Historia mangi - History of manga

Chōjū-giga (XII w.), tradycyjnie przypisywany mnichowi-artyście Kakuyū ( Toba Sōjo )
Zdjęcie kąpiących się z mangi Hokusai .

Historia mangi mówi się, że pochodzą z przewija sięga 12 wieku, i uważa się, stanowią one podstawę do stylu czytania od prawej do lewej. Słowo to po raz pierwszy weszło do powszechnego użytku pod koniec XVIII wieku. Manga to japoński termin, który można przetłumaczyć jako „komiks”; Historycy i pisarze zajmujący się historią mangi opisali dwa szerokie i uzupełniające się procesy kształtujące współczesną mangę. Ich poglądy różnią się pod względem względnego znaczenia, jakie przypisują roli wydarzeń kulturowych i historycznych po II wojnie światowej w porównaniu z rolą kultury i sztuki przedwojennej, Meiji oraz japońskiej kultury i sztuki sprzed Meiji .

Jeden pogląd reprezentowany przez innych pisarzy, takich jak Frederik L. Schodt , Kinko Ito i Adam L. Kern, podkreśla ciągłość japońskich tradycji kulturowych i estetycznych, w tym kultury i sztuki przedwojennej, Meiji oraz przed-Meiji . Drugi pogląd podkreśla wydarzenia mające miejsce podczas i po okupacji Japonii przez aliantów (1945–1952) i podkreśla, że ​​manga była silnie ukształtowana przez wpływy kultury Stanów Zjednoczonych , w tym amerykańskie komiksy przywiezione do Japonii przez żołnierzy oraz obrazy i motywy z USA. telewizja, film i bajki (zwłaszcza Disney ). Według Sharon Kinselli , kwitnący japoński przemysł wydawniczy pomógł stworzyć społeczeństwo zorientowane na konsumenta, w którym giganci wydawniczy, tacy jak Kodansha, mogli kształtować popularne gusta.

Przed II wojną światową

Mówi się, że manga pochodzi ze zwojów z XII i XIII wieku. W okresie Edo (1603-1867) inna księga rysunków, Toba Ehon , zawierała pojęcie mangi. Słowo weszło do powszechnego użytku pod koniec 18 wieku z publikacji takich dzieł jak Santo Kyōden „s Picturebook Shiji bez yukikai (1798), a na początku 19 wieku z takich dzieł jak Aikawa Minwa za Manga hyakujo (1814) oraz słynne książki Hokusai Manga (1814–1834) zawierające różne rysunki ze szkicowników słynnego artysty ukiyo-e Hokusai, który żył w latach 1760–1849. Rakuten Kitazawa (1876-1955) po raz pierwszy użył słowa „manga” we współczesnym znaczeniu. Innym przykładem z pierwszej połowy XVIII wieku może być „Dehōdai mucharon” z 1822 roku z rycinami Hiroshige , który zilustrował kilka tego rodzaju książek w latach 1820-1837.

Japońska ilustracja drewnianego klocka z XIX wieku

Pisarze podkreślają ciągłość japońskich tradycji kulturowych i estetycznych jako kluczowe dla historii mangi. Należą do nich Frederik L. Schodt , Kinko Ito, Adam L. Kern i Eric Peter Nash. Schodt wskazuje na istnienie w XIII wieku ilustrowanych zwojów obrazów, takich jak Chōjū-jinbutsu-giga, które opowiadały historie w sekwencyjnych obrazach z humorem i dowcipem. Schodt podkreśla również ciągłość estetycznego stylu i wizji pomiędzy drzeworytami ukiyo-e i shunga a nowoczesną mangą (wszystkie trzy spełniają kryteria Eisnera dla sztuki sekwencyjnej). Chociaż istnieją spory, czy Chōjū-jinbutsu-giga czy Shigisan-engi były pierwszą mangą, oba zwoje pochodzą z mniej więcej tego samego okresu. Jednak inni, tacy jak Isao Takahata , współzałożyciel i reżyser Studio Ghibli , twierdzą, że nie ma związku ze zwojami i współczesną mangą.

Schodt i Nash widzą również szczególnie istotną rolę dla kamishibai , formy teatru ulicznego, w którym wędrowni artyści wyświetlali obrazy w lightboxie , opowiadając historię publiczności na ulicy. Torrance wskazał na podobieństwa między współczesną mangą a popularną powieścią Osaki w latach 1890-1940 i twierdzi, że rozwój powszechnej umiejętności czytania i pisania w Meiji i Japonii post-Meiji pomógł stworzyć odbiorców opowieści opowiedzianych słowami i obrazami. Kinko Ito również historycznie zakorzenia mangę w estetycznej ciągłości ze sztuką sprzed epoki Meiji, ale postrzega jej powojenną historię jako napędzaną częściowo entuzjazmem konsumentów dla bogatych obrazów i narracji nowo rozwijającej się tradycji mangi. Ito opisuje, jak ta tradycja stale wytworzyła nowe gatunki i rynki, np. dla dziewczęcej mangi ( shōjo ) w późnych latach sześćdziesiątych i dla Ladies Comics ( redisu ) w latach osiemdziesiątych.

Hokusai Manga (początek XIX wieku)

Kern zasugerował, że kibyoshi , książki z obrazkami z końca XVIII wieku, mogły być pierwszymi komiksami na świecie . Te narracje graficzne dzielą się z nowoczesnymi motywami humorystycznymi, satyrycznymi i romantycznymi. Chociaż Kern nie wierzy, że kibyoshi były bezpośrednim prekursorem mangi, dla Kerna istnienie kibyoshi wskazuje jednak na gotowość Japończyków do mieszania słów i obrazów w popularnym medium opowiadania historii. Pierwsze odnotowane użycie terminu „manga” w znaczeniu „kapryśnych lub improwizowanych obrazów” pochodzi z tej tradycji w 1798 roku, która, jak zauważa Kern, wyprzedza o kilkadziesiąt lat lepiej znane użycie Hokusai Mangi przez Katsushika Hokusai .

Ilustrowane czasopisma dla zachodnich emigrantów wprowadziły do ​​Japonii karykatury satyryczne w stylu zachodnim pod koniec XIX wieku. Popularne stały się nowe publikacje zarówno w stylu zachodnim, jak i japońskim, a pod koniec lat 90. XIX wieku w Japonii zaczęły pojawiać się dodatki do gazet w stylu amerykańskim, a także niektóre komiksy amerykańskie. W 1900 roku zadebiutowała Jiji Manga w gazecie Jiji Shinpō – pierwsze użycie słowa „manga” w jego współczesnym znaczeniu, a w 1902 roku Rakuten Kitazawa rozpoczął pierwszy współczesny japoński komiks. W latach 30. komiksy były ukazujące się w odcinkach w wielkonakładowych miesięcznikach dla dziewcząt i chłopców i zbierane w tomy w twardej oprawie.

Podobnie, Inoue postrzega mangę jako mieszankę elementów skoncentrowanych na obrazie i słowie, z których każdy pochodzi sprzed okupacji Japonii przez aliantów. Jego zdaniem, japońska sztuka skoncentrowana na obrazie lub „piktocentryczna” ostatecznie wywodzi się z długiej historii zaangażowania Japonii w chińską grafikę, podczas gdy skoncentrowana na słowie lub „logocentryczna” sztuka, tak jak powieść, była stymulowana przez społeczne i ekonomiczne potrzeby Meiji i przedwojenny japoński nacjonalizm dla ludności zjednoczonej wspólnym językiem pisanym. Oba łączą się w to, co Inoue postrzega jako symbiozę w mandze.

Korzenie szerokookiego spojrzenia powszechnie kojarzonego z mangą sięgają ilustracji magazynów shōjo z końca XIX do początku XX wieku. Najważniejszymi ilustratorami związanymi z tym stylem w tamtym czasie byli Yumeji Takehisa, a zwłaszcza Jun'ichi Nakahara , który pod wpływem swojej pracy jako twórcy lalek, na początku XX wieku często rysował postacie kobiece o dużych oczach. Miało to znaczący wpływ na wczesną mangę, szczególnie mangę shōjo , co widać w pracach wpływowych artystów mangi, takich jak Macoto Takahashi i Riyoko Ikeda .

Jednak inni pisarze, tacy jak Takashi Murakami , podkreślali wydarzenia po II wojnie światowej, ale Murakami widzi kapitulację Japonii i bombardowanie atomowe Hiroszimy i Nagasaki jako stworzenie długotrwałych blizn na japońskiej psychice artystycznej, która z tego punktu widzenia utraciła swoją wcześniejszą męskość. pewność siebie i szukała pocieszenia w nieszkodliwych i uroczych ( kawaii ) obrazach. Jednak Takayumi Tatsumi widzi szczególną rolę dla transpacyficznego transnacjonalizmu gospodarczego i kulturowego, który stworzył postmodernistyczną i wspólną międzynarodową kulturę młodzieżową , obejmującą rysowanie kreskówek, film, telewizję, muzykę i pokrewną sztukę popularną, która była dla Tatsumi tyglem, w którym współczesna manga ma opracowany wraz z Norakuro

Według Murakamiego i Tatsumi transnacjonalizm (lub globalizacja) odnosi się konkretnie do przepływu materiału kulturowego i subkulturowego z jednego narodu do drugiego. W ich użyciu termin ten nie odnosi się do międzynarodowej ekspansji korporacyjnej, ani do międzynarodowej turystyki, ani do transgranicznych międzynarodowych osobistych przyjaźni, ale do sposobów, w jakie tradycje artystyczne, estetyczne i intelektualne wpływają na siebie nawzajem ponad granicami narodowymi. Przykładem kulturowego transnacjonalizmu jest tworzenie filmów o Gwiezdnych Wojnach w USA, ich przekształcenie w mangę przez japońskich artystów oraz sprzedaż mangi Gwiezdnych Wojen w USA. Innym przykładem jest transfer kultury hip-hopowej z USA do Japonii. Wong dostrzega również ważną rolę transnacjonalizmu w najnowszej historii mangi.

Tak więc uczeni ci widzą historię mangi jako obejmującą historyczne ciągi i nieciągłości między przeszłością estetyczną i kulturową, ponieważ wchodzi w interakcję z powojennymi innowacjami i transnacjonalizmem.

Po II wojnie światowej

Po II wojnie światowej japońscy artyści ożywili swój własny styl w latach okupacji (1945–1952) i postokupacyjnych (1952–wczesne lata 60.), kiedy wcześniej militarystyczna i ultranacjonalistyczna Japonia odbudowywała swoją infrastrukturę polityczną i gospodarczą. Chociaż polityka alianckiej cenzury okupacyjnej wyraźnie zabraniała sztuki i pisania gloryfikujących wojnę i japoński militaryzm, polityka ta nie zapobiegała publikowaniu innych rodzajów materiałów, w tym mangi. Co więcej, japońska konstytucja z 1947 r. (art. 21) zabroniła wszelkich form cenzury. Jednym z rezultatów był wzrost twórczości artystycznej w tym okresie. Na czele tego okresu są dwie mangi i postacie, które wpłynęły na przyszłą historię mangi. Są Osamu Tezuka „s Mighty Atom ( Astro Boy w Stanach Zjednoczonych, rozpoczęto w 1951 roku) i Machiko Hasegawa za Sazae-san (rozpoczęte w 1946).

Astro Boy był zarówno robotem o supermocy, jak i naiwnym małym chłopcem. Tezuka nigdy nie wyjaśniła, dlaczego Astro Boy miał tak wysoko rozwiniętą świadomość społeczną ani jaki rodzaj programowania robotów może sprawić, że będzie tak głęboko powiązany. Oba wydają się wrodzone dla Astro Boya i reprezentują japońską społeczność i męskość zorientowaną na społeczność, różniącą się bardzo od kultu cesarza i militarystycznego posłuszeństwa narzuconego w poprzednim okresie japońskiego imperializmu. Astro Boy szybko stał się (i pozostaje) niezwykle popularny w Japonii i gdzie indziej jako ikona i bohater nowego świata pokoju i wyrzeczenia się wojny, co widać również w art. 9 japońskiej konstytucji. Podobne motywy pojawiają się w Nowym Świecie i Metropolii Tezuki .

Natomiast Sazae-san (co znaczy „Pani Sazae”) została narysowana od 1946 roku przez Machiko Hasegawę, młodą artystkę, która uczyniła swoją bohaterkę zastępcą milionów Japończyków, a zwłaszcza kobiet pozbawionych dachu nad głową przez wojnę. Sazae-san nie ma łatwego i prostego życia, ale podobnie jak Astro Boy, ona też jest bardzo przyjazna i jest głęboko zaangażowana w swoją najbliższą i dalszą rodzinę. Jest także bardzo silną postacią, w uderzającym kontraście z oficjalnie usankcjonowanymi neokonfucjańskimi zasadami kobiecej łagodności i posłuszeństwa ideałowidobrej żony, mądrej matki ” (良妻賢母, ryosai kenbo ) nauczanego przez poprzedni reżim wojskowy. Sazae-san stawia czoła światu z radosną odpornością, którą Hayao Kawai nazywa „kobietą wytrzymałości”. Sazae-san sprzedała się w ponad 62 milionach egzemplarzy przez następne pół wieku.

Tezuka i Hasegawa byli także innowatorami stylistycznymi. W technice „kinematograficznej” Tezuki panele przypominają film, który ujawnia szczegóły akcji z pogranicza zwolnionego tempa, a także szybkie zbliżenia z odległości po zbliżenia. Co ważniejsze, Tezuka zsynchronizowała umieszczenie panelu z prędkością przeglądania czytnika, aby symulować ruchome obrazy. Stąd w produkcji mangi, podobnie jak w produkcji filmowej, osoba decydująca o przydziale paneli (Komawari) jest uznawana za autora, podczas gdy większość rysunków jest wykonywana przez asystentów. Ten rodzaj wizualnej dynamiki został szeroko zaadoptowany przez późniejszych artystów mangi . Skupienie Hasegawy na codziennym życiu i doświadczeniach kobiet również stało się charakterystyczne dla późniejszej mangi shōjo .

W latach 1950-1969 w Japonii pojawiła się coraz większa publiczność mangi wraz z utrwaleniem dwóch głównych gatunków marketingowych, shōnen manga skierowanej do chłopców i shōjo manga skierowanej do dziewcząt. Do 1969 shōjo manga była rysowana głównie przez dorosłych mężczyzn dla młodych czytelniczek.

Dwie bardzo popularne i wpływowe mangi autorstwa mężczyzn dla dziewcząt z tego okresu to Ribon no Kishi Tezuki z lat 1953-1956 ( Księżniczka Rycerz lub Rycerz w Wstążkach ) oraz Mitsuteru Yokoyama z 1966 Mahōtsukai Sarii ( Mała Czarownica Sally ). Ribon no Kishi opowiadał o przygodach księżniczki Sapphire z fantastycznego królestwa, która urodziła się z męskimi i żeńskimi duszami i której walki i romanse wymachujące mieczem zacierały granice sztywnych ról płciowych. Sarii, przed-nastoletnia bohaterka Mahōtsukai Sarii, przybyła ze swojego domu w magicznych krainach, aby żyć na Ziemi, chodzić do szkoły i wykonywać różne magiczne dobre uczynki dla swoich przyjaciół i kolegów ze szkoły. Yokoyama Mahōtsukai Sarii był pod wpływem amerykańskiego sitcomu telewizyjnego Bewitched , ale w przeciwieństwie do Samanthy, głównej bohaterki Bewitched , zamężnej kobiety z własną córką, Sarii jest nastolatką, która boryka się z problemami dorastania i opanowania obowiązków związanych z nadchodzącą dorosłością. . Mahōtsukai Sarii pomógł stworzyć bardzo popularny obecnie podgatunek mahō shōjo lub " magiczna dziewczyna " późniejszej mangi. Obie serie były i nadal są bardzo popularne.

Shōjo manga

W 1969 roku zadebiutowała grupa artystek mangi nazwana później The Year 24 Group (znana również jako Magnificent 24s ) w shōjo manga (rok 24 pochodzi od japońskiej nazwy oznaczającej rok 1949, kiedy wielu z tych artystek się urodziło). W skład grupy wchodzili Hagio Moto , Riyoko Ikeda , Yumiko Ōshima , Keiko Takemiya i Ryoko Yamagishi i byli oni pierwszym ważnym wejściem artystek do mangi. Następnie shōjo manga była rysowana głównie przez artystki dla publiczności złożonej z dziewcząt i młodych kobiet.

W 1971 roku Ikeda rozpoczęła swoją niezwykle popularną mangę shōjo Berusaiyu no Bara ( Róża Wersalu ), historię Oscara François de Jarjayes , przebieranki, która była kapitanem Straży Pałacowej Marii Antoniny w przedrewolucyjnej Francji. W końcu Oscar ginie jako rewolucjonista prowadzący szarżę swoich oddziałów na Bastylię. Podobnie twórczość Hagio Moto podważyła neokonfucjańskie ograniczenia ról i działań kobiet, tak jak w 1975 They Were Eleven , opowiadania science fiction shōjo o młodej kadecie przyszłej akademii kosmicznej.

Te artystki stworzyły też spore innowacje stylistyczne. Skupiając się na wewnętrznych doświadczeniach i uczuciach bohaterki, shōjo manga to „poematy obrazkowe” o delikatnych i złożonych projektach, które często całkowicie eliminują granice paneli, aby stworzyć dłuższe, nienarracyjne przedłużenia czasu. Wszystkie te innowacje – silne i niezależne postacie kobiece, intensywna emocjonalność i złożony design – pozostają charakterystyczne dla mangi shōjo do dnia dzisiejszego.

Shōjo manga i komiksy damskie od 1975 do dziś

W następnych dekadach (1975-obecnie), shōjo manga nadal rozwijała się stylistycznie, jednocześnie ewoluując różne, ale nakładające się podgatunki. Główne podgatunki obejmowały romanse, superbohaterki i „Ladies Comics” (po japońsku redisuレディース, redikomiレディコミ i josei女性), których granice są czasami nie do odróżnienia od siebie i shōnen manga.

We współczesnym romansie shōjo manga miłość jest głównym tematem osadzonym w emocjonalnie intensywnych narracjach samorealizacji. Eri Izawa, japońska krytyk manga/ anime , definiuje romans jako symbol „emocjonalnego, wielkiego, epickiego; smaku heroizmu, fantastycznej przygody i melancholii; namiętnej miłości, osobistych zmagań i wiecznej tęsknoty” ułożonych w wyobraźnię, indywidualizm i namiętne ramy narracyjne. Romanse te są czasami długimi narracjami, które potrafią radzić sobie z rozróżnieniem między fałszywą a prawdziwą miłością, radzeniem sobie ze stosunkiem seksualnym i dorastaniem w ambiwalentnym świecie, tematami odziedziczonymi przez kolejne animowane wersje opowieści. Te „dorastanie” lub motywy Bildungsroman pojawiają się zarówno w shōjo, jak i shōnen manga.

W Bildungsroman The bohater musi radzić sobie z przeciwnościami losu i konfliktów oraz przykłady w shōjo manga konfliktu romantyczny są wspólne. Obejmują one Miwa Ueda 's Peach Dziewczyna , Fuyumi Sōryō ' s Mars i dla starszych czytelników, Moyoco Anno 's Szczęśliwa Mania , Yayoi Ogawa za Tramps Like Us i Ai Yazawa ' s Nana . W innym shōjo manga Bildungsroman narracja urządzenia, młoda bohaterka jest transportowany do miejsca obcej lub czasie, gdzie spotyka obcych i musi przetrwać na własną rękę (w tym Hagio Moto jest Byli Eleven , Kyoko Hikawa użytkownika z daleka , Yu Watase „s Fushigi Yugi: Tajemnicza play i Chiho Saito „s świat istnieje dla mnie ).

Jeszcze inne takie urządzenie polega na spotykaniu niezwykłych lub dziwnych ludzi i istot, na przykład Kosz Owoców Natsuki Takaya – jedna z najpopularniejszych mang shōjo w Stanach Zjednoczonych – której osierocona bohaterka Tohru musi przetrwać, żyjąc w lesie w domu pełnym ludzie, którzy potrafią przekształcić się w zwierzęta chińskiego zodiaku . W Harako Iida's Crescent Moon bohaterka Mahiru spotyka grupę nadprzyrodzonych istot, by w końcu odkryć, że ona sama też ma nadprzyrodzone pochodzenie, kiedy ona i młody demon tengu zakochują się w sobie.

Wraz z superbohaterkami shōjo manga nadal odrywała się od neokonfucjańskich norm kobiecej łagodności i posłuszeństwa. Naoko Takeuchi „s Sailor Moon ( bishōjo Senshi Sēramūn :«Pretty opiekun Sailor Moon») jest trwały, 18-tomowa opowieść o grupie młodych bohaterek jednocześnie bohaterskich i introspekcji, aktywnych i emocjonalnych, obowiązkowy i ambitnych. Połączenie okazało się niezwykle udane, a Sailor Moon stała się popularna na całym świecie zarówno w formatach manga, jak i anime. Innym przykładem jest CLAMP „s Wojowniczki z Krainy Marzeń , którego trzy młode bohaterki, Hikaru, Umi i Fuu, magicznie transportowane do świata Cefiro aby stać uzbrojony magicznych wojowników w służbie oszczędności Cefiro z wrogami wewnętrznymi i zewnętrznymi.

Superheroine podgatunek także szeroko rozwinięte pojęcie zespołów ( Sentai ) dziewcząt pracujących razem, jak „Sailor Senshi” w Sailor Moon , magia rycerzy w Wojowniczki z Krainy Marzeń i dziewcząt Mew Mew od Mia Ikumi „s Tokyo Mew Mew . Dziś, szablon superheroine narracja została szeroko stosowane i parodiował w shōjo manga tradycji (np Nao Yazawa „s Wedding Peach i Hyper Rune przez Tamayo Akiyama ) i na zewnątrz tej tradycji, na przykład, w bishōjo komediach takich jak Kanan za Galaxy Anioła .

W połowie lat 80. i później, gdy dziewczęta, które jako nastolatki czytały shōjo manga, dojrzewały i wchodziły na rynek pracy, shōjo manga opracowała podgatunki skierowane do kobiet w wieku 20 i 30 lat. Ten „Komiks damski” lub podgatunek redisu - josei poruszał tematykę młodszej dorosłości: pracę, emocje i problemy związane ze stosunkiem seksualnym oraz przyjaźnie lub miłość między kobietami.

Redisu manga zachowuje wiele stylistyki narracyjnej mangi shōjo, ale została narysowana i napisana dla dorosłych kobiet. Redisu manga i sztuka często, choć nie zawsze, były wyraźnie seksualnie, ale treść została w charakterystyczny sposób osadzona w tematycznych narracjach przyjemności i podniecenia erotycznego połączonego z ryzykiem emocjonalnym. Przykłady obejmują Ryo Ramiya „s Luminous Dziewczyny , Masako Watanabe ” s Kinpeibai i pracy Shungicu Uchida Innym podgatunek shôjo - redisu zajmuje mangi z emocjonalnych i seksualnych relacji między kobietami ( akogare i Yuri ), w pracy przez Erica Sakurazawa , Ebine Yamaji , i Chiho Saito . Inne podgatunki z shôjo - redisu manga opracowali również, na przykład odzież ( Oshare ) manga, jak Ai Yazawa jest Paradise Kiss i grozy wampira gotyckim manga, jak Matsuri Hino jest wampira skoczka , Kaori Yuki „s Cain Saga i Mitsukazu Mihara „s DOLL , które współdziałają z modą ulicy, kostium zaawansowania ( " cosplay "), J-pop muzyki i gotyckiej subkultury na różne sposoby.

Na początku XXI wieku manga dla kobiet i dziewcząt reprezentowała szerokie spektrum materiałów dla dzieci w wieku przed- i wczesnej młodości po materiały dla dorosłych kobiet.

Shōnen , seinen i seijin manga

Mangę dla czytelników płci męskiej można scharakteryzować na różne sposoby. Jednym z nich jest wiek docelowej publiczności: chłopcy do 18 lat ( shōnen manga) i młodzi mężczyźni w wieku od 18 do 30 lat ( seinen manga). Inne podejście opiera się na treści, w tym przygodowych grach akcji, często z udziałem męskich bohaterów, slapstickowym humorze, motywach honoru, a czasem wyraźnym seksie. Japoński używa różnych kanji dla dwóch blisko spokrewnionych ze sobą znaczeń „seinen” – 青年 dla „młodzież, młody człowiek” i 成年 dla „dorosły, większość” – drugie odnosi się do pornograficznej mangi skierowanej do dorosłych mężczyzn, zwanej także seijin („dorosły”,成人) manga. Shōnen , seinen i seijin manga mają wiele wspólnych cech.

Chłopcy i młodzi mężczyźni byli jednymi z pierwszych czytelników mangi po II wojnie światowej. Od lat pięćdziesiątych shōnen manga skupiała się na tematach, które uważano za interesujące dla archetypowego chłopca: tematy sci-tech, takie jak roboty i podróże kosmiczne, oraz heroiczna przygodowa gra akcji. Wczesne narracje shōnen i seinen manga często przedstawiały wyzwania dla zdolności, umiejętności i dojrzałości bohatera, podkreślając samodoskonalenie, surową samodyscyplinę, poświęcenie w sprawie obowiązku i honorową służbę społeczeństwu, społeczności, rodzinie i przyjaciołom.

Manga z samotnymi superbohaterami w kostiumach, takimi jak Superman , Batman i Spider-Man, nie stała się popularna jako gatunek shōnen . Wyjątkiem jest Kia Asamiya „s Batman: Dziecko snów , wydana w USA przez DC Comics oraz w Japonii przez wydawnictwo Kodansha . Jednak samotni antybohaterów wystąpić w Takao Saito „s Golgo 13 i Koike i Kojimy Samotny wilk i szczenię . Golgo 13 opowiada o zabójcy, który wykorzystuje swoje umiejętności w służbie światowemu pokojowi i innym celom społecznym, a Ogami Itto, szermierz-bohater Samotnego Wilka i Szczeniaczka , jest wdowcem opiekującym się swoim synem Daigoro, gdy szuka zemsty na swojej żonie. mordercy. Jednak Golgo i Itto pozostają mężczyznami przez cały czas i żaden z nich nigdy nie wykazuje supermocy. Zamiast tego, te historie „podróżują do ludzkich serc i umysłów”, pozostając na płaszczyźnie ludzkiej psychiki i motywacji.

Wiele shōnen manga ma motywy science fiction i technologii. Wczesne przykłady w podgatunku robotów obejmowały Astro Boy Tezuki ( patrz wyżej ) i Fujiko F. Fujio Doraemon z 1969 roku , o kocie-robocie i chłopcu, z którym mieszka, który był skierowany do młodszych chłopców. Temat robota ewoluował znacznie, od Tetsujin 28-go Mitsuteru Yokoyamy z 1956 roku do późniejszych, bardziej złożonych historii, w których protagonista musi nie tylko pokonywać wrogów, ale także nauczyć się panować nad sobą i współpracować z kontrolowanym przez siebie mechem. Tak więc, w Neon Genesis Evangelion przez Yoshiyuki Sadamoto Shinji zmaga się z wrogiem i przeciw ojcu, aw Wizji Escaflowne przez Katsu Aki , Van sprawia, że nie tylko wojnę imperium Dornkirk, ale musi radzić sobie z jego skomplikowanych uczuć do Hitomi, bohaterki.

Motywy sportowe są również popularne w mandze wśród czytelników płci męskiej. Historie te podkreślają samodyscyplinę, ukazując nie tylko emocje sportowej rywalizacji, ale także cechy charakteru, których bohater potrzebuje, aby przekroczyć swoje ograniczenia i zwyciężyć. Przykładami są boks ( Tetsuya Chiba 1968-1973 Tomorrow Joe i Rumiko Takahashi One-Pound Gospel z 1987 r. ) i koszykówka ( Slam Dunk Takehiko Inoue z 1990 r .).

Innym źródłem wątków akcji i przygód w shōnen i niektórych shōjo manga, w których bohater musi sprostać wyzwaniom, były nadprzyrodzone ustawienia. Czasami bohater nie powiedzie się, jak w Tsugumi Ohba i Takeshi Obata „s Death Note , gdzie bohater Light Yagami otrzyma notebooka od śmierci Boga ( Shinigami ), który zabija każdego, którego nazwa jest w nim napisane, a w shōjo manga przykład Hakase Mizuki jest demoniczny Ororon , którego bohater porzuca demoniczny królestwo piekieł, by żyć i umrzeć na ziemi. Czasami sam bohater jest nadprzyrodzone, jak Kohta Hirano „s Hellsing , którego wampir bohater alucard razy odrodzić nazistów Hellbent podbić Anglię, ale bohater może być również (lub był) człowiekiem, walczy coraz eskalacji serii nadnaturalnych wrogów ( Hiromu Arakawa "s Fullmetal Alchemist , Nobuyuki Anzai jest Płomień Recca i Tite Kubo jest wybielacza ).

Wojskowe opowieści przygodowe osadzone we współczesnym świecie, na przykład o II wojnie światowej, nadal są podejrzane o gloryfikację japońskiej imperialnej historii i nie stały się znaczącą częścią repertuaru shōnen manga. Niemniej opowieści o fantasy czy historycznej przygodzie militarnej nie były napiętnowane, a manga o bohaterskich wojownikach i sztukach walki cieszyła się ogromną popularnością. Niektóre z nich są poważne dramaty, jak Sanpei Shirato 's The Legend of Kamui i Rurouni Kenshin przez Nobuhiro Watsuki , ale inni zawierać elementy mocno humorystyczne, jak Akira Toriyama ' s Dragon Ball .

Chociaż istnieją opowieści o współczesnej wojnie i jej broni, dotyczą one w takim samym stopniu psychologicznych i moralnych problemów wojny, jak i zwykłej strzelaniny. Przykłady obejmują Seiho Takizawa za Who Fighter , to opowieść o Joseph Conrad „s story Jądrze ciemności na temat zestawu renegat japoński pułkownik WWII Birmie, Kaiji Kawaguchi ” s The Silent Służby , o japońskiej łodzi podwodnej jądrowej oraz Motofumi Kobayashi „s Cat Shit One , o wojnie w Wietnamie opowiadane w gadającym formacie zwierzęcym . Inne walka i walka zorientowanych manga czasami skupić się na spiski kryminalnych i szpiegowskich zostać przezwyciężone przez głównego bohatera, tak jak w Crying Freeman przez Kazuo Koike i Ryōichi Ikegami , miasta Hunter przez Hojo Tsukasa , a shôjo serii Z Eroica z Miłością przez Yasuko Aoike , długotrwała opowieść o szpiegostwie kryminalnym, łącząca przygodę, akcję i humor (i kolejny przykład tego, jak te motywy występują w różnych grupach demograficznych).

Dla krytyków mangi, Kojiego Aihary i Kentaro Takekumy, takie historie bitewne bez końca powtarzają te same bezmyślne tematy przemocy, które sardonicznie nazywają „Shonen Manga Plot Shish Kebob”, gdzie walki następują po walkach jak mięso nadziane na patyk. Inni komentatorzy sugerują, że sekwencje walki i przemoc w komiksach służą jako społeczne ujście dla skądinąd niebezpiecznych impulsów. Shōnen-manga i jej skrajne wojownika zostało parodiował, na przykład, w Mine Yoshizaki „s Screwball comedy sierż. Żaba ( Keroro Gunso ), opowiada o plutonie leniwych żab z kosmosu, które najeżdżają Ziemię i kończą za darmo z rodziną Hinata w Tokio.

Seks i role kobiet w mandze dla mężczyzn

We wczesnej shōnen manga mężczyźni i chłopcy odgrywali wszystkie główne role, przy czym kobiety i dziewczęta miały jedynie pomocnicze miejsca jako siostry, matki, a czasami dziewczyny. Z dziewięciu cyborgów w Cyborgu 009 Shotaro Ishinomori z 1964 roku , tylko jeden jest kobietą i wkrótce znika z akcji. Niektóre nieco niedawne shōnen manga praktycznie pomijają kobiety, np. opowieść o sztukach walki Baki the Grappler autorstwa Itagakiego Keisuke i nadprzyrodzona fantazja Sand Land autorstwa Akiry Toriyamy . Jednak w latach osiemdziesiątych dziewczęta i kobiety zaczęły odgrywać coraz ważniejsze role w shōnen manga, na przykład w Dr. Slump Toriyamy z 1980 roku , którego główną bohaterką jest psotna i potężna dziewczyna-robot Arale Norimaki .

Rola dziewcząt i kobiet w mandze dla czytelników płci męskiej znacznie ewoluowała od czasu Arale. Jedna klasa to ładna dziewczyna ( bishōjo ). Czasami kobieta jest nieosiągalna, ale generalnie jest obiektem emocjonalnego i seksualnego zainteresowania bohatera, jak Belldandy z Oh My Goddess! autorstwa Kōsuke Fujishimy i Shao-lin z Guardian Angel Getten autorstwa Minene Sakurano . W innych historii, bohater jest otoczony takich dziewcząt i kobiet, podobnie jak w Negima przez Ken Akamatsu i Hanaukyo Maid Zespół przez Morishige . Męski bohater nie zawsze uda się stworzyć związek z kobietą, na przykład podczas Bright Honda i Aimi Komori nie więzi w cień Bożej przez Masakazu Katsura . W innych przypadkach, czynności seksualne Udana para są przedstawione lub domniemanych, jak Outlanders przez Johji Manabe . Inne historie wyposażone początkowo naiwny bohater następnie nauczyć się radzić sobie i żyć z kobietami emocjonalnie i seksualnie, jak Yota w Video Girl Ai przez Masakazu Katsura , pociąg Człowiek w pociągu Człowiek: Densha otoko przez Hidenori Hara i Makoto w Futari Ecchi przez Katsu Aki . W erotycznej mangi ( seijin manga), często nazywane hentai manga w USA, stosunki seksualne jest brane za pewnik i przedstawiono wyraźnie, jak w pracy przez Toshiki Yui i were-Slut przez Jiro Chiba i Slut Dziewczyna przez Isutoshi . Rezultatem jest szereg przedstawień chłopców i mężczyzn, od naiwnych do bardzo przyzwyczajonych seksualnie.

Ciężko uzbrojone wojowniczki ( sentō bishōjo ) reprezentują inną klasę dziewcząt i kobiet w mandze dla męskich czytelników. Niektóre Sento bishōjo są cyborgi bojowe, jak Alita z bitwy: Angel Alita autorstwa Yukito Kishiro , Motoko Kusanagi z Masamune Shirow 's Ghost in the Shell i Chise z Shin Takahashi ' s Saikano . Inne są ludzkie, jak Attim M-Żaka z Hiroyuki Utatane 's Serafickiego Feather , Johji Manabe za Karula Olzen od Drakuun i Alita Forland (Falis) z Sekihiko Inui ' s Murder księżniczki .

Od 2013 r. w Japonii obowiązują krajowe przepisy dotyczące cenzury i lokalne rozporządzenia, a reakcja publiczna na publikację mangi z treściami seksualnymi lub przedstawiającymi nagość jest mieszana. Seriale mają publiczność i dobrze się sprzedają, ale ich publikacja również spotyka się ze sprzeciwem. Na początku lat 90. opozycja zaowocowała powstaniem szkodliwych list mang i zmianą w branży wydawniczej. W tym czasie duzi wydawcy stworzyli ogólny popyt na mangę, ale w konsekwencji byli również podatni na opinię publiczną na swoich rynkach. W obliczu krytyki ze strony niektórych grup społecznych i pod presją grup branżowych do samoregulacji, duże wydawnictwa zaprzestały serii takich jak Angel i 1+2=Paradise , podczas gdy mniejsze wydawnictwa, nie tak podatne na te siły, były w stanie wypełnić pustkę.

Wraz z rozluźnieniem cenzury w Japonii po wczesnych latach dziewięćdziesiątych, w mandze przeznaczonej dla czytelników płci męskiej pojawiły się różne formy graficznie narysowanych treści seksualnych, które podobnie występowały w tłumaczeniach na język angielski. Przedstawienia te wahały się od częściowej do całkowitej nagości poprzez dorozumiany i wyraźny stosunek seksualny poprzez sadomasochizm (SM), kazirodztwo , gwałt , a czasem zoofilię (bestialstwo). W niektórych przypadkach, rzepaku i pożądanie, morderstwo motywy przyszedł na czele, jak w Urotsukidōji przez Toshio Maeda i Błękitnego Catalyst od 1994 roku przez Kei Taniguchi, ale te elementy skrajne nie są powszechne w obu ulegającym translacji lub tłumaczona mangi.

Gekiga

Gekiga dosłownie oznacza „obrazy dramatyczne” i odnosi się do formy realizmu estetycznego w mandze. Opowiadanie historii w stylu Gekigi jest zwykle emocjonalnie mroczne, zorientowane na dorosłych, a czasem głęboko brutalne, skupiając się na codziennych realiach życia, często rysowanych w surowy sposób. Gekiga powstała pod koniec lat 50. i 60. częściowo z lewicowego aktywizmu politycznego studentów i klasy robotniczej, a częściowo z estetycznego niezadowolenia młodych artystów mangi, takich jak Yoshihiro Tatsumi, z istniejącą mangą. Przykłady obejmują Sanpei Shirato „s 1959-1962 Chronicles of a Ninja Wojskowego dokonań ( Ninja Bugeichō ), historia Kagemaru, przywódca buntu chłopskiego w w 16 wieku, który zajmował się bezpośrednio z ucisku i walki klasowej, a Hiroshi Hirata ” s Satsuma Gishiden , o powstaniach przeciwko szogunatowi Tokugawa.

Gekiga może być postrzegana jako japoński odpowiednik kultury powieści graficznych dziejącej się w Europie ( Hugo Pratt , Didier Comes , Jacques Tardi ) oraz w USA ( Will Eisners A Contract with God , Art Spiegelmans Maus , prace autobiograficzne Roberta Crumbsa ) i na południu Ameryka ( Alberto Breccia , Hector Oesterheld ). Z tego powodu typowi wydawcy powieści graficznych, jak Drawn & Quarterly i Fantagraphics, zaczęli publikować w ostatnich latach wiele angielskich wersji japońskich hitów Gekiga.

Gdy społeczny protest tych wczesnych lat słabł, gekiga przesunęła się w kierunku społecznie świadomego, dojrzałego dramatu i awangardy. Przykładami są Koike i Kojima Samotny wilk i szczeniak i Akira , apokaliptyczna opowieść o gangach motocyklowych, wojnie ulicznej i niewytłumaczalnych przemianach dzieci przyszłego Tokio. Innym przykładem jest manga MW Osamu Tezuki z 1976 roku , gorzka opowieść o następstwach przechowywania i prawdopodobnie celowego uwolnienia trującego gazu przez amerykańskie siły zbrojne z siedzibą na Okinawie lata po II wojnie światowej. Gekiga i świadomość społeczna, którą ucieleśnia, pozostają żywe we współczesnej mandze. Przykładem jest Ikebukuro West Gate Park z 2001 roku autorstwa Iry Ishidy i Seny Aritou, opowieść o ulicznych bandytach, gwałtach i zemście osadzona na marginesie zamożnej dzielnicy Ikebukuro w Tokio.

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

Bibliografia

Zewnętrzne linki