Metronom - Metronome

Mechaniczny metronom nakręcany

Metronom , od starożytnego greckiego μέτρον ( Metron „środek”) oraz νέμω ( nemo „zarządzać”, „prowadzę”), to urządzenie, które wytwarza dźwięk kliknięcia lub inny dźwięk w regularnych odstępach czasu, który może być ustawiony przez użytkownika, zazwyczaj w uderzeniach na minutę (BPM) . Metronomy mogą obejmować zsynchronizowany ruch wizualny. Muzycy używają urządzenia do ćwiczenia gry na regularny puls .

Swoisty metronom był jednym z wynalazków andaluzyjskiego erudyta Abbasa ibn Firnasa (810–887). W 1815 r. niemiecki wynalazca Johann Maelzel opatentował swój mechaniczny, nakręcany metronom jako narzędzie dla muzyków, pod tytułem „Instrument/Maszyna do poprawy wszystkich występów muzycznych, zwany metronomem”. W XX wieku wynaleziono metronomy elektroniczne i metronomy programowe.

Muzycy ćwiczą z metronomami, aby poprawić ich wyczucie czasu, zwłaszcza umiejętność trzymania się regularnego tempa . Ćwiczenie metronomu pomaga uwewnętrznić wyraźne poczucie czasu i tempa. Kompozytorzy i dyrygenci często używają metronomu jako standardowego odniesienia do tempa – i mogą grać, śpiewać lub dyrygować do metronomu. Metronom jest używany przez kompozytorów do wyprowadzania uderzeń na minutę, jeśli chcą to wskazać w kompozycji. Dyrygenci używają metronomu do notowania preferowanego tempa w każdej sekcji.

Interpretując emocje i inne cechy w muzyce, wykonawcy rzadko grają dokładnie w każdym uderzeniu; czasami można użyć wyrazistego, elastycznego rubato . Zazwyczaj każde uderzenie muzycznie ekspresyjnego wykonania nie pasuje dokładnie do każdego kliknięcia metronomu. To spowodowało, że niektórzy muzycy skrytykowali użycie metronomu, ponieważ czas metronomu różni się od czasu muzycznego .

Etymologia

Słowo metronom po raz pierwszy pojawiło się w języku angielskim w 1815 r. i jest pochodzenia greckiego, wywodzące się od metron – „miara” i nomos – „regulowanie, prawo”. Patent zarejestrowany przez Maelzel w Londynie określa instrument jako „metronom lub muzyczny chronometrażysta”.

Historia

Mechaniczny metronom nakręcany Wittnera w ruchu

Według Lynn Townsend White Jr. Andaluzyjski wynalazca Abbas Ibn Firnas podjął próbę stworzenia metronomu.

Galileo Galilei po raz pierwszy zbadał i odkrył koncepcje dotyczące wahadła pod koniec XVI i na początku XVII wieku. W 1696 r. Etienne Loulié po raz pierwszy z powodzeniem użył regulowanego wahadła do wykonania pierwszego mechanicznego metronomu – jednak jego konstrukcja nie wydawała dźwięku i nie miała wychwytu utrzymującego wahadło w ruchu. Aby uzyskać właściwy puls za pomocą tego rodzaju przyrządu wizualnego, muzyk obserwuje wahadło, jakby patrzył na batutę dyrygenta.

Bardziej znany mechaniczny chronometr muzyczny został wynaleziony przez Dietricha Nikolausa Winkela w Amsterdamie w 1814 roku. Poprzez wątpliwą praktykę Johann Maelzel , wykorzystując idee Winkela, dodał skalę, nazwał go metronomem i zaczął produkować metronom pod własnym nazwiskiem w 1816 roku: „Maelzel's Metronom." Oryginalny tekst patentu Maelzela w Anglii (1815) można pobrać.

Ludwig van Beethoven był być może pierwszym znanym kompozytorem, który w swojej muzyce wskazał specyficzne oznaczenia metronomu. Dokonano tego w 1815 r. z poprawioną kopią partytury Kantaty op. 112 zawierający pierwszy znak metronomu Beethovena.

Stosowanie

Muzycy ćwiczą grę na metronomach, aby rozwijać i utrzymywać poczucie czasu i tempa. Metronomy są również używane jako narzędzie treningowe do zwiększania szybkości działania. Tempo jest prawie zawsze mierzone w uderzeniach na minutę (BPM). Nawet utwory, które nie wymagają ściśle stałego tempa (takie jak rubato), czasami zapewniają oznaczenie BPM, aby wskazać ogólne tempo.

Oznaczenie tempa to termin, który przekazuje wąski zakres tempa i związany z nim charakter. Na przykład termin „Vivace” ​​może wskazywać tempo między 156 a 176 BPM, ale również komunikuje, że muzyka powinna być grana z żywym charakterem. Metronomy często zawierają zarówno oznaczenia BPM, jak i tempa.

Tempo metronomu jest zazwyczaj regulowane w zakresie od 40 do 208 BPM. Najpopularniejszy układ tempa na metronomie Maelzel zaczyna się od 40 uderzeń na minutę

i wzrasta o 2s:

40 42 44 46 48 50 52 54 56 58 60

potem 3s: 63 66 69 72

potem 4s: 72 76 80 84 88 92 96 100 104 108 112 116 120

potem o 6s: 126 132 138 144

potem o 8s: 144 152 160 168 176 184 192 200 208. Niektóre metronomy cyfrowe pozwalają na bardziej precyzyjne dostosowanie tempa (np. zwiększenie 120 do 121), ale taka różnica jest ledwo dostrzegalna.

Kolejnym znakiem oznaczającym tempo jest MM (lub MM) lub Metronom Mälzela. Po notacji MM często następuje wartość nuty i liczba wskazująca tempo, tak jak w przypadku MM ćwierćnuta= 60 .

Konkretne zastosowania obejmują uczenie się konsekwentnego grania tempa i uderzeń – na przykład osoba walcząca ze skłonnością do przyspieszania może wielokrotnie odtwarzać frazę, jednocześnie nieznacznie zwalniając ustawienie BPM (aby grać bardziej stabilnie) – oraz ćwiczyć technikę poprzez stopniowe ustawianie metronomu na wyższe prędkości, aż do osiągnięcia żądanej prędkości. Pomaga to również ujawnić spowolnienia spowodowane wyzwaniami technicznymi. Ponadto muzycy nagrywający używają ścieżek dźwiękowych z metronomów, aby pomóc inżynierom dźwięku zsynchronizować ścieżki audio.

W badaniach metronomy mogą być wykorzystywane do utrzymywania pożądanej kadencji w różnych fizjologicznych testach laboratoryjnych.

Rodzaje metronomów

Metronomy mechaniczne

Mechaniczny metronom wykorzystuje regulowany ciężar na końcu odwróconego pręta wahadła do kontrolowania tempa. Ciężarek przesuwa się po drążku wahadła, aby zmniejszyć tempo, lub w dół, aby zwiększyć tempo. (Ten mechanizm jest również nazywany wahadłem z podwójnym obciążeniem, ponieważ po drugiej stronie osi wahadła, wewnątrz obudowy metronomu, znajduje się drugi, stały ciężarek.) Wahadło kołysze się w tempie do przodu i do tyłu, podczas gdy mechanizm wewnątrz metronomu przy każdej oscylacji wydaje dźwięk kliknięcia. Metronomy mechaniczne nie wymagają baterii , lecz działają na sprężynowym mechanizmie wychwytowym .

Metronomy elektromechaniczne

Metronomy elektromechaniczne zostały wynalezione przez Franza Fredericka . Zamiast mechanizmu zegarowego lub kryształu kwarcu , do generowania mocy mechanizmu służy silnik elektryczny. Większość wykorzystuje kombinację mechanicznego napędu o zmiennej prędkości z chwilowym przełącznikiem i pokrętłem krzywkowym do pomiaru rytmu. Franz i Yamaha były powszechnymi producentami w latach 60. i 70., takimi jak Franz LB4. Wspólną cechą opcjonalną była lampa neonowa , która zapala się w rytm rytmu. Bardzo niewielu elektromechaniczne metronomy zapewnić Metrum kuranty oprócz podstawowego tempa.

Elektroniczne metronomy

Elektroniczny metronom, model Wittner

Większość nowoczesnych metronomów jest elektroniczna i wykorzystuje kryształ kwarcowy, aby zachować dokładność, porównywalną z tymi stosowanymi w zegarkach na rękę. Najprostsze elektroniczne metronomy mają pokrętło lub przyciski do kontrolowania tempa; niektórzy produkują również nuty strojenia, zwykle w zakresie A440 (440 Hz ). Wyrafinowane metronomy mogą generować dwa lub więcej odrębnych dźwięków. Tony mogą różnić się wysokością, głośnością i/lub barwą, aby odróżnić niższe takty od innych taktów, a także złożone i złożone metrum.

Wiele elektronicznych klawiatur muzycznych ma wbudowane funkcje metronomu.

Metronomy programowe

Metronomy programowe działają jako samodzielne aplikacje na komputerach i smartfonach lub w pakietach oprogramowania do sekwencjonowania muzyki i wielościeżkowego dźwięku . W zastosowaniach studyjnych , takich jak muzyka filmowa , metronom programowy może zapewniać ścieżkę dźwiękową do synchronizacji muzyków.

Aplikacje metronomu i ścieżki kliknięć

Użytkownicy iPodów i innych przenośnych odtwarzaczy MP3 mogą korzystać z nagranych wcześniej ścieżek metronomu MP3, które mogą używać różnych dźwięków i próbek zamiast zwykłego sygnału dźwiękowego metronomu. Użytkownicy smartfonów mogą zainstalować szeroką gamę aplikacji metronomu. Wyszukiwarka Google zawiera interaktywny metronom, który może odtwarzać od 40 do 218 BPM. Obie metody pozwalają uniknąć konieczności zabierania ze sobą fizycznego metronomu na lekcje lub sesje treningowe.

Korzystanie z metronomu jako instrumentu

Być może najbardziej znanym i najbardziej bezpośrednim zastosowaniem metronomu jako instrumentu jest kompozycja György Ligetiego z 1962 roku Poème Symphonique na 100 metronomów . Dwa lata wcześniej Toshi Ichiyanagi napisał muzykę do elektrycznych metronomów . Maurice Ravel użył trzech metronomów z różnymi prędkościami na otwarcie swojej opery L'heure espagnole (1911).

Klikające dźwięki mechanicznych metronomów były czasami używane do zapewnienia miękkiej ścieżki rytmicznej bez użycia zwykłych instrumentów perkusyjnych . Paul McCartney zrobił to w "Distractions" ( Kwiaty w brudzie ). Podążając za metronomem, McCartney wykonał utwór rytmiczny, uderzając w różne części swojego ciała. Również w temacie Ennio Morricone „Farewell to Cheyenne” (wydanym w Once Upon a Time in the West ) miarowy, clip-clopowy rytm zapewnia celowo zniekształcony i spowolniony dźwięk mechanicznego metronomu.

„Odmowa czasu” Williama Kentridge'a (2012) zawiera pięć metronomów w instalacji wideo.

Przyjęcie

Pozytywne opinie

Metronom jest zazwyczaj pozytywnie odbierany przez wykonawców, muzykologów (poświęcających dużo czasu na analizę oznaczeń metronomu), nauczycieli i oranżerii. Jest uważany za doskonałe narzędzie do ćwiczeń ze względu na jego stały rytm, będący „matematycznie doskonały i kategorycznie poprawny”. Eliminuje to zgadywanie i pomaga muzykom na różne sposoby, w tym utrzymywanie tempa, przeciwdziałanie tendencji do zwalniania lub przyspieszania oraz zwiększanie równości i dokładności, zwłaszcza w szybkich pasażach. Metronomy są zatem powszechnie używane na wszystkich poziomach umiejętności – zarówno przez studentów, jak i profesjonalnych muzyków. Podobnie użycie metronomu jest cenione w nauce różnych gatunków w różnych tempach, ale może nie być wystarczające dla bardziej złożonych rytmów. Niemniej jednak stałe tempo (pomagające określić, kiedy gra się niecodziennie) jest okrzyknięte nieocenionym zasobem; w swojej pracy doktorskiej Aaron M. Farrell określił metronom jako „idealnego partnera w muzyce kameralnej”. W rezultacie metronomy są często polecane studentom muzyki bez zastrzeżeń.

Różne cytaty na korzyść metronomu można znaleźć w książce Techniki metronomu: Potpourri cytatów .

Ścisły rytm: nowoczesna praktyka wykonawcza

Metronom od XX wieku odgrywa bardzo ważną rolę w praktyce wykonawczej i jest w dużej mierze niekwestionowany w pedagogice muzycznej i nauce. Autor Miles Hoffman powiedział, że „większość nauczycieli muzyki uważa metronom za niezbędny, a większość profesjonalnych muzyków w rzeczywistości nadal ćwiczy z metronomem przez całą swoją karierę”.

Autor Bruce Haynes szczegółowo opisuje rolę metronomu we współczesnym stylu w swojej książce Koniec muzyki dawnej , ponieważ praktyka metronomiczna jest obecnie powszechna na całym świecie. Podkreśla, że ​​współczesny styl jest znacznie bardziej sztywny rytmicznie, w którym tempo jest stałe, a partytury odczytywane są bardzo dosłownie, czasami odbierane jako pozbawione emocji, w przeciwieństwie do rubato i bąbelków charakterystycznych dla muzyki romantycznej . Z tego powodu amerykański muzykolog i krytyk Richard Taruskin nazywa modernizm „schronieniem w porządku i precyzją, wrogością wobec podmiotowości, kaprysami osobowości”, zwracając uwagę na jego porządek i precyzję. Te cechy dają początek terminowi metronomiczne , którego krytycy używają do opisania bardziej nowoczesnej muzyki z nieustępliwym tempem, mechanicznym rytmicznym podejściem i równym naciskiem na wszystkie podprzedziały; Amerykański skrzypek Sol Babitz uważał to za styl „maszyny do szycia” o ograniczonej elastyczności. Amerykański muzyk Robert Hill również skomentował przewidywalny regularny rytm charakterystyczny dla modernizmu; opisuje kompromis, polegający na tym, że „rekompensujemy nasz brak elastyczności synchronizacji przez bardzo rozwinięte poczucie koloru tonu i dynamiki, które, jakkolwiek wyrafinowane i dopracowane, ma tendencję do abstrahowania i depersonalizacji tworzenia muzyki. , podkreślając jego absolutność”. Zauważa również, że zmieniło się to znacznie w stosunku do „standardowego” klasycznego repertuaru XIX wieku.

Na początku XIX wieku metronom nie służył do tykania całego utworu, a jedynie do sprawdzania tempa i odkładania go na bok. To kontrastuje z wieloma współczesnymi muzykami, którzy używają metronomu w tle dla całego utworu muzycznego.

Niektórzy pisarze kreślą paralele między nowoczesnym społeczeństwem, które jest „uporządkowane na czas”, a tym, co postrzegają jako metronomiczną praktykę wykonawczą współczesnych muzyków.

Podczas gdy ta sekcja podkreśla współczesne trendy ścisłej mechanicznej wydajności, jako coś powszechnego w XX wieku, a teraz, już w 1860 roku, niektórzy ludzie opowiadali się za tego typu „nowoczesnymi” praktykami wykonawczymi. Podczas gdy niektórzy w XIX wieku z zadowoleniem przyjęli metronom, inni byli krytyczni (patrz poniżej).

Krytyka

Jednym z głównych powodów wielu wczesnych krytyki mógł być fakt, że w przeciwieństwie do tradycyjnych włoskich oznaczeń tempa, znaki metronomu wskazują bardzo specyficzne tempo i nie są łatwo reinterpretowane w taki sposób, jak tradycyjne włoskie oznaczenia tempa. Zmiany w estetyce czy w samych instrumentach mogą z łatwością sprawić, że wskazane wcześniej prędkości staną się problematyczne, co może wyjaśniać, dlaczego wielu wybitnych XIX-wiecznych kompozytorów, w tym Felix Mendelssohn , Richard Wagner , Giuseppe Verdi i Johannes Brahms, krytykowało użycie metronomu.

Metronom zapewnia tylko stały, sztywny, ciągły impuls. W związku z tym, metronom oznaczenia na arkuszu muzyki zapewnienia odniesienia, nie może dokładnie przekazuje impuls , parą lub rowek muzyki. Puls jest często nieregularny, np. w accelerando, rallentando lub w ekspresji muzycznej, jak we frazowaniu (rubato itp .).

Niektórzy twierdzą, że wykonanie metronomiczne stoi w sprzeczności z ekspresyjnym, kulturowo świadomym wykonaniem muzyki, więc metronom jest pod tym względem bardzo ograniczonym narzędziem. Nawet tak bardzo rytmiczne formy muzyczne, jak samba , wykonywane we właściwym kulturowym stylu, nie mogą być uchwycone w uderzeniach metronomu; miarowy rytm metronomu lekceważy charakterystyczny swing samby. Styl wykonania, który jest niezawodnie regularny rytmicznie, może być krytykowany jako metronomiczny .

Inni twierdzą, że metronom nie ma żadnej wartości muzycznej, zamiast tego kosztuje kreatywność i raczej szkodzi poczuciu rytmu u muzyków, niż mu pomaga. Użycie metronomu zostało porównane z różnicą między rysowaniem wspomaganym mechanicznie a rysowaniem odręcznym, ponieważ mówi się, że wynik z metronomem jest sztywny i pozbawiony kreatywności. Podobnie, kontrolowana stała prędkość i sztywne powtarzanie metronomu zostały opisane jako mogące kosztować wewnętrzny rytm i muzykalność, gdy są nadużywane lub nadużywane. Kontrastuje to z tymi, którzy opowiadają się za używaniem go jako narzędzia treningowego i ćwiczeń mających na celu pielęgnowanie poczucia rytmu.

Amerykański kompozytor i krytyk Daniel Gregory Mason napisał, że użycie metronomu jest „niebezpieczne”, ponieważ prowadzi muzyków do grania miarą lub uderzeniem zamiast frazy , kosztem żywotności, instynktu i rytmicznej energii. Wspomina, że ​​„dobre występy” zwykle cechują się opóźnieniami i przyspieszeniami, w przeciwieństwie do miarowego rytmu metronomu. Opinię tę wyrazili również nauczyciele muzyki; na przykład nauczycielka Jennifer Merry odnosi stały rytm metronomu do struktury współczesnej muzyki popularnej i twierdzi, że oba czynniki utrudniają zrozumienie rytmu i tempa u małych dzieci. Ta krytyka podkreśla wagę intuicji, niuansów i stylu, a nie sztywny, stały rytm metronomu.

Technika metronomu

Technika metronomu jest obszerna i była tematem kilku książek. W tej sekcji podsumowano niektóre z głównych pomysłów i podejść. „Intuicyjne” podejście do ćwiczenia metronomu polega po prostu na graniu razem z metronomem. Dzięki technice metronomu muzycy wykonują osobne ćwiczenia, aby wzmocnić i ustabilizować poczucie rytmu i tempa oraz zwiększyć wrażliwość na czas i precyzję muzyki.

Gra "w kieszeni"

2
4
w tempie 60 BPM.

Podstawową wymaganą umiejętnością jest umiejętność precyzyjnego grania w kieszeni – to znaczy dokładnie za pomocą kliknięcia metronomu – z metronomem w zrelaksowany sposób. Pomaga muzykom wyraźnie i precyzyjnie zaszczepić dokładniejsze poczucie czasu, w odstępach odpowiadających ułamkom sekundy. Jednym z wyzwań przy tym podejściu, szczególnie dla pianistów i perkusistów, jest wydaje się, że kliknięcie metronomu znika (lub przynajmniej jest mniej wyraźnie słyszalne), gdy uderza się dokładnie w to kliknięcie. Muzycy, którzy próbują grać w kieszeni z metronomem bez ugruntowanej techniki, mogą stwierdzić, że wprowadza to napięcie i wysiłek w ich technikę instrumentalną.

Aby rozwiązać te trudności, muzycy zaczynają od nauki konsekwentnego grania przed lub za beatem, kiedy tylko chcą. W rezultacie rozwijają jasne wyczucie „gdzie jest kliknięcie” i mogą również trenować, aby uderzyć w kliknięcie.

Muzycy słuchają również, jak dźwięk ich gry łączy się z metronomem, tworząc nowy dźwięk, gdy grają dokładnie w kieszeni. Różne podejścia sugerują, że słuchając w ten sposób (i poprzez inne ćwiczenia) można grać dokładnie w kieszeni z metronomem w zrelaksowany sposób. Podczas nauki gry w kieszeni muzycy pracują również nad elastycznością i umiejętnością grania dokładnie w dowolnym miejscu w rytmie (jak w bardziej złożonych rytmach).

Precyzja timingu i wrażliwość na czas muzyczny

2
4
przy 60 BPM. Ścieżka ta odtwarza 5 taktów, a następnie milknie na 2, 3, 4 i 8 taktów (na przemian z 2 taktami odtwarzanymi). Jednym z powszechnych ćwiczeń w technice metronomu jest pomoc w uwewnętrznieniu precyzyjnego poczucia czasu i tempa.

Wiele nowoczesnych technik metronomu wykorzystuje różne metody rozwiązywania problemów z synchronizacją. Ma na celu zachęcenie i rozwinięcie jasnego poczucia czasu muzycznego oraz pomoc w niuansach i precyzji taktowania, ale jednocześnie musi unikać nadmiernego uzależnienia od metronomu. Wiele ćwiczeń pomaga w precyzji czasu i wrażliwości na czas, takich jak utrzymywanie rytmu (pozostawanie w czasie), gdy metronom milczy przez dłuższy czas, a także odtwarzanie przesuniętych kliknięć lub polirytmów na metronomie.

Muzycznie ekspresyjne rytmy

Nowoczesna technika metronomu na wiele sposobów odnosi się do ekspresyjnych rytmów muzycznych. Na przykład, większość nowoczesnej techniki metronomu skupia się na zachęcaniu i rozwijaniu solidnego wyczucia tempa i wyczucia czasu, zarówno w myśleniu, jak i graniu; w rezultacie człowiek będzie bardziej świadomy rytmicznie.

Specjalne ćwiczenia metronomu pomagają zachować płynne wyczucie rytmu i czasu podczas pracy z metronomem. Niektóre często przywoływane ćwiczenia obejmują stopniowe dryfowanie od jednego uderzenia do następnego, granie uderzeń przed lub za kliknięciem (aby poczuć się komfortowo podczas grania w dowolnym miejscu względem kliknięcia metronomu) i rozpoczynanie od unisono pulsu przed stopniowym wypychaniem nut przed kliknięciem i następnie ciągnięcie z powrotem do pulsu (lub odwrotnie, najpierw ciągnięcie za pulsem).

Autor Andrew Lewis stwierdził, że można również rozwinąć wyższy poziom świadomości wielu naturalnych rytmów w codziennym życiu i używać ćwiczeń, aby pomóc wprowadzić te rytmy do swojej muzyki. Podobnie, autor Mac Santiago podkreśla, że ​​użycie metronomu pomaga poprawić poczucie czasu i dokładnego wyczucia czasu, nie powodując żadnych oczekiwanych problemów z muzykalnością i ekspresją, a sam rytm jest naturalny dla ludzi (chociaż dokładne wyczucie przejścia czasu nie jest), ale musi być przeszkolony do używania w muzyce. Książka Santiago stwierdza:

Time Feel, temat rozdziału 7, jest jednym z wielkich kluczy do muzykalności instrumentów sekcji rytmicznej. Ale umiejętność grania za lub przed pulsem może również dodać ekspresji do linii melodycznej. To, wraz z niewielkimi zmianami dynamiki, tworzy frazowanie w muzyce. Umiejętność słyszenia pulsu, a jednocześnie nieznacznego przyspieszania lub zwalniania, to świetny sposób na włączenie ludzkich uczuć do występu muzycznego. Oczywiście wszystko to zależy od tempa i najlepiej jest osiągnąć w stosunku do stałego tempa. Innymi słowy, im wyraźniejsze jest twoje poczucie pulsu, tym lepsza jest twoja zdolność do manipulowania nim. Działa to również w przypadku działań ritardando i accelerando, ponieważ są one zależne od stałego pulsu i najlepiej wykonywać je stopniowo, a nie w nagłych zmianach”

Lewis mówi również w swojej książce, że zwiększenie wrażliwości na rytm jest niezbędne do rozwinięcia większej precyzji czasu i wyraźniejszego wyczucia upływu czasu muzycznego – w stosunku do tego, w którym muzycy mogą używać ekspresyjnych, naturalnych i płynnych rytmów, z taką samą ilością rubato i tempa. wariancja, jak chcą. Książka Lewisa stwierdza:

Rytm jest wszędzie. Bądź na to wrażliwy i bądź świadomy spontanicznych wydarzeń, które mogą pobudzić rytmiczny rozwój. Słuchaj cały czas i używaj swojej wyobraźni. Zostań anteną rytmu.

Alternatywy dla metronomu

Jeśli muzyk zdecyduje się nie używać metronomu, potrzebne są inne metody radzenia sobie z usterkami czasu i tempa, pośpiechem i przeciąganiem. Te pomysły mogą być również przydatne jako podejście uzupełniające wraz z techniką metronomu.

Ludzie polegają na poczuciu rytmu podczas wykonywania zwykłych czynności, takich jak chodzenie, bieganie, wbijanie gwoździ czy siekanie warzyw. Nawet mowa i myśl mają swego rodzaju rytm. Według autora Andrew Lewisa, jednym ze sposobów pracy nad rytmami jest praca nad wprowadzeniem ich do muzyki, stając się „anteną rytmu”. Aż do XIX wieku w Europie ludzie śpiewali tak, jak pracowali, w rytmie swojej pracy. Rytmy muzyczne były częścią codziennego życia; Angielski muzyk Cecil Sharp zebrał niektóre z tych piosenek, zanim zostały zapomniane. (Patrz także pieśni robocze i szanty ). W wielu częściach świata muzyka pozostaje ważną częścią codziennego życia. Istnieje wiele relacji o ludziach (zwłaszcza plemiennych), którzy śpiewają często i spontanicznie w swoim codziennym życiu, podczas pracy i innych zajęć. Na przykład:

„Benny Wenda, mieszkaniec Lani z wyżyn, jest przywódcą papuaskim na wygnaniu w Wielkiej Brytanii i piosenkarzem. Jak mówi, są piosenki na wszystko: piosenki na wspinaczkę na górę, piosenki na ognisko, piosenki na ogrodnictwo. „Ponieważ ludzie są połączeni z ziemią, kobiety będą śpiewać do nasienia słodkiego ziemniaka, gdy je sadzą, więc ziemia będzie szczęśliwa". Tymczasem mężczyźni będą śpiewać glebie, aż zmięknie na tyle, że można ją kopać".

Muzycy mogą też pracować nad wzmocnieniem poczucia pulsu wykorzystując wewnętrzne źródła, takie jak oddech i dzielenie oddechów, lub zamiast tego pracować z wyobraźnią, wyobrażając sobie puls. Mogą również pracować z biciem serca i rytmami mięśni klatki piersiowej w ten sam sposób. Inną rzeczą, którą robią, jest odtwarzanie muzyki w uchu umysłu wraz z rytmem chodzenia lub innymi rytmami codziennego życia. Inne techniki obejmują słuchanie muzyki w umyśle przed jej odtworzeniem. Muzycy mogą radzić sobie z usterkami czasu i tempa, ucząc się najpierw słyszeć w głowie perfekcyjne wykonanie.

W niektórych stylach muzycznych, takich jak nuty muzyki dawnej inégales (według interpretacji jednego poglądu mniejszości), właściwe może być zastosowanie innego podejścia, które nie działa tak bardzo z poczuciem wewnętrznego pulsu, ale raczej działa na pomysłach gestów i jest ściślej związany z rytmami mowy i poezji.

Pewne pomysły podają Marianne Ploger i Keith Hill w The Craft of Musical Communication . Stwierdzają, że nuty powinny być subtelnie nierówne – brak trzech nut pomaga utrzymać muzykę żywą i interesującą, w przeciwieństwie do czegoś, co może być postrzegane jako sztywne i monotonne, i pomaga zapobiegać poczuciu identyczności i znudzenia w muzyce – idea „Entasis”. Nuty i frazy muzyczne można również organizować za pomocą gestów — określonych wzorców rytmu, które przychodzą naturalnie — zamiast ścisłych środków . Inną alternatywą jest opóźnianie poszczególnych nut, takie jak oczekiwanie nieco dłuższego czasu na zagranie nut oczekiwanych na końcu frazy muzycznej, budując wyczekiwanie . Dodatkowo, nuty grane razem mogą być nieco poza czasem ze sobą w beztroski sposób „sans souci” — może to stworzyć wrażenie „zrelaksowanej swobody”, gdy nuty są celowo grane nieregularnie (w porównaniu z tym, co jest zapisane w partyturze).

Jest to pogląd mniejszościowy na interpretację tego stylu muzycznego, ale godny uwagi ze względu na odmienne podejście do czasu i rytmu muzycznego oraz jego znaczenie dla sposobu, w jaki można go ćwiczyć. Bardziej ogólnie przyjęty pogląd jest taki, że nuty inégales były grane z takim samym rozmachem niemal przez cały czas, jak współczesny jazz .

Zobacz też

Bibliografia

Zewnętrzne linki