Opera włoska - Italian opera

Wnętrze opery La Fenice w Wenecji w 1837 roku. Wenecja była obok Florencji i Rzymu jedną z kolebek włoskiej opery.

Opera włoska jest zarówno sztuką operową we Włoszech, jak i operą w języku włoskim . Opera narodziła się we Włoszech około 1600 roku i do dziś dominującą rolę w historii tej formy odgrywa opera włoska. Wiele znanych oper w języku włoskim zostało napisanych przez zagranicznych kompozytorów, m.in. Haendla , Glucka i Mozarta . Dzieła rodzimych kompozytorów włoskich XIX i początku XX wieku, takich jak Rossini , Bellini , Donizetti , Verdi i Puccini , należą do najsłynniejszych oper, jakie kiedykolwiek napisano, a dziś są wykonywane wopery na całym świecie.

Początki

Jacopo Peri jako Arion w La pellegrina

Dafne przez Jacopo Peri był najwcześniej skład uważane opera, jak rozumieć dzisiaj. Twórczość Periego nie wyrosła jednak z twórczej próżni na polu dramatu śpiewanego. Podstawowym warunkiem powstania opery właściwej była praktyka monodii . Monody to solowy śpiew/ustawienie dramatycznie pomyślanej melodii, mającej na celu wyrażenie emocjonalnej zawartości zawartego w niej tekstu, któremu towarzyszy stosunkowo prosta sekwencja akordów, a nie innepartie polifoniczne . Kompozytorzy włoscy rozpoczęli komponowanie w tym stylu pod koniec XVI wieku, a wyrosło ono po części z wieloletniej praktyki wykonywania madrygałów polifonicznychz jednym śpiewakiem przy akompaniamencie instrumentalnym pozostałych partii, a także z rosnącej popularności popularniejszych bardziej homofoniczne gatunki wokalne, takie jak frottola i villanella . W tych dwóch ostatnich gatunkach rosła tendencja w kierunku bardziej homofonicznej faktury, gdzie górna część miała rozbudowaną, aktywną melodię, a dolne (zazwyczaj były to kompozycje trzyczęściowe, w przeciwieństwie do cztero- lub więcej-członowych). część madrygalna) mniej aktywna konstrukcja nośna. Od tego był już tylko mały krok do pełnoprawnej monodii. Wszystkie takie prace miały tendencję do tworzenia poezji humanistycznej typu, który próbował naśladować Petrarchę i jegozwolenników Trecento , kolejny element tendencji tego okresu w kierunku pragnienia przywrócenia zasad, które wiązała się z pomieszanym pojęciem starożytności.

Solowy madrygał, frottola, villanella i ich krewniacy odgrywali ważną rolę w intermedio lub intermezzo, teatralnych spektaklach z muzyką, które zostały ufundowane w ostatnich siedemdziesięciu latach XVI wieku przez bogate i coraz bardziej świeckie dwory włoskich miast-państw. Spektakle takie były zazwyczaj wystawiane dla upamiętnienia ważnych wydarzeń państwowych: ślubów, zwycięstw wojskowych itp. i przeplatały się z przedstawieniami teatralnymi. Podobnie jak w późniejszej operze, w intermedio znalazły się wspomniane już śpiewy solowe, ale także madrygały wykonywane w charakterystycznej dla nich fakturze wielogłosowej oraz taniec przy akompaniamencie obecnych instrumentalistów. Były bogato inscenizowane i prowadziły scenografię drugiej połowy XVI wieku. Intermedi raczej nie opowiadali historii jako takiej, chociaż czasami to robili, ale prawie zawsze skupiali się na jakimś konkretnym elemencie ludzkich emocji lub doświadczenia, wyrażanym poprzez mitologiczną alegorię.

Wystawienie w 1600 roku opery Peri Eurydyka w ramach obchodów ślubu Medyceuszy, okazji do najbardziej spektakularnych i znanych na całym świecie intermediów ubiegłego wieku, było prawdopodobnie przełomowym wydarzeniem dla nowej formy, umieszczając ją w głównym nurcie rozrzutności. rozrywka dworska.

Inną popularną rozrywką dworską w tym czasie była „ komedia madrygałowa ”, zwana później także „operą madrygałową” przez muzykologów zaznajomionych z późniejszym gatunkiem. Składało się to z serii madrygałów połączonych razem, by sugerować dramatyczną narrację, ale nie zainscenizowaną. Były też dwie inscenizacje muzyczne „pasterskie”, Il Satiro i La Disperazione di Fileno , oba wyprodukowane w 1590 roku i napisane przez Emilio de' Cavalieri . Chociaż te zaginione dzieła wydają się zawierać tylko arie , bez recytatywu , najwyraźniej były to te, do których odnosił się Peri w przedmowie do opublikowanego wydania jego Eurydyki , kiedy pisał: „Signor Emilio del Cavalieri, przed jakimkolwiek innym Wiem, pozwoliło nam usłyszeć na scenie nasz rodzaj muzyki”. Inne sztuki duszpasterskie od dawna zawierają pewne numery muzyczne; jedna z najwcześniejszych, Fabula di Orfeo (1480) Poliziano miała co najmniej trzy pieśni solowe i jeden chór.

XVII wiek

Florencja i Mantua

Muzyka Dafne jest teraz stracona, z wyjątkiem libretta 455 wierszy. Pierwsza opera, do której zachowała się muzyka, została wykonana w 1600 r. na ślubie Henryka IV z Francji i Marii Medycejskiej w Pałacu Pittich we Florencji . Opera Eurydyka z librettem Rinucciniego do muzyki Periego i Giulio Caccini opowiadała historię Orfeusza i Eurydyki. Styl śpiewu preferowany przez Periego i Cacciniego był podwyższoną formą mowy naturalnej, dramatycznym recytatywem wspieranym przez instrumentalną muzykę smyczkową. Recytatyw poprzedził więc rozwój arii, choć wkrótce weszło w zwyczaj umieszczania oddzielnych pieśni i interludiów instrumentalnych w okresach milczenia głosów. Zarówno Dafne, jak i Eurydyka zawierały także chóry komentujące akcję pod koniec każdego aktu na sposób tragedii greckiej. Tematem Orfeusza, na półboga muzyki, było zrozumiałe popularny i przyciąga Claudio Monteverdi (1567-1643), który napisał swoją pierwszą operę , L'Orfeo (bajki Orfeusza), w 1607 roku na dworze Mantui .

Monteverdi nalegał na silny związek między słowami a muzyką. Kiedy w Mantui wykonywano Orfeo , orkiestra składająca się z 38 instrumentów, liczne chóry i recytatywy zostały wykorzystane do stworzenia żywego dramatu. Była to wersja o wiele ambitniejsza niż poprzednio wykonywana — bogatsza, bardziej urozmaicona w recytatywach, bardziej egzotyczna w scenografii — z mocniejszymi kulminacjami muzycznymi, które pozwalały na pełne pole do wirtuozerii śpiewaków. Opera ujawniła swój pierwszy etap dojrzałości w rękach Monteverdiego. L'Orfeo wyróżnia się również tym, że jest najwcześniejszą zachowaną operą, która jest nadal regularnie wykonywana.

Opera w Rzymie

W ciągu kilkudziesięciu lat opera rozprzestrzeniła się po całych Włoszech. W Rzymie znalazł swojego adwokata w osobie prałata i librecisty Giulio Rospigliosiego (późniejszego papieża Klemensa IX). Patronami Rospigliosi byli Barberini.

Wśród kompozytorów, którzy pracowali w tym okresie, byli: Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Domenico i Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .

Od lat 30. XVII wieku tematyka utworów uległa znacznej zmianie: te o tradycji pasterskiej i arkadii, najlepiej wiersze rycerskie, najczęściej Ludovico Ariosto i Torquato Tasso , lub te zaczerpnięte z hagiografii i chrześcijańskiej komedii dell'arte .

Wraz ze wzrostem liczby postaci opery rzymskie stały się bardzo dramatyczne i miały kilka zwrotów akcji. Wraz z nimi pojawiła się nowa metoda ustalania linii recytatywu, lepiej dopasowana do różnych sytuacji wynikających z bogatej fabuły i bliższa mowie, pełna nawiasów kosztem parataktycznego stylu , który tak charakteryzował pierwszy Prace florenckie.

Wenecja: opera komercyjna

Główne cechy opery weneckiej to (1) większy nacisk na arie formalne; (2) początek stylu bel canto ("piękny śpiew") i zwracanie większej uwagi na elegancję wokalną niż na ekspresję dramatyczną; (3) mniejsze wykorzystanie muzyki chóralnej i orkiestrowej; (4) działki złożone i nieprawdopodobne; (5) rozbudowana aparatura sceniczna; oraz (6) krótkie, fanfarowe, instrumentalne wprowadzenia, prototypy późniejszej uwertury.

Opera obrała nowy, ważny kierunek, kiedy dotarła do Republiki Weneckiej . To tutaj w 1637 roku Benedetto Ferrari i Francesco Manelli otworzyli pierwszą publiczną operę, Teatro di San Cassiano . Jej sukces odsunął operę od mecenatu arystokratycznego do świata komercyjnego. W Wenecji dramat muzyczny nie był już skierowany do elity arystokratów i intelektualistów, a nabrał charakteru rozrywkowego. Wkrótce w mieście powstało wiele innych oper, wykonujących prace dla płatnej publiczności w okresie karnawału . Aby zaoszczędzić pieniądze, opery zatrudniały bardzo małą orkiestrę. Duża część ich budżetu została wydana na przyciągnięcie gwiazdorskich śpiewaków dnia; to był początek panowania kastrata i primadonny (wiodącej damy).

Głównym kompozytorem wczesnej opery weneckiej był Monteverdi, który przeniósł się do republiki z Mantui w 1613 roku, a późniejsi ważni kompozytorzy, w tym Francesco Cavalli , Antonio Cesti , Antonio Sartorio i Giovanni Legrenzi . Monteverdi napisał trzy utwory dla teatrów publicznych: Il ritorno d'Ulisse in patria (1640), Le nozze d'Enea con Lavinia (1641, obecnie zaginiony) i najsłynniejsze L'incoronazione di Poppea (1642). Tematy nowych oper Monteverdiego i innych na ogół czerpano z rzymskiej historii lub legend o Troi, aby uczcić heroiczne ideały i szlachetną genealogię państwa weneckiego. Nie brakowało im jednak zainteresowania miłosnego czy komedii. Większość oper składała się z trzech aktów, w przeciwieństwie do oper wcześniejszych, które zwykle miały pięć. Większość wersyfikacji wciąż miała charakter recytatywny, jednak w momentach wielkiego dramatycznego napięcia pojawiały się często fragmenty arioso znane jako arie cavate . Za zwolenników Monteverdiego rozróżnienie między recytatywem a arią stało się bardziej wyraźne i skonwencjonalizowane. Widać to w stylu czterech najbardziej utytułowanych kompozytorów następnego pokolenia: Francesco Cavalli , Giovanniego Legrenziego , Antonio Cestiego i Alessandro Stradelli .

Rozprzestrzenianie się opery za granicą

Gmach Opery Władysława (po prawej) na Zamku Królewskim w Warszawie

W Rzeczypospolitej tradycja produkcji operowej rozpoczęła się w Warszawie w 1628 r. od wykonania Galatei (kompozytor niepewny), pierwszej włoskiej opery wystawionej poza granicami Włoch. Niedługo po tym przedstawieniu dwór wystawił operę Francesca Caccini La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina , którą trzy lata wcześniej napisała dla księcia Władysława Wazy, gdy przebywał we Włoszech. Kolejna pierwsza, to najwcześniejsza zachowana opera napisana przez kobietę. Gli amori di Aci e Galatea Santi Orlandi był również wystawiany w 1628 roku. Gdy Władysław był królem (jako Władysław IV) nadzorował produkcję co najmniej dziesięciu oper na przełomie lat 30. i 40. XVII wieku, czyniąc z Warszawy centrum sztuki. Kompozytorzy tych oper nie są znani: być może byli to Polacy pracujący pod kierunkiem Marco Scacchi w kaplicy królewskiej, a może byli wśród Włochów sprowadzonych przez Władysława. W 1635 r. wystawiono dramat per musica (tak nazywano wówczas poważną operę włoską) Giuditta , opartą na biblijnej historii Judyty . Kompozytorem był prawdopodobnie Virgilio Puccitelli.

Opery Cavalliego były wystawiane w całych Włoszech przez zespoły koncertowe, które odniosły ogromny sukces. W rzeczywistości jego Giasone była najpopularniejszą operą XVII wieku, choć niektórzy krytycy byli zbulwersowani mieszanką tragedii i farsy. Sława Cavalliego rozeszła się po całej Europie. Jedną z jego specjalności było wygłaszanie swoim bohaterkom „ lamentów naziemnych basów ”. Były to żałobne arie śpiewane z opadającą linią basu i wywarły wielki wpływ na Henry'ego Purcella , którego "Kiedy leżę na ziemi" z Dydony i Eneasza jest prawdopodobnie najbardziej znanym przykładem tej formy. Reputacja Cavalli spowodowała, że kardynał Mazarin zaprosił go do Francji w 1660 roku, aby skomponował operę na ślub króla Ludwika XIV z Marią Teresą z Hiszpanii. Opera włoska była już wystawiana we Francji w latach 40. XVII wieku z mieszanym przyjęciem, a zagraniczna wyprawa Cavalliego zakończyła się katastrofą. Publiczność francuska nie zareagowała dobrze na odrodzenie Xerse (1660) i specjalnie skomponowanego Ercole amante (1662), preferując balety, które zostały wstawione między akty przez florenckiego kompozytora Jean-Baptiste Lully’ego , a Cavalli przysięgał nigdy nie komponować kolejna opera.

Cesti miał więcej szczęścia, kiedy poproszono go o napisanie opery dla dworu Habsburgów w Wiedniu w 1668 roku. Il pomo d'oro było tak imponujące, że przedstawienie musiało rozłożyć się na dwa dni. Był to ogromny sukces i zapoczątkował dominację włoskiej opery na północ od Alp. Pod koniec XVII wieku niemieccy i angielscy kompozytorzy próbowali ustanowić własne rodzime tradycje, ale na początku XVIII wieku ustąpili pola importowanej operze włoskiej, która stała się międzynarodowym stylem w rękach takich kompozytorów jak Haendel . Sprzeciwiła się tylko Francja (a jej tradycję operową zapoczątkował Włoch Lully). Ustanowiło to wzór aż do XIX wieku: tradycja włoska miała charakter międzynarodowy, a jej czołowi przedstawiciele (np. Handel, Hasse, Gluck i Mozart) często nie pochodzili z Włoch. Kompozytorzy, którzy chcieli rozwijać własne narodowe formy operowe, musieli z reguły walczyć z operą włoską. Tak więc na początku XIX wieku zarówno Carl Maria von Weber w Niemczech, jak i Hector Berlioz we Francji czuli, że muszą stawić czoła ogromnemu wpływowi włoskiego Rossiniego.

18 wiek

Opera seria

Pod koniec XVII wieku niektórzy krytycy uważali, że konieczna jest nowa, bardziej wzniosła forma opery. Ich idee zrodziły gatunek, opera seria (dosłownie „poważna opera”), która stała się dominująca we Włoszech i większości innych krajów Europy aż do końca XVIII wieku. Wpływ tej nowej postawy widać w twórczości kompozytorów Carlo Francesco Pollarolo i niezwykle płodnego Alessandro Scarlattiego .

W XVIII wieku życie artystyczne i kulturalne we Włoszech było pod silnym wpływem estetycznych i poetyckich ideałów członków Accademia dell'Arcadia . Poeci arkadyjscy wprowadzili wiele zmian do poważnego dramatu muzycznego w języku włoskim, w tym:

  • uproszczenie fabuły;
  • usuwanie elementów komiksowych;
  • zmniejszenie liczby arii;
  • upodobanie do fabuł zaczerpniętych ze starożytnej klasycznej lub nowożytnej tragedii francuskiej, w której wychwalano wartości lojalności, przyjaźni i cnoty oraz celebrowano absolutną władzę suwerena.
Pietro Metastasio w portrecie przypisywanym Pompeo Batoni

Zdecydowanie najbardziej utytułowanym librecistą epoki był Pietro Metastasio, który utrzymał swój prestiż aż do XIX wieku. Należał do Akademii Arkadyjskiej i mocno zgadzał się z jej teoriami. Libretto Metastasia było często przygotowywane przez dwudziestu lub trzydziestu różnych kompozytorów, a publiczność znała słowa jego dramatów na pamięć.

Opera buffa

W XVII wieku opery komiczne powstawały sporadycznie i nie utrwaliła się żadna stabilna tradycja. Dopiero w pierwszych latach XVIII wieku w Neapolu narodził się komiczny gatunek opery buffa, który po 1730 r. zaczął się rozprzestrzeniać we Włoszech.

Opera buffa różniła się od opery seria licznymi cechami:

  • znaczenie przywiązywane do akcji scenicznej i wynikająca z niej potrzeba, by muzyka podążała za zmianami dramatu, podkreślając wyrazistość słów;
  • dobór śpiewaków, którzy byli także znakomitymi aktorami, potrafiącymi przekonująco zagrać dramat;
  • zmniejszenie wykorzystania scenografii i maszynerii scenicznej oraz liczby muzyków orkiestrowych;
  • stosowanie małej obsadzie znaków (przynajmniej w krótkiej formie opery komicznej znany jako intermezzo ) i prostych działek (dobrym przykładem jest Pergolesi „s La serva padrona , 1733);
  • libretti inspirowane komedią dell'arte , z realistycznymi tematami, językiem potocznym i wyrażeniami slangowymi;
  • jeśli chodzi o śpiew: całkowite odrzucenie wokalnej wirtuozerii; skłonność do nieprawidłowej wymowy słów; częste występowanie tików rytmicznych i melodycznych; użycie onomatopei i wykrzykników;
  • wykluczenie kastratów .
Carlo Goldoni przez Alessandro Longhi , C.  1757

W drugiej połowie XVIII wieku opera komiczna zawdzięczała swój sukces współpracy dramaturga Carlo Goldoniego z kompozytorem Baldassare Galuppi . Dzięki Galuppi opera komiczna nabrała znacznie większej godności niż w czasach intermezza. Opery podzielono teraz na dwa lub trzy akty, tworząc libretti do utworów znacznie obszerniejszych, różniących się znacznie od dzieł z początku XVIII wieku złożonością fabuły i psychologią postaci. Teraz zamiast przerysowanych karykatur pojawiły się poważne postacie, a opery miały fabuły, które skupiały się na konflikcie między klasami społecznymi, a także zawierały idee autotematyczne. Najsłynniejszym wspólnym dziełem Goldoniego i Galuppi jest Il filosofo di campagna (1754).

Współpraca Goldoniego i innego znanego kompozytora Niccolò Piccinni wyprodukowała z La Cecchina (1760) kolejny nowy gatunek: semiseria operowa . Miało to dwie postacie buffo , dwóch szlachciców i dwie postacie „pomiędzy”.

Jednoaktowa farsa miała znaczący wpływ na rozwój opery komicznej. Był to rodzaj dramatu muzycznego początkowo uważany za skondensowaną wersję dłuższej opery komicznej, ale z czasem stał się gatunkiem samym w sobie. Charakteryzowała się: wirtuozerią wokalną; bardziej wyrafinowane wykorzystanie orkiestry; wielkie znaczenie przywiązywane do produkcji; obecność nieporozumień i niespodzianek w trakcie dramatu.

Reformy Glucka i Mozart

Christoph Willibald Gluck grający na klawikordzie (1775), portret autorstwa Josepha Duplessisa

Opera seria miała swoje słabości i krytyków; upodobanie do upiększania w imieniu znakomicie wyszkolonych śpiewaków, a użycie spektaklu jako zamiennika dramatycznej czystości i jedności powodowało ataki. Francesco Algarotti „s Esej o operze (1755) okazała się być inspiracją dla Christoph Willibald Gluck ” reform s. Opowiadał się za tym, by opera seria musiała wrócić do podstaw, a wszystkie elementy – muzyka (zarówno instrumentalna, jak i wokalna), balet i inscenizacja – musiały być podporządkowane nadrzędnemu dramatowi. Kilku kompozytorów tego okresu, w tym Niccolò Jommelli i Tommaso Traetta , próbowało wprowadzić te ideały w życie. W 1765 roku Melchior Grimm opublikował „Poème lyrique” , wpływowy artykuł dla Encyclopédie na temat libretta lirycznego i operowego .

Pierwszy jednak, który naprawdę odniósł sukces i pozostawił trwały ślad w historii opery, był Gluck. Gluck starał się osiągnąć „piękną prostotę”. Ilustruje to pierwsza z jego „reformowanych” oper, Orfeo ed Euridice , gdzie linie wokalne pozbawione wirtuozerii (powiedzmy) dzieł Haendla są wspierane przez proste harmonie i znacznie bogatszą niż zwykle obecność orkiestry.

Reformy Glucka odbiły się echem w historii opery. W szczególności Weber, Mozart i Wagner byli pod wpływem jego ideałów. Mozart, pod wieloma względami następca Glucka, połączył wspaniałe poczucie dramatyzmu, harmonii, melodii i kontrapunktu, aby napisać serię komedii, w szczególności Wesele Figara , Don Giovanniego i Così fan tutte (we współpracy z Lorenzo Da Ponte ), które pozostają dziś wśród najbardziej lubianych, popularnych i znanych oper. Ale wkład Mozarta w operę seria był bardziej mieszany; w swoim czasie umierała i pomimo tak wspaniałych dzieł, jak Idomeneo i La clemenza di Tito , nie udałoby mu się przywrócić tej formy sztuki do życia.

Okres romantyczny

Opera romantyczna, kładąca nacisk na wyobraźnię i emocje, zaczęła pojawiać się na początku XIX wieku, a dzięki ariom i muzyce nadała większy wymiar skrajnym emocjom, które charakteryzowały teatr tamtej epoki. Ponadto mówi się, że dobra muzyka często usprawiedliwiała rażące błędy w rysowaniu postaci i wątkach fabularnych. Gioachino Rossini (1792–1868) zapoczątkował okres romantyzmu. Jego pierwszym sukcesem była „opera buffa” (opera komiczna), La Cambiale di Matrimonio (1810). Jego reputacja przetrwała do dziś dzięki jego Cyrulikowi sewilskiemu (1816) i La Cenerentola (1817). Ale napisał też poważną operę, Tancredi (1813) i Semiramide (1823).

Następcami Rossiniego we włoskim belcanto byli Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1848) i Giuseppe Verdi (1813–1901). To Verdi w ciągu swojej długiej kariery przekształcił całą naturę pisarstwa operowego. Jego pierwsza opera, która odniosła wielki sukces, Nabucco (1842), przyciągnęła publiczność ze względu na porywający wigor muzyki i wspaniałe chóry. „ Va, pensiero ”, jedno z przemówień chóru, zostało zinterpretowane i nadało korzystny sens walce o niepodległość Włoch i zjednoczenie Włoch.

Po Nabucco Verdi oparł swoje opery na tematach patriotycznych i wielu standardowych źródłach romantycznych: Friedrich Schiller ( Giovanna d'Arco , 1845; I masnadieri , 1847; Luisa Miller , 1849); Lord Byron ( I due Foscari , 1844; Il corsaro , 1848); i Victor Hugo ( Ernani , 1844; Rigoletto , 1851). Verdi eksperymentował z formami muzycznymi i dramatycznymi, próbując odkryć to, co potrafi tylko opera.

W 1887 roku stworzył Otella, który całkowicie zastąpił operę Rossiniego o tym samym tytule , którą krytycy określają jako najlepszą włoską operę romantyczną z tradycyjnymi elementami: ariami solowymi, duetami i chórami w pełni zintegrowanymi z melodyką i dramaturgią. pływ.

Ostatnia opera Verdiego , Falstaff (1893), całkowicie wyrwała się z konwencjonalnej formy i znalazła muzykę podążającą za szybko płynącymi prostymi słowami, a ze względu na szacunek dla wzorca mowy zwykłej stworzyła próg dla nowej ery operowej, w której wzorce mowy są najważniejszy.

Opera stała się mariażem sztuk, dramatem muzycznym, pełnym wspaniałych pieśni, kostiumów, muzyki orkiestrowej i widowiskowości; czasami bez pomocy wiarygodnej historii. Od momentu powstania w epoce baroku do dojrzałości okresu romantyzmu był medium, za pomocą którego powracano do opowieści i mitów, opowiadano historię i pobudzano wyobraźnię. Siła spadła w bardziej gwałtowną erę dla opery: verismo z Cavalleria Rusticana przez Pietro Mascagni i Pagliacciego przez Ruggero Leoncavallo .

Okres współczesny

Ostatnia scena opery Risorgimento!

Niektóre z największych włoskich oper XX wieku zostały napisane przez Giacomo Pucciniego (1858–1924). Należą do nich Manon Lescaut , La bohème , Tosca , Madama Butterfly , La fanciulla del West , La Rondine i Turandot , przy czym dwa ostatnie pozostały niedokończone. W 1926 iw 2002 Franco Alfano i Luciano Berio podjęli próbę ukończenia Turandot , aw 1994 Lorenzo Ferrero ukończył orkiestrację trzeciej wersji La rondine . Sam Berio napisał dwie opery, Un re in ascolto i Opera . Ferrero również skomponował kilka oper, w tym Salvatore Giuliano , La Conquista i jego 2011 Risorgimento!

Inni XX-wieczni włoscy kompozytorzy operowi to:

Zobacz też

Bibliografia

Uwagi

Źródła

Dalsza lektura