczenie między epoką srebrną a następną erą, epoką brązu komiksów , jest mniej wyraźne, przy czym epoka brązu trwa od wczesnych lat 70. do połowy lat 80. XX wieku. Nowoczesne Wiek komiksów trwa od połowy 1980 roku do dnia dzisiejszego.

Ważnym wydarzeniem w historii amerykańskiego komiksu była krytyka tego medium przez psychiatrę Fredrica Werthama w jego książce Seduction of the Innocent (1954), która skłoniła Podkomisję Amerykańskiego Senatu ds. Przestępczości Nieletnich do zbadania komiksów. Wertham twierdził, że komiksy były odpowiedzialne za wzrost przestępczości nieletnich, a także potencjalny wpływ na seksualność i moralność dziecka. W odpowiedzi na uwagę rządu i mediów, amerykański przemysł komiksowy utworzył Stowarzyszenie Comics Magazine Association of America. CMAA zaszczepił Urząd ds. Kodeksu Komiksów w 1954 roku i opracował w tym roku autocenzurę Kodeksu Komiksu, który wymagał, aby wszystkie komiksy przeszły proces zatwierdzania. Dopiero w latach 70. komiksy mogły być publikowane bez przechodzenia przez inspekcję CMAA. Kodeks został formalnie zlikwidowany w listopadzie 2011 roku.

Podziemne komiksy

Pod koniec lat 60. i na początku 70. pojawił się przypływ kreatywności w tak zwanym komiksie podziemnym . Większość takich komiksów, wydawanych i dystrybuowanych niezależnie od uznanego przemysłu komiksowego, odzwierciedlała ówczesną młodzieżową kontrkulturę i kulturę narkotykową . Undergroundowy komiks „odzwierciedlał i komentował podziały społeczne i napięcia w społeczeństwie amerykańskim”. Wielu miało nieskrępowany, często lekceważący styl; ich szczere przedstawienie nagości, seksu, wulgaryzmów i polityki nie miało sobie równych poza ich prekursorami, pornograficznymi i jeszcze bardziej niejasnymi „ bibliami Tijuany ”. Komiksy undergroundowe prawie nigdy nie były sprzedawane w kioskach, ale raczej w takich młodzieżowych punktach sprzedaży, jak sklepy z dodatkami, sklepy z płytami, a także w sprzedaży wysyłkowej . Podziemny komiks zachęcał twórców do samodzielnego publikowania swoich prac, aby mieli pełne prawa własności do swoich postaci.

Przygody JezusaFranka Stacka , opublikowane pod pseudonimem Foolbert Sturgeon, zostały uznane za pierwszy podziemny komiks; a R. Crumb i ekipa rysowników, którzy pracowali nad Zap Comix, spopularyzowali formę.

Komiksy alternatywne

Powstanie specjalistycznych sklepów z komiksami pod koniec lat 70. stworzyło/równolegle wydzielony rynek „niezależnych” lub „ alternatywnych komiksów ” w Stanach Zjednoczonych. Pierwsze takie komiksy obejmował serię antologii Star Reach , opublikowane przez komiks pisarz Mike Friedrich od 1974 do 1979 roku, a Harvey Pekar „s Amerykański splendor , który trwał sporadyczny publikację w 21 wieku i które Shari Springer Berman i Robert Pulcini zaadoptowany na Film z 2003 roku . Niektóre komiksy niezależne kontynuowały tradycję komiksów undergroundowych. Chociaż ich treść ogólnie pozostawała mniej jednoznaczna, inne przypominały twórczość głównych wydawców pod względem formatu i gatunku, ale były publikowane przez mniejsze firmy należące do artystów lub przez pojedynczych artystów. Kilka (zwłaszcza RAW ) reprezentowało eksperymentalne próby zbliżenia komiksu do statusu sztuk pięknych .

W latach 70. kultura „ małej prasy ” rosła i różnicowała się. W latach 80. kilku niezależnych wydawców – takich jak Pacific , Eclipse , First , Comico i Fantagraphics – zaczęło wypuszczać szeroką gamę stylów i formatów – od kolorowych superbohaterów, detektywów i komiksów science-fiction po czarno-białe białe opowiadania w formacie magazynu latynoamerykańskiego realizmu magicznego .

Szereg małych wydawców w latach 90. zmieniło format i dystrybucję swoich komiksów, aby bardziej przypominać publikacje niekomiksowe. Forma „ minikomiksu ”, niezwykle nieformalna wersja self-publishingu , powstała w latach 80. i stała się coraz bardziej popularna wśród artystów w latach 90., mimo że docierała do jeszcze bardziej ograniczonego grona odbiorców niż mała prasa.

Mali wydawcy, którzy regularnie wydają tytuły, to Avatar Comics , Hyperwerks , Raytoons i Terminal Press , utrzymywani przez takie postępy w technologii druku, jak druk cyfrowy na żądanie .

Powieści graficzne

W Centrum Kontroli i Zapobiegania Chorobom publikuję instruktażowe powieść graficzną w 2018 roku, aby zachować młodość rozprzestrzenianiu się chorób zakaźnych

W 1964 roku Richard Kyle ukuł termin „powieść graficzna”. Prekursory tej formy istniały już w latach 20. XX wieku, kiedy to odrodzenie tradycji drzeworytu średniowiecznego stanowili Belg Frans Masereel , Amerykanin Lynd Warda i inni, w tym Stan Lee. W 1950 r. St. John Publications wyprodukowała skróconą , zorientowaną na dorosłych „powieść obrazkową” It Rhymes with Lust , 128-stronicowy streszczenia autorstwa pseudonimowego pisarza „Drake’a Wallera” ( Arnold Drake i Leslie Waller ), rysownika Matta Bakera i inkera Ray Osrin , reklamowany jako „oryginalna powieść pełnometrażowa” na okładce. W 1971 roku pisarz-artysta Gil Kane i jego współpracownicy opracowali „powieść komiksową” Blackmark w miękkiej oprawie . Will Eisner spopularyzował termin „powieść graficzna”, gdy użył go na okładce miękkiej edycji swojej pracy Umowa z Bogiem i inne historie kamienic w 1978 roku.

Komiksy cyfrowe

Wielkość rynku

W 2017 r. wielkość rynku komiksów w Ameryce Północnej wyniosła nieco ponad 1 miliard dolarów, przy czym sprzedaż cyfrowa była płaska, księgarnie spadły o 1 procent, a sklepy z komiksami spadły o 10 procent w porównaniu z 2016 r.

Kolekcjonowanie komiksów

W latach 70. pojawiły się specjalistyczne sklepy z komiksami . Początkowo komiksy były sprzedawane przez wydawców dzieciom, ponieważ komiksy były postrzegane jako rozrywka dla dzieci. Jednak wraz z rosnącym uznaniem komiksu jako formy sztuki i rosnącą obecnością konwencji komiksowych w popkulturze , są one obecnie przyjmowane przez wielu dorosłych.

Kolekcjonerzy komiksów są często życiowymi entuzjastami komiksowych opowieści i zazwyczaj skupiają się na konkretnych bohaterach i próbują zebrać całą serię tytułów. Komiksy publikowane są z kolejnym numerem. Pierwszy numer wieloletniej serii komiksowej jest zwykle najrzadszym i najbardziej pożądanym przez kolekcjonerów. Jednak pierwsze pojawienie się konkretnej postaci może być w istniejącym wcześniej tytule. Na przykład pierwszy występ Spider-Mana miał miejsce w Amazing Fantasy #15. Często w ten sposób przedstawiano nowe postacie i nie otrzymywały one własnych tytułów, dopóki nie znalazła dla bohatera sprawdzona publiczność. W rezultacie komiksy, w których po raz pierwszy pojawia się ważna postać, czasami będą trudniejsze do znalezienia niż pierwszy numer własnego tytułu.

Niektóre rzadkie komiksy zawierają kopie niewydanego „ Motion Picture Funnies Weekly #1” z 1939 roku. Osiem kopii, plus jedna bez okładki, pojawiły się w majątku zmarłego wydawcy w 1974 roku. aukcja dziedzictwa z 2005 roku .

Najcenniejsze amerykańskie komiksy łączą rzadkość i jakość z pierwszymi występami popularnych i trwałych postaci. W grudniu 2010 r. sprzedano cztery komiksy za ponad milion dolarów, w tym dwa przykłady Action Comics nr 1, pierwszy występ Supermana , oba sprzedawane prywatnie za pośrednictwem internetowego sprzedawcy ComicConnect.com w 2010 r. oraz Detective Comics nr 27, pierwszy pojawienie się Batmana na aukcji publicznej.

Aktualizując powyższą cenę uzyskaną za Action Comics #1, pierwsze pojawienie się Supermana , najwyższa sprzedaż tej książki to 3,2 miliona dolarów za egzemplarz 9.0.

Błędy w druku, promocyjne druki promocyjne dla sprzedawców komiksów oraz problemy z bardzo niską dystrybucją również mają zazwyczaj wartość niedoboru. Najrzadszych nowoczesne komiksy zawierają oryginalne naciśnij bieg z Liga niezwykłych dżentelmenów # 5, który DC wykonawczy Paul Levitz przypomniał i przetworzonego na pulpę z powodu wyglądu rocznika Victorian Era reklama „Marvel Douche ”, którego wydawcą uznane za obraźliwe; istnieje tylko 100 egzemplarzy, z których większość została oceniona przez CGC . (Zobacz wycofane komiksy, aby uzyskać więcej rozdrobnionych, przywołanych i błędnych komiksów.)

W 2000 r. firma o nazwie Comics Guaranty (CGC) zaczęła „wytłaczać” komiksy, zamykając je w grubym plastiku i nadając im ocenę numeryczną. Od tego czasu powstały inne firmy zajmujące się klasyfikacją. Ponieważ stan jest ważny dla wartości rzadkich komiksów, pomysł oceniania przez firmę, która nie kupuje ani nie sprzedaje komiksów, wydaje się dobry. Jednak istnieją pewne kontrowersje dotyczące tego, czy ta usługa oceniania jest warta wysokich kosztów i czy jest to pozytywny rozwój dla kolekcjonerów, czy też służy przede wszystkim spekulantom, którzy chcą szybko zarobić na handlu komiksami, tak jak w przypadku handlu akcjami lub Sztuki piękne. Ocenianie komiksów stworzyło standardy wyceny, które internetowe przewodniki cenowe, takie jak GoCollect i GPAnalysis, wykorzystują do raportowania wartości rynkowych w czasie rzeczywistym.

Zbierane są również oryginalne strony z grafikami z komiksów i są to prawdopodobnie najrzadsze przedmioty kolekcjonerskie ze wszystkich komiksów, ponieważ istnieje tylko jedna unikalna strona grafiki na każdą stronę, która została wydrukowana i opublikowana. Zostały one stworzone przez pisarza, który stworzył historię; artysta-ołówek, który ułożył kolejne panele na stronie; artysta tuszu, który przejrzał ołówek piórem i czarnym tuszem; lister, który zapewniał dialog i narrację historii, ręcznie pisząc każde słowo; i wreszcie kolorysta, który dodał kolor jako ostatni krok, zanim gotowe strony trafią do drukarki.

Kiedy oryginalne strony dzieł sztuki są zwracane przez drukarnię, zazwyczaj są one zwracane artystom, którzy czasami sprzedają je na konwencjach komiksowych lub w galeriach i pokazach sztuki związanych ze sztuką komiksową. Oryginalne strony pierwszych występów takich legendarnych postaci jak Superman, Batman, Wonder Woman czy Spider-Man uważane są za bezcenne.

Historia rasy w amerykańskich komiksach

Wiele wczesnych iteracji czarnych postaci w komiksach „stało się wariacją na temat 'pojedynczego stereotypowego wizerunku Sambo'”. Sambo był blisko spokrewniony ze stereotypem szopów, ale miał pewne subtelne różnice. Oba są obraźliwym sposobem przedstawiania czarnych postaci. „Sama nazwa, skrót od szopa pracza, jest odczłowieczająca. Podobnie jak w przypadku Sambo, szop był przedstawiany jako leniwy, łatwo przestraszony, chronicznie bezczynny, nieartykułowany błazen”. Ten portret „był oczywiście kolejną próbą utrwalenia intelektualnej niższości czarnej rasy poprzez kulturę popularną”. Jednak w latach 40. nastąpiła zmiana w przedstawianiu czarnych postaci. „Pobieżne spojrzenie… może sprawić wrażenie, że sytuacja Afroamerykanów w komiksach się poprawiła”. W wielu komiksach powstających w tamtych czasach istniał duży nacisk na tolerancję między rasami. „Ci równouprawnieni bohaterowie zaczęli działać, gdy Afroamerykanie zostali poproszeni o udział w wysiłkach wojennych”.

W tym czasie rządowy program, The Writers' War Board, mocno zaangażował się w to, co miało być publikowane w komiksach. „The Writers' War Board wykorzystywał komiksy do kształtowania popularnego postrzegania rasy i pochodzenia etnicznego…” Nie tylko używali komiksów jako środka rekrutacji wszystkich Amerykanów, ale także używali ich jako propagandy do „[konstruowania] uzasadnienie rasowej nienawiści do zagranicznych wrogów Ameryki”. The Writers' War Board stworzył komiksy, które miały „[promować] rodzimą harmonię rasową”. Jednak „te protolerancyjne narracje walczyły o przezwyciężenie popularnych i szeroko rozumianych negatywnych tropów używanych od dziesięcioleci w amerykańskiej kulturze masowej…” Jednak nie udało im się zrealizować tego planu we wszystkich swoich komiksach.

W Captain Marvel Adventures postać o imieniu parowiec była połączeniem jednych z najgorszych stereotypów tamtych czasów. The Writers' War Board nie prosiło o żadne zmiany w tej postaci. „Wyeliminowanie Steamboat wymagało zdecydowanych wysiłków czarnej grupy młodzieży w Nowym Jorku”. Pierwotnie ich prośba została odrzucona przez osoby pracujące nad komiksem, stwierdzając, że „ Przygody Kapitana Marvela zawierały wiele rodzajów karykatur„ ze względu na humor ”. Czarna grupa młodzieży odpowiedziała: „to nie jest rasa Murzynów, ale półtora miliona czytelników tak pomyśli”. Potem Steamboat zniknął z komiksów. Powstał komiks o 99. eskadrze, znanej również jako Tuskegee Airmen, całkowicie czarnej jednostce sił powietrznych. Zamiast tworzyć komiks o ich historii, komiks dotyczył Hopa Harrigana. Biały pilot, który łapie nazistę, pokazuje mu filmy z 99. eskadry pokonującej jego człowieka, a następnie ujawnia nazistowi, że jego ludzie zostali pokonani przez Afroamerykanów, co go rozwścieczyło, ponieważ postrzega ich jako mniej lepszą rasę i nie może w to uwierzyć pokonał jego ludzi. „…[The] Tuskegee Airmen i obrazy czarnych lotników pojawiają się tylko w trzech z pięćdziesięciu trzech paneli… [piloty] 99. eskadry nie mają dialogu i nie wchodzą w interakcję ani z Hopem Harriganem, ani z jego jeniec nazistowski”. W tym czasie używali także czarnych postaci w komiksach jako środka do unieważnienia bojowych czarnych grup, które walczyły o równość w Ameryce. „Spider-Man” jasno dał do zrozumienia, że ​​bojowa czarna siła nie jest lekarstwem na niesprawiedliwość rasową”. „Sokół otwarcie skrytykował czarne zachowanie, twierdząc, że może ważne jest, abyśmy uspokoili się, abyśmy mogli chronić prawa, o które walczyliśmy”. Ten kiepski wizerunek i rozwój postaci czarnych postaci można częściowo obwiniać faktem, że w tym czasie „rzadko czarnoskórzy artysta lub pisarz był dozwolony w dużej firmie komiksowej”

Azjatyckie postacie spotkały się w komiksach z takim samym traktowaniem, jak czarne postacie. Zostali odczłowieczeni, a narracja, która została narzucona, polegała na tym, że byli „niekompetentni i podludzi”. „Wydanie amerykańskiej piechoty morskiej z 1944 r. zawierało narrację zatytułowaną „The Smell of the Monkeymen… historia przedstawia japońskich żołnierzy jako małpich brutali, których obrzydliwy zapach ciała zdradza ich ukrytą lokalizację”. Chińskie postacie zostały potraktowane tak samo. kiedy Stany Zjednoczone przystąpiły do ​​II wojny światowej, negatywne postrzeganie Chińczyków było ustaloną częścią kultury masowej…”. Jednak obawiając się, że Japończycy mogą wykorzystać amerykańskie antychińskie materiały jako propagandę, zaczęli „prezentować bardziej pozytywny obraz chińskich sojuszników Ameryki. .." Tak jak starali się pokazać lepszą reprezentację Czarnych w komiksach, zrobili to samo dla Azjatów. Jednak "japońscy i filipińscy postacie [były] wizualnie nie do odróżnienia. Obie grupy mają groteskowe zęby, poszarpane ubrania i jasnożółtą skórę”. „Wydawcy… przedstawiali azjatyckich sojuszników Ameryki poprzez obraźliwe obrazy i język doskonalony przez poprzednie dekady”. Azjaci byli wcześniej przedstawiani jako „upiornie żółte demony”. W czasie II wojny światowej „[każdy] większy superbohater wart swego spandeksu poświęcił się wykorzenieniu azjatyckich najeźdźców”. Istniał „ciągły wyścig sztafetowy, w którym jedna kultura azjatycka po prostu przekazywała pałeczkę nienawiści innej bez zauważalnych zmian w sposobie które będą przedstawiane postacie."

„Jedyne konkretne przedstawienie latynoskiego superbohatera nie zakończyło się dobrze. W 1975 roku Marvel dał nam Hectora Ayala, znanego również jako Biały Tygrys”. „Chociaż walczył przez kilka lat u boku znacznie bardziej popularnych bohaterów, takich jak Spider-Man i Daredevil, przetrwał tylko sześć lat, zanim sprzedaż komiksów z jego udziałem stała się tak słaba, że ​​Marvel kazał mu przejść na emeryturę. Najbardziej znaną postacią latynoską jest Bane , złoczyńca z Batmana.

Reprezentację rdzennych Amerykanów w komiksach „można podsumować w stereotypie szlachetnego dzikusa” „powracającym tematem… nakłaniał [red] amerykańskich Indian do porzucenia tradycyjnej wrogości wobec Stanów Zjednoczonych. dominujących koncernów białej Ameryki”

Komiksy wschodnioazjatyckie

japońska manga

Manga (漫画) to komiksy lub powieści graficzne pochodzące z Japonii. Większość mang jest zgodna ze stylem opracowanym w Japonii pod koniec XIX wieku, chociaż forma sztuki ma długą prehistorię we wcześniejszej sztuce japońskiej . Termin manga jest używany w Japonii w odniesieniu do komiksów i karykatur . Poza Japonią słowo to jest zwykle używane w odniesieniu do komiksów pierwotnie opublikowanych w tym kraju.

Dōjinshi

Dōjinshi (同人誌, magazyn dla fanów ) , japońskie komiksy tworzone przez fanów , działają na znacznie większym rynku w Japonii niż amerykański rynek „podziemnych komiksów”; największe targi dōjinshi, Comiket , przyciągają 500 000 odwiedzających dwa razy w roku.

koreański manhwa

Koreańska manhwa szybko zyskała popularność poza Koreą w ostatnich czasach w wyniku koreańskiej fali . Przemysł manhwa od samego początku cierpiał z powodu dwóch krachów i ścisłej cenzury w wyniku japońskiej okupacji półwyspu, która hamuje rozwój branży, ale teraz zaczęła się rozwijać, częściowo dzięki internetowi i nowym sposobom czytania manhwa czy to na komputerach, czy przez smartfony. W przeszłości manhwa była sprzedawana jako manga poza granicami kraju, aby mieć pewność, że dobrze się sprzedają, ale teraz nie jest to już potrzebne, ponieważ więcej ludzi ma teraz większą wiedzę na temat przemysłu i kultury koreańskiej.

Webtoony

Webtoony stały się popularne w Korei Południowej jako nowy sposób czytania komiksów. Po części dzięki różnym regułom cenzury, kolorom i unikalnym efektom wizualnym oraz optymalizacji pod kątem łatwiejszego czytania na smartfonach i komputerach. Więcej manhwa przeszło z tradycyjnej manhwy drukowanej na webtoony online dzięki lepszym płacom i większej swobodzie niż tradycyjne manhwa drukowane. Format webtoon rozszerzył się również na inne kraje poza Koreą, takie jak Chiny, Japonia, Azja Południowo-Wschodnia i kraje zachodnie. Główni dystrybutorzy webtoonów to Lezhin , Naver i Kakao .

chińskie manhua

wietnamski truyện tranh

Komiksy europejskie

Komiksy francusko-belgijskie

René Goscinny (1926-1977), pisarz serii komiksów Asterix .

Francja i Belgia mają długą tradycję w komiksach i komiksach, zwanych BDs (skrót od bande dessinées ) w języku francuskim i strips w języku niderlandzkim . Belgijskie komiksy oryginalnie napisane w języku niderlandzkim wykazują wpływy komiksów frankofońskich „franko-belgijskich”, ale mają swój własny, odrębny styl.

Nazwa bande dessinée wywodzi się z pierwotnego opisu sztuki jako narysowanych pasków (fraza dosłownie tłumaczy się jako „narysowany pasek”), analogicznie do sekwencji obrazów na taśmie filmowej. Podobnie jak w angielskim odpowiedniku, słowo „bande” można zastosować zarówno do filmu, jak i komiksu. Co znamienne, francuskojęzyczny termin nie zawiera żadnych wskazówek co do przedmiotu, w przeciwieństwie do amerykańskich terminów „komiks” i „śmieszne”, które oznaczają formę sztuki, której nie należy traktować poważnie. Rozróżnienie komiksu jako le neuvième art (dosłownie „dziewiąta sztuka”) jest powszechne we francuskiej stypendium na temat formy, podobnie jak koncepcja krytyki komiksowej i samej nauki. Niezliczeni autorzy we Francji i Belgii publikują duże ilości komiksów, biorąc pod uwagę wielkość ich populacji. W Ameryce Północnej poważniejsze komiksy francusko-belgijskie są często postrzegane jako ekwiwalent powieści graficznych, ale niezależnie od tego, czy są długie, czy krótkie, oprawne lub w formacie czasopisma, w Europie nie ma potrzeby stosowania bardziej wyrafinowanego terminu, ponieważ nazwa sztuki sam w sobie nie sugeruje czegoś niepoważnego.

We Francji autorzy kontrolują publikację większości komiksów. Autor pracuje w wyznaczonych przez siebie ramach czasowych, a czytelnicy często czekają sześć miesięcy lub nawet dwa lata między ratami. Większość książek po raz pierwszy pojawia się w druku jako książka w twardej oprawie, zwykle z 48, 56 lub 64 stronami.

Komiksy brytyjskie

Okładka do wydania 27 grudnia 1884 Ally Sloper's Half Holiday . Ally Sloper jest uważany za pierwszą powracającą postać w komiksach.

Chociaż Half Holiday (1884) Ally Sloper był skierowany do rynku dla dorosłych, wydawcy szybko skierowali uwagę na młodszą grupę demograficzną, co doprowadziło do tego, że większość publikacji jest przeznaczona dla dzieci i stworzyło skojarzenie z komiksem jako nieco młodzieńczym w świadomości opinii publicznej. The Guardian odnosi się do Ally Sloper jako „jednej z pierwszych kultowych postaci z kreskówek na świecie” i „tak sławnej w wiktoriańskiej Wielkiej Brytanii, jak sto lat później Dennis the Menace ”. Komiksy brytyjskie na początku XX wieku zwykle ewoluowały z ilustrowanych groszowych straszliwych epoce wiktoriańskiej (z udziałem Sweeneya Todda , Dicka Turpina i Varneya Wampira ). Wydane po raz pierwszy w latach 30. XIX wieku grosze straszne były „pierwszym w Wielkiej Brytanii smakiem masowo produkowanej kultury popularnej dla młodzieży”.

Posąg Minnie the Minx , postaci z The Beano , w Dundee w Szkocji. Wydany w 1938 roku The Beano słynie z anarchicznego humoru, a na okładce pojawia się Dennis the Menace .

Dwa najpopularniejsze brytyjskie komiksy, Fasola i Dandy , zostały po raz pierwszy opublikowane przez DC Thomsona w latach 30. XX wieku. W 1950 tygodniowy nakład obu osiągnął dwa miliony. Wyjaśniając ogromną popularność komiksów w Wielkiej Brytanii w tym okresie, Anita O'Brien, dyrektor kurator w londyńskim Muzeum Kreskówek, stwierdza: „Kiedy komiksy takie jak Beano i Dandy zostały wynalezione w latach 30. XX wieku – a tak naprawdę do lat 50. i 60. – te komiksy były prawie jedyną rozrywką dostępną dla dzieci.” Dennis the Menace powstał w latach 50., kiedy sprzedaż The Beano wzrosła. Występuje na okładce The Beano , a BBC nazywa go „definitywnym niegrzecznym chłopcem świata komiksów”.

W 1954 roku komiks Tiger przedstawił Roy of the Rovers , niezwykle popularny pasek piłkarski opowiadający o życiu Roy Race i drużynie, w której grał, Melchester Rovers . Sformułowanie w mediach giełdowych „prawdziwe rzeczy „Roy of the Rovers” jest często używane przez pisarzy piłkarskich, komentatorów i fanów, opisując pokazy wielkich umiejętności lub zaskakujące wyniki, które są sprzeczne z przeciwnościami losu, w odniesieniu do dramatycznych wątków, które były znak towarowy. Rozkwitły również inne komiksy, takie jak Eagle , Valiant , Warrior , Viz i 2000 AD . Niektóre komiksy, takie jak Judge Dredd i inne tytuły z 2000 r. , zostały opublikowane w formie tabloidowej . W Wielkiej Brytanii pojawiły się również undergroundowe komiksy i tytuły „małej prasy” , w szczególności Oz i Escape Magazine .

Treść Action , kolejnego tytułu skierowanego do dzieci, wydanego w połowie lat 70., stała się przedmiotem dyskusji w Izbie Gmin . Chociaż na mniejszą skalę niż podobne śledztwa w USA, takie obawy doprowadziły do ​​moderacji treści publikowanych w brytyjskich komiksach. Takie umiarkowanie nigdy nie zostało sformalizowane w zakresie ogłoszenia kodeksu, ani nie trwało to długo. Wielka Brytania stworzyła również zdrowy rynek przedruku i przepakowywania materiałów, w szczególności materiałów pochodzących z USA. Brak wiarygodnych dostaw amerykańskich komiksów doprowadził do powstania różnych czarno-białych przedruków, w tym potwornych komiksów Marvela z lat 50., Kapitana Marvela Fawcetta i innych postaci, takich jak Sheena , Mandrake the Magician i Phantom . Kilka firm przedrukowych zaangażowało się w przepakowywanie amerykańskiego materiału na rynek brytyjski, w szczególności importer i dystrybutor Thorpe & Porter . Marvel Comics założył biuro w Wielkiej Brytanii w 1972 roku. DC Comics i Dark Horse Comics również otworzyły biura w latach 90. XX wieku. Przepakowywanie materiałów europejskich zdarzało się rzadziej, chociaż seriale Przygody Tintina i Asterixa zostały z powodzeniem przetłumaczone i przepakowane do książek w miękkiej oprawie. Liczba europejskich komiksów dostępnych w Wielkiej Brytanii wzrosła w ciągu ostatnich dwóch dekad. Założona w 2005 roku brytyjska firma Cinebook wydała przetłumaczone na język angielski wersje wielu europejskich serii.

W latach 80. odrodzenie brytyjskich pisarzy i artystów zyskało na znaczeniu w komiksach głównego nurtu, które w historii komiksu zostało nazwane „ Inwazją Brytyjską ”. Ci pisarze i artyści przynieśli ze sobą własne dojrzałe tematy i filozofię, takie jak anarchia, kontrowersje i polityka, powszechne w brytyjskich mediach. Te elementy utorowałyby drogę dojrzałym, „ciemniejszym i ostrzejszym” komiksom i zapoczątkowały współczesną erę komiksów . Wśród scenarzystów znaleźli się Alan Moore , znany z V jak Vendetta , From Hell , Watchmen , Marvelman i The League of Extraordinary Gentlemen ; Neil Gaiman z mitami Sandmana i Księgami magii ; Warren Ellis , twórca Transmetropolitan i Planetary ; i inni, tacy jak Mark Millar , twórca Wanted i Kick-Ass . Seria komiksów John Constantine, Hellblazer , której akcja rozgrywa się w dużej mierze w Wielkiej Brytanii i której główną rolę gra magik John Constantine , utorowała drogę brytyjskim pisarzom, takim jak Jamie Delano .

Na Boże Narodzenie wydawcy przepakowują i zamawiają materiały do roczników komiksowych , drukowane i oprawiane jako książki formatu A4 w twardej oprawie ; „Rupert” dostarcza słynny przykład brytyjskiego rocznika komiksowego. DC Thomson przepakowuje również paski The Broons i Oor Wullie w książki formatu A4 w miękkiej oprawie na okres świąteczny.

19 marca 2012 r. brytyjska poczta Royal Mail wydała zestaw znaczków z postaciami i serialami brytyjskich komiksów. Kolekcja zawierała The Beano , The Dandy , Eagle , The Topper , Roy of the Rovers , Bunty , Buster , Valiant , Twinkle i 2000 AD .

Komiksy hiszpańskie

Stwierdzono, że XIII-wieczny Cantigas de Santa María można uznać za pierwszy hiszpański „komiks”, chociaż komiksy (znane również w Hiszpanii jako historiatas lub tebeos ) zadebiutowały około 1857 roku. Magazyn TBO miał duży wpływ na popularyzację średni. Po hiszpańskiej wojny domowej , Franco reżim narzuca ścisłą cenzurę we wszystkich mediach: Superhero komiksy zostały zakazane, a w rezultacie, komiks bohaterów zostały na podstawie powieści historycznych (w 1944 roku średniowieczny bohater El Guerrero del Antifaz został stworzony przez Manuel Gago i kolejny popularny średniowieczny bohater, Capitán Trueno , został stworzony w 1956 roku przez Víctora Morę i Miguela Ambrosio Zaragoza ). Dwa wydawnictwa — Editorial Bruguera i Editorial Valenciana — zdominowały hiszpański rynek komiksowy w jego złotym wieku (1950–1970). Najbardziej popularne komiksy pokazał rozpoznawalny styl humoru sytuacyjnego (zmieniony przez autorów francusko-belgijskich, takich jak Franquin ): Escobar 's Carpanta i Zipi y Zape , Vázquez ' s Las HERMANAS Gilda i Anacleto , Ibanez „s Mortadelo y Filemon i 13. Rue del percebe lub Jan „s Superlópez . Po zakończeniu okresu frankistowskiej nastąpił wzrost zainteresowania w komiksach dla dorosłych z czasopism takich jak Totem , El Jueves , 1984 i El Víbora , a prace takie jak Paracuellos przez Carlos Giménez .

Hiszpańscy artyści tradycyjnie pracowali na innych rynkach, odnosząc wielki sukces, czy to w Ameryce (np. laureaci nagrody Eisnera Sergio Aragonés , Salvador Larroca , Gabriel Hernández Walta , Marcos Martín czy David Aja ), brytyjskim (np. Carlos Ezquerra , współtwórca z Judge Dredd ) lub francusko-belgijskiego jednego (np Fauve d'Or zwycięzca Julio Ribera lub blacksad autorów Juan Díaz Canales i Juanjo Guarnido ).

Komiksy włoskie

Hugo Pratt (1927-1995), autor serii komiksów Corto Maltese .

We Włoszech komiksy (po włosku fumetti ) zadebiutowały jako paski humorystyczne pod koniec XIX wieku, a później przekształciły się w opowieści przygodowe. Jednak po II wojnie światowej artyści tacy jak Hugo Pratt i Guido Crepax zaprezentowali włoskie komiksy międzynarodowej publiczności. Bestsellerami pozostają popularne komiksy, takie jak Diabolik czy linia Bonelli – a konkretnie Tex Willer czy Dylan Dog .

Komiksy głównego nurtu są zwykle publikowane co miesiąc, w formacie czarno-białego podsumowania, liczącego około 100 do 132 stron. Powszechne są również kolekcje klasycznych materiałów dla najbardziej znanych postaci, zwykle liczące ponad 200 stron. Komiksy autorskie są publikowane we francuskim formacie BD, na przykład Corto Maltese Pratta .

Włoscy rysownicy pokazują wpływ komiksów z innych krajów, m.in. z Francji, Belgii, Hiszpanii i Argentyny . Włochy słyną również z tego, że są jednym z czołowych producentów komiksów Walta Disneya poza Stanami Zjednoczonymi; Superbohaterskie alter ego Kaczora Donalda , Paperinik , znane po angielsku jako Superduck, powstało we Włoszech.

Komiksy w innych krajach

Dystrybucja

Dystrybucja była historycznie problemem dla branży komiksowej, ponieważ wielu głównych sprzedawców detalicznych odmawiało posiadania ogromnych zapasów najbardziej interesujących i popularnych komiksów. Smartphone i tabletki okazały się być idealnym medium dla dystrybucji online.

Dystrybucja cyfrowa

13 listopada 2007 r. Marvel Comics uruchomił Marvel Digital Comics Unlimited , usługę subskrypcji umożliwiającą czytelnikom czytanie wielu komiksów z historii Marvela w Internecie. Usługa obejmuje również okresowe wypuszczanie nowych komiksów niedostępnych nigdzie indziej. Wraz z wydaniem Avenging Spider-Man #1, Marvel stał się również pierwszym wydawcą, który udostępnił darmowe kopie cyfrowe jako część drukowanej kopii komiksu.

Wraz z rosnącą popularnością smartfonów i tabletów wielu dużych wydawców zaczęło wydawać tytuły w formie cyfrowej. Najpopularniejszą platformą jest comiXology . Niektóre platformy, takie jak Graphicly , zostały wyłączone.

Kolekcje komiksów w bibliotekach

Wiele bibliotek posiada obszerne kolekcje komiksów w formie powieści graficznych. Dla wielu osób jest to wygodny sposób na zapoznanie się z medium.

Księga rekordów Guinnessa

W 2015 roku japoński artysta manga Eiichiro Oda został uhonorowany tytułem Guinness World Records za posiadanie „Największej liczby opublikowanych egzemplarzy tej samej serii komiksów przez jednego autora”. Jego manga One Piece , którą pisze i ilustruje, ukazywała się w odcinkach w japońskim magazynie Weekly Shōnen Jump od grudnia 1997 roku, a do 2015 roku wydano 77 zebranych tomów . Rekordy Guinnessa podały w swoim ogłoszeniu, że zebrane tomy serii sprzedały się w sumie 320 866 000 sztuk. One Piece posiada również tytuł Guinness World Records za "Najwięcej kopii tej samej serii mangi".

5 sierpnia 2018 r. tytuł Księgi Rekordów Guinnessa za „Największy komiks, jaki kiedykolwiek opublikowano” został przyznany brazylijskiemu komiksowi Turma da Mônica — O Maior Gibi do Mundo! , wydana przez Panini Comics Brasil i Mauricio de Sousa Produções . Komiks ma wymiary 69,9 cm na 99,8 cm (2 stopy 3,51 cala na 3 stopy 3,29 cala). 18-stronicowy komiks miał nakład 120 egzemplarzy.

Wraz z opublikowaniem w lipcu 2021 roku 201. zebranego tomu mangi Golgo 13 , japoński artysta manga Takao Saito otrzymał tytuł Guinness World Records za „Większość tomów opublikowanych w jednej mandze”. Golgo 13 jest stale ukazany w odcinkach w japońskim magazynie Big Comic od października 1968 roku, co czyni go również najstarszą mangą wciąż publikowaną.

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki