Nie - Noh

Teatr Nogaku
Noh3.jpg
Występ Noh w świątyni Itsukushima
Kraj Japonia
Domeny Sztuki sceniczne
Referencja 12
Region Azja i Pacyfik
Historia napisów
Napis 2008 (3 sesja)
Lista Przedstawiciel
Logo dziedzictwa kulturowego Unesco.svg

Noh (, , wywodzące się od chińsko-japońskiego słowa oznaczającego „umiejętność” lub „talent”) jest główną formą klasycznego japońskiego dramatu tanecznego , który jest wystawiany od XIV wieku. Opracowany przez Kan'ami i jego syna Zeamiego , jest to najstarsza duża sztuka teatralna, która jest nadal regularnie wystawiana. Chociaż terminy Noh i nōgaku są czasami używane zamiennie, nōgaku obejmuje zarówno Noh, jak i kyōgen . Tradycyjnie, pełny program nōgaku obejmował kilka sztuk Noh z komediowymi grami kyōgen pomiędzy; skrócony program dwóch sztuk Noh z jednym utworem kyōgen stał się dziś powszechny. Opcjonalnie wykonanie rytuału Okina mogą być prezentowane w samym początku nōgaku prezentacji.

Noh często opiera się na opowieściach z tradycyjnej literatury o nadprzyrodzonej istocie przekształconej w ludzką postać jako bohater opowiadający historię. Noh integruje maski, kostiumy i różne rekwizyty w spektaklu tanecznym, wymagającym doskonale wyszkolonych aktorów i muzyków. Emocje wyrażane są przede wszystkim za pomocą stylizowanych, konwencjonalnych gestów, podczas gdy ikoniczne maski reprezentują role, takie jak duchy, kobiety, bóstwa i demony. Napisany w późnym środkowopo japońsku tekst „żywo opisuje zwykłych ludzi od XII do XVI wieku”. Kładąc silny nacisk na tradycję, a nie innowacyjność, Noh jest niezwykle skodyfikowane i regulowane przez system iemoto .

Historia

Najstarsza na świecie scena Noh w Miyajima
Strój karaori , okres Edo, XVIII wiek, wzór bambusa i chryzantemy na ziemi w czerwono-białą kratkę

Początki

Kanji dla Noh () oznacza „umiejętności”, „rzemiosło”, czy „talent”, w szczególności w dziedzinie sztuk performatywnych w tym kontekście. Słowo Noh może być użyte samodzielnie lub z gaku (; rozrywka, muzyka) do utworzenia słowa nōgaku . Noh to klasyczna tradycja, która jest dziś bardzo ceniona przez wielu. Używany samodzielnie, Noh odnosi się do historycznego gatunku teatru, który wywodzi się z saugaku w połowie XIV wieku i jest wykonywany do dziś.

Jednym z najstarszych prekursorów Noh i kyōgen jest sangaku ( :ja ), które zostało sprowadzone do Japonii z Chin w VIII wieku. W tamtym czasie termin sangaku odnosił się do różnego rodzaju przedstawień, w tym akrobatów, śpiewu i tańca, a także szkiców komiksowych. Jego późniejsza adaptacja do japońskiego społeczeństwa doprowadziła do asymilacji innych tradycyjnych form sztuki”. Różne elementy sztuki performatywnej w sangaku, a także elementy dengaku (obchody wiejskie wykonywane w związku z sadzeniem ryżu), sarugaku (popularna rozrywka, w tym akrobatyka, żonglerka i pantomimy), shirabyōshi (tradycyjne tańce wykonywane przez tancerki na dworze cesarskim w XII wieku), gagaku (muzyka i taniec wykonywany na dworze cesarskim od VII wieku) i kagura (starożytne tańce shinto w opowieściach ludowych) No i kyōgen .

Badania nad genealogią aktorów Noh w XIV wieku wskazują, że byli oni członkami rodzin specjalizujących się w sztukach scenicznych. Według legendy Szkoła Konparu, uważana za najstarszą tradycję Noh, została założona przez Hata no Kawakatsu w VI wieku. Jednak założycielem powszechnie akceptowanej wśród historyków szkoły Konparu był Bishaō Gon no Kami (Komparu Gonnokami) w okresie Nanboku-chō w XIV wieku. Według wykresu genealogicznego szkoły Konparu, Bishaō Gon no Kami jest potomkiem po 53 pokoleniach Hata no Kawakatsu. Szkoła Konparu wywodziła się z trupy sarugaku, która odgrywała aktywne role w Kasuga-taisha i Kofuku-ji w prowincji Yamato .

Inna teoria, autorstwa Shinhachirō Matsumoto, sugeruje, że Noh pochodził z wyrzutków walczących o wyższy status społeczny poprzez zaspokajanie tych u władzy, a mianowicie nowej rządzącej klasy samurajów w tamtych czasach. Przeniesienie szogunatu z Kamakura do Kioto na początku okresu Muromachi zaznaczyło rosnącą władzę klasy samurajów i wzmocniło relacje między szogunatem a dworem. Jak Noh został Shogun ' s ulubioną formą sztuki, Noh był w stanie stać się formą sztuki dworskiej przez nowo utworzonego związku. W XIV wieku, dzięki silnemu wsparciu i mecenatowi sōguna Ashikaga Yoshimitsu , Zeami był w stanie uczynić Noh najważniejszą formą sztuki teatralnej tamtych czasów.

Ustanowienie Noh przez Kan'ami i Zeami

W XIV wieku, w okresie Muromachi ( 1336-1573 ), Kan'ami Kiyotsugu i jego syn Zeami Motokiyo dokonali reinterpretacji różnych tradycyjnych sztuk performatywnych i ukończyli Noh w znacznie odmiennej formie od tradycyjnej, zasadniczo przynosząc Noh do obecnej formy. Kan'ami był znanym aktorem o wielkiej wszechstronności, grającym role od pełnych gracji kobiet i 12-letnich chłopców po silnych mężczyzn. Kiedy Kan'ami po raz pierwszy zaprezentował swoją pracę 17-letniemu Ashikaga Yoshimitsu , Zeami był dziecięcym aktorem w jego sztuce, około 12 lat. Yoshimitsu zakochał się w Zeami, a jego pozycja na dworze sprawiła, że ​​Noh był często wykonywany dla Yoshimitsu później.

Konparu Zenchiku , który był prawnukiem Bishaō Gon no Kami, założyciela szkoły Konparu i męża córki Zeami, włączył elementy waka (poezji) do Noh Zeami i dalej je rozwijał.

W tym okresie, wśród pięciu głównych szkół Noh, powstały cztery: szkoła Kanze , założona przez Kan'ami i Zeami; szkoła Hosho założona przez najstarszego brata Kan'ami za szkoła Konparu; i szkoła Kongō. Wszystkie te szkoły były potomkami trupy sarugaku z prowincji Yamato. Ashikaga Shogunate obsługiwane tylko szkołę Kanze wśród czterech szkołach.

Era Tokugawy

W okresie Edo Noh nadal było arystokratyczną formą sztuki wspieraną przez szogunów , feudalnych lordów ( daimyō ), jak również bogatych i wyrafinowanych pospólstw. Podczas gdy popularne wśród klasy średniej kabuki i joruri koncentrowały się na nowej i eksperymentalnej rozrywce, Noh starał się zachować ustalone wysokie standardy i historyczną autentyczność i pozostał w większości niezmieniony przez całą epokę. Aby uchwycić istotę występów wielkich mistrzów, każdy szczegół w ruchach i pozycjach był odtwarzany przez innych, co generalnie prowadziło do coraz wolniejszego, ceremonialnego tempa z biegiem czasu.

W tej epoce szogunat Tokugawa mianował szkołę Kanze dyrektorem czterech szkół. Kita Shichidayū (Shichidayū Chōnō), aktor Noh ze szkoły Konparu, który służył Tokugawa Hidetada , założył szkołę Kita, która była ostatnią z pięciu głównych szkół.

Współczesne Noh po erze Meiji

W Teatrze Noh, 1891 przez Ogatę Gekkō

Upadek szogunatu Tokugawa w 1868 r. i powstanie nowego, zmodernizowanego rządu spowodowało zaprzestanie wsparcia finansowego przez państwo, a całe pole Noh doświadczyło poważnego kryzysu finansowego. Krótko po restauracji Meiji zarówno liczba wykonawców, jak i scen Noh znacznie się zmniejszyła. Poparcie rządu cesarskiego zostało ostatecznie odzyskane częściowo dzięki apelowi Noh do zagranicznych dyplomatów. Firmy, które pozostawały aktywne w erze Meiji, również znacznie poszerzyły zasięg Noh poprzez catering dla szerokiej publiczności, występując w teatrach w największych miastach, takich jak Tokio i Osaka .

W 1957 roku rząd japoński wyznaczył nōgaku jako Ważną Niematerialną Własność Kulturalną , która zapewnia pewien stopień ochrony prawnej tradycji i jej najwybitniejszym praktykom. Narodowy Teatr Noh założony przez rząd w 1983 roku regularnie wystawia i organizuje kursy szkolące aktorów w głównych rolach nōgaku . Noh został wpisany w 2008 roku na Listę reprezentatywną niematerialnego dziedzictwa kulturowego ludzkości UNESCO jako teatr Nōgaku.

Chociaż terminy nōgaku i Noh są czasami używane zamiennie, definicja teatru „ nōgakuprzyjęta przez rząd japoński obejmuje zarówno sztuki Noh, jak i sztuki kyōgen . Kyōgen jest wykonywany pomiędzy grami Noh w tej samej przestrzeni. W porównaniu do Noh, „ kyōgen w mniejszym stopniu opiera się na używaniu masek i wywodzi się z humorystycznych zabaw sangaku , co znajduje odzwierciedlenie w jego komicznym dialogu”.

Kobiety w Noh

W okresie Edo system cechowy stopniowo się zacieśniał, co w dużej mierze wykluczało kobiety z Noh, z wyjątkiem niektórych kobiet (takich jak kurtyzany ) wykonujących pieśni w sytuacjach marginalnych. Później, w erze Meiji , wykonawcy Noh uczyli bogatych ludzi i szlachtę, a to doprowadziło do większych możliwości dla wykonawców, ponieważ kobiety nalegały na nauczycielki. Na początku XX wieku, po tym, jak kobietom pozwolono wstępować do Tokijskiej Szkoły Muzycznej , zasady zabraniające kobietom wstępowania do różnych szkół i stowarzyszeń w Noh zostały złagodzone. W 1948 roku pierwsze kobiety wstąpiły do ​​Stowarzyszenia Wykonawców Nohgaku. W 2004 roku pierwsze kobiety dołączyły do ​​Stowarzyszenia Japońskich Zabaw Noh. W 2007 roku Narodowy Teatr Noh zaczął corocznie prezentować regularne programy performerek. W 2009 roku było około 1200 mężczyzn i 200 kobiet profesjonalnych wykonawców Noh.

Jo-ha-kyū

Koncepcja jo-ha-kyū dyktuje praktycznie każdy element Noh, w tym kompilację programu sztuk, strukturyzację każdej sztuki, pieśni i tańców w sztukach oraz podstawowe rytmy w każdym przedstawieniu Noh. Jo oznacza początek, ha oznacza łamanie, a kyū oznacza szybkie lub pilne. Termin ten wywodzi się z gagaku , starożytnej muzyki dworskiej, wskazującej na stopniowo rosnące tempo i został przyjęty w różnych japońskich tradycjach, w tym Noh, ceremonii parzenia herbaty, poezji i układaniu kwiatów.

Jo-ha-kyū jest częścią tradycyjnego pięcioodcinkowego programu Noh. Pierwsza sztuka to jo , druga, trzecia i czwarta to ha , a piąta to kyū . W rzeczywistości pięć omówionych poniżej kategorii zostało stworzonych tak, aby program reprezentował jo-ha-kyū, gdy jedna sztuka z każdej kategorii jest wybierana i wykonywana w kolejności. Każdą sztukę można podzielić na trzy części: wstęp, rozwinięcie i zakończenie. Gra zaczyna się w wolnym tempie w jo , nieco przyspiesza w ha , a kończy się w kyū .

Wykonawcy i role

Kanze Sakon (観世左近, 1895-1939), szef ( sōke ) szkoły Kanze

Aktorzy rozpoczynają naukę jako małe dzieci, tradycyjnie w wieku trzech lat.

Szkolenie

Zeami wyodrębnił dziewięć poziomów lub typów Noh działających od niższych stopni, które kładą nacisk na ruch i przemoc, do wyższych stopni, które reprezentują otwarcie kwiatu i duchowej sprawności.

W 2012 roku istnieje pięć istniejących szkół aktorskich Noh o nazwie Kanze (観世), Hōshō (宝生), Komparu (金春), Kongō (金剛) i Kita (喜多), które szkolą gównianych aktorów. Każda szkoła ma własną rodzinę iemoto, która nosi nazwę szkoły i jest uważana za najważniejszą. Iemoto posiada uprawnienia do tworzenia nowych lub odtworzenia piosenki modyfikować i tryby działania. Aktorzy Waki są szkoleni w szkołach Takayasu (高安), Fukuou (福王) i Hōshō (宝生). Istnieją dwie szkoły, które szkolą kyōgen , Ōkura (大蔵) i Izumi (和泉). 11 szkół kształci instrumentalistów, każda z nich specjalizuje się w wykonywaniu od jednego do trzech instrumentów.

Stowarzyszenie Wykonawców Nohgaku ( Nōgaku Kyōkai ), do którego są zarejestrowani wszyscy profesjonaliści, ściśle chroni tradycje przekazane przez ich przodków (patrz iemoto ). Jednak kilka tajnych dokumentów szkoły Kanze napisanych przez Zeami, jak również materiały Konparu Zenchiku , zostały rozpowszechnione w społeczności badaczy japońskiego teatru.

Role

Nie ma etapu. Środek: gówno ; z przodu po prawej: waki ; po prawej: ośmioosobowy jiutai (refren); tył środkowy: cztery hayashi-kata (muzycy); tylny lewy: dwa kōken (ręce sceniczne).

Istnieją cztery główne kategorie wykonawców Noh: shite , waki , kyōgen i hayashi .

  1. Cholera (仕手, シテ). Shite jest głównym bohaterem lub główną rolą w sztukach. W sztukach, w których gówno pojawia się najpierw jako człowiek, a potem jako duch, pierwsza rola znana jest jako mae-shit, a później jako nochi-shite .
    • Shitetsure (仕手連れ, シテヅレ). Towarzysz gówna . Czasami shitetsure jest skracane do tsure (連れ, ツレ), chociaż termin ten odnosi się zarówno do shitetsure, jak i wakitsure .
    • Kōken (後見) to pomocnicy sceniczni, zwykle od jednej do trzech osób.
    • Jiutai (地謡) to chór składający się zwykle z sześciu do ośmiu osób.
  2. Waki (脇, ワキ) pełni rolę, która jest odpowiednikiem lub folią gówna .
    • Wakitsure (脇連れ, ワキヅレ) lub Waki-tsure jest towarzyszem waki .
  3. Kyōgen (狂言) wykonuje aikyōgen (間狂言), które są przerywnikami podczas zabaw. Aktorzy Kyōgen występują również w oddzielnych sztukach pomiędzy poszczególnymi sztukami Noh.
  4. Hayashi (囃子) lub Hayashi-kata (囃子方) to instrumentaliści, którzy grają cztery instrumenty wykorzystywane w Noh teatru: poprzeczny flet (, fue ) , bęben hip (大鼓, ōtsuzumi ) lub OKAWA (大皮) The na ramiona bęben (小鼓, kotsuzumi ) i patyk-bęben (太鼓, taiko ) . Flet używany do Noh jest specjalnie nazywany nōkan lub nohkan (能管) .

Typowa gra Noh zawsze obejmuje chór, orkiestrę i co najmniej jednego gówniarza i jednego aktora waki .

Elementy wykonawcze

Spektakl Noh łączy różne elementy w stylistyczną całość, przy czym każdy element jest produktem pokoleń wyrafinowania zgodnie z centralnymi buddyjskimi, sintoistycznymi i minimalistycznymi aspektami zasad estetyki Noh.

Maski

maski No. Po prawej: pijany duch ( shōjō ). Wykonany z czerwono-czarnego lakierowanego drewna, z czerwonym jedwabnym sznurkiem do wiązania, autorstwa Himi Munetada (氷見宗忠). Okres Edo, XIX wiek. Po lewej: Nakizo, reprezentujący kobiece bóstwo lub kobietę wysokiej rangi, związany z grami Nō, takimi jak Hagoromo i Ohara Miyuki. Wykonany z lakierowanego i malowanego drewna przez Norinari (憲成), zaprojektowany przez Zoami (増阿弥). XVIII-XIX wiek.
Trzy zdjęcia tej samej kobiecej maski pokazujące, jak zmienia się wyraz twarzy przy przechyleniu głowy. Ta maska ​​wyraża różne nastroje. Na tych zdjęciach maska ​​była przymocowana do ściany ze stałym oświetleniem, a poruszała się tylko kamera.
Maska Noh typu hannya . XVII lub XVIII wiek. Uznane za ważne dobro kultury .

Maski Noh (能面nō-men lub 面omote ) są wyrzeźbione z bloków japońskiego cyprysu (檜 " hinoki ") i pomalowane naturalnymi pigmentami na neutralnej bazie kleju i chrupiącej muszli. Istnieje około 450 różnych masek, głównie opartych na sześćdziesięciu typach, z których wszystkie mają charakterystyczne nazwy. Niektóre maski są reprezentatywne i często używane w wielu różnych sztukach, podczas gdy inne są bardzo specyficzne i mogą być używane tylko w jednej lub dwóch sztukach. Maski Noh oznaczają płeć, wiek i pozycję społeczną postaci, a nosząc maski, aktorzy mogą przedstawiać młodzież, starców, kobiety lub nieludzkie ( boskie , demoniczne lub zwierzęce ) postacie. Tylko gówniarz , główny aktor, nosi maskę w większości sztuk, chociaż w niektórych sztukach Tsure może również nosić maskę, aby reprezentować postacie kobiece.

Mimo że maska ​​zakrywa mimikę aktora, użycie maski w Noh nie jest całkowitym porzuceniem mimiki. Jego celem jest raczej stylizacja i kodyfikacja mimiki poprzez użycie maski oraz pobudzenie wyobraźni odbiorców. Używając masek, aktorzy są w stanie przekazać emocje w bardziej kontrolowany sposób poprzez ruchy i mowę ciała. Niektóre maski wykorzystują efekt świetlny, aby przekazać różne emocje poprzez lekkie przechylenie głowy. Skierowanie się lekko w górę lub „rozjaśnienie” maski pozwoli jej przechwycić więcej światła, odsłaniając więcej cech, które wydają się śmiejące lub uśmiechnięte. Skierowanie się w dół lub „zachmurzenie” go spowoduje, że maska ​​będzie wyglądać na smutną lub szaloną.

Maski Noh są cenione przez rodziny i instytucje Noh, a potężne szkoły Noh przechowują najstarsze i najcenniejsze maski Noh w swoich prywatnych kolekcjach, rzadko widywane przez publiczność. Najstarsza maska ​​jest podobno przechowywana jako ukryty skarb przez najstarszą szkołę Konparu. Według obecnego szefa szkoły Konparu maska ​​została wyrzeźbiona przez legendarnego regenta księcia Shōtoku (572-622) ponad tysiąc lat temu. Chociaż historyczna dokładność legendy o masce księcia Shōtoku może być kwestionowana, sama legenda jest starożytna, ponieważ po raz pierwszy została zapisana w Stylu i Kwiecie Zeamiego napisanym w XIV wieku. Niektóre maski szkoły Konparu należą do Muzeum Narodowego w Tokio i są tam często wystawiane.

Scena

Współczesny teatr Noh z zadaszoną konstrukcją wewnętrzną
Współczesny teatr Noh z zadaszoną konstrukcją wewnętrzną
1: hashigakari. 2: miejsce kyōgen. 3: stewardesy. 4: kij bęben. 5: bęben biodrowy. 6: bęben barkowy. 7: flet. 8: refren. 9: siedzenie waki . 10: miejsce waki . 11: gówniane miejsce. 12: gówniany bashira . 13: metsuke-bashira . 14: waki-bashira . 15: fue-bashira .

Tradycyjna scena Noh ( butai ) charakteryzuje się całkowitą otwartością, która zapewnia wspólne doświadczenie między wykonawcami i publicznością podczas całego przedstawienia. Bez żadnego proscenium ani zasłon zasłaniających widok, publiczność widzi każdego aktora nawet w chwilach przed wejściem (i po wyjściu) z centralnej „sceny” ( honbutai , „główna scena”). Sam teatr uważany jest za symboliczny i traktowany z szacunkiem zarówno przez wykonawców, jak i publiczność.

Jedną z najbardziej rozpoznawalnych cech sceny Noh jest jej niezależny dach, który wisi nad sceną nawet w salach teatralnych. Wsparty na czterech kolumnach dach symbolizuje świętość sceny, a jego projekt architektoniczny wywodzi się z pawilonu kultu ( haiden ) lub pawilonu tańca sakralnego ( kagura-den ) sanktuariów Shinto . Dach jednoczy również przestrzeń teatralną i definiuje scenę jako całość architektoniczną.

Słupy podtrzymujące dach noszą nazwy shitebashira (filar głównej postaci), metsukebashira (filar wpatrujący się), wakibashira (filar drugorzędnej postaci) i fuebashira (filar fletu), zgodnie z ruchem wskazówek zegara od prawej strony. Każdy filar jest powiązany z wykonawcami i ich działaniami.

Scena wykonana jest w całości z niedokończonego hinoki , japońskiego cyprysu, prawie bez elementów dekoracyjnych. Poeta i powieściopisarz Tōson Shimazaki pisze, że „na scenie teatru Noh nie ma scenografii, która zmienia się z każdą sztuką. Nie ma też zasłony. Jest tylko prosty panel ( kagami-ita ) z obrazem zielonej sosny drzewo. Stwarza to wrażenie, że wszystko, co może zapewnić jakiekolwiek zacienienie, zostało usunięte. Przełamanie takiej monotonii i sprawienie, by coś się wydarzyło, nie jest łatwe.

Inną unikalną cechą sceny jest hashigakari , wąski most na górze po prawej stronie, z którego aktorzy wchodzą na scenę. Hashigakari oznacza „most wiszący”, oznaczający coś z powietrza, które łączy dwa oddzielne światy na tym samym poziomie. Most symbolizuje mityczną naturę przedstawień Noh, w których często pojawiają się duchy i duchy z innego świata. Natomiast hanamichi w teatrach Kabuki jest dosłownie ścieżką ( michi ), która łączy dwie przestrzenie w jednym świecie, ma więc zupełnie inne znaczenie.

Kostiumy

Kostium Noh ( Kariginu ) z kratkami i muszlami . Okres Edo, XVIII wiek, Muzeum Narodowe w Tokio

Aktorzy Noh noszą jedwabne kostiumy zwane shozoku (szaty) wraz z perukami, kapeluszami i rekwizytami, takimi jak wentylator. Dzięki uderzającym kolorom, wyszukanej fakturze oraz misternemu splotowi i haftowi, szaty Noh są prawdziwymi dziełami sztuki same w sobie. Kostiumy dla Shite w szczególności są ekstrawaganckie, połyskujące brokaty z jedwabiu, ale są coraz mniej wystawne dla tsure, w wakizure, a aikyōgen .

Przez wieki, zgodnie z wizją Zeami, kostiumy Noh naśladowały ubiór, który bohaterowie rzeczywiście nosili, na przykład formalne szaty dworzanina i uliczne ubiory chłopa lub mieszczan. Jednak pod koniec XVI wieku kostiumy zostały stylizowane na pewne konwencje symboliczne i stylistyczne. W okresie Edo (Tokugawa), wyszukane szaty podarowane aktorom przez szlachciców i samurajów w okresie Muromachi zostały opracowane jako kostiumy.

Muzycy i chór zazwyczaj noszą formalne montsuki Kimono (czarne ozdobiona pięciu herby) przy obu hakamy (przepony jak ubranie) lub kami-Shimo , kombinacja hakamy i talii płaszcz z przesadną ramion. Wreszcie stewardesy są odziani w praktycznie pozbawione ozdób czarne szaty, podobnie jak pomocnicy sceniczni we współczesnym teatrze zachodnim.

Rekwizyty

Użycie rekwizytów w Noh jest minimalistyczne i stylizowane. Najczęściej używanym rekwizytem w Noh jest wentylator , ponieważ jest on noszony przez wszystkich wykonawców niezależnie od roli. Chórzyści i muzycy mogą nosić wentylator w ręku, wchodząc na scenę, lub nosić go schowany w obi (szarfie). Wachlarz jest zwykle umieszczany obok wykonawcy, gdy ten zajmuje pozycję i często nie jest zabierany ponownie, dopóki nie opuści sceny. Podczas sekwencji tanecznych wachlarz jest zwykle używany do reprezentowania wszystkich trzymanych w ręku rekwizytów, takich jak miecz, dzban na wino, flet lub pędzel do pisania. Wachlarz może przedstawiać różne przedmioty w trakcie jednej zabawy.

W przypadku użycia rekwizytów ręcznych innych niż wachlarze, są one zwykle wprowadzane lub odzyskiwane przez kuroko, który pełni podobną rolę jak ekipa sceniczna we współczesnym teatrze. Podobnie jak ich zachodni odpowiednicy, stewardesy Noh tradycyjnie ubierają się na czarno, ale w przeciwieństwie do teatru zachodniego mogą pojawić się na scenie podczas sceny lub pozostać na scenie przez cały występ, w obu przypadkach na widoku publiczności. Całkowicie czarny kostium kuroko sugeruje, że nie są częścią akcji na scenie i są skutecznie niewidoczne.

Oprawione elementy w Noh, takie jak łodzie, studnie, ołtarze i dzwony, są zwykle przenoszone na scenę przed rozpoczęciem aktu, w którym są potrzebne. Te rekwizyty zwykle są jedynie konturami sugerującymi rzeczywiste obiekty, chociaż wielki dzwon, odwieczny wyjątek od większości zasad Noh dotyczących rekwizytów, ma na celu ukrycie aktora i umożliwienie zmiany kostiumu podczas interludium kyōgen .

Pieśni i muzyka

Hayashi-kata (muzycy żadny). Od lewej do prawej: taiko , ōtsuzumi (bęben biodrowy), kotsuzumi (bęben barkowy), flet .

Noh Teatr towarzyszy chór a Hayashi ensemble ( Noh-bayashi能囃子). Noh to skandowany dramat, a kilku komentatorów nazwało go „ operą japońską ”. Śpiew w Noh ma jednak ograniczony zakres tonalny, z długimi, powtarzalnymi pasażami w wąskim zakresie dynamicznym. Teksty są poetyckie, w dużej mierze opierają się na japońskim rytmie siedem-pięć, wspólnym dla prawie wszystkich form poezji japońskiej , z oszczędnością ekspresji i dużą ilością aluzji. Śpiewające części Noh nazywane są „ Utai ”, a części mówiące „ Kataru ”. W muzyce znajduje się wiele pustych przestrzeni ( ma ) pomiędzy rzeczywistymi dźwiękami, a te negatywne puste przestrzenie są w rzeczywistości uważane za serce muzyki. Oprócz utai , Noh Hayashi zespół składa się z czterech artystów, znanych również jako „Hayashi-kata”, w tym trzy perkusistów pełniących shime-Daiko , ōtsuzumi (bęben hop) i kotsuzumi (bęben ramię), odpowiednio, a nohkan flecista.

Pieśń nie zawsze jest wykonywana „w charakterze”; to znaczy, że czasami aktor wypowiada kwestie lub opisuje wydarzenia z perspektywy innej postaci lub nawet bezinteresownego narratora. Daleko od łamania rytmu spektaklu, jest to właściwie zgodne z nieziemskim klimatem wielu przedstawień Noh, zwłaszcza tych określanych jako mugen .

Odtwarza

Z około 2000 znanych dziś spektakli stworzonych dla Noh, około 240 stanowi obecny repertuar wystawiany przez pięć istniejących szkół Noh. Obecny repertuar jest pod silnym wpływem gustów arystokratycznych w okresie Tokugawa i niekoniecznie odzwierciedla popularność wśród pospólstwa. Istnieje kilka sposobów klasyfikacji sztuk Noh.

Podmiot

Wszystkie sztuki Noh można podzielić na trzy szerokie kategorie.

  • Genzai Noh (現在能, „obecny Noh”) przedstawia ludzkie postacie i wydarzenia rozgrywające się zgodnie z liniową osią czasu w sztuce.
  • Mugen Noh (夢幻能, „nadprzyrodzone Noh”) obejmuje nadprzyrodzone światy, w których występują bogowie, duchy, duchy lub zjawy w roli gówniarzy . Czas jest często przedstawiany jako upływający w sposób nieliniowy , a akcja może przełączać się między dwoma lub więcej ramami czasowymi z chwili na chwilę, w tym retrospekcje.
  • Ryōkake Noh (両掛能, „mieszane Noh”), choć nieco rzadkie, jest hybrydą powyższego, gdzie pierwszym aktem jest Genzai Noh, a drugim Mugen Noh.

Podczas gdy Genzai Noh wykorzystuje wewnętrzne i zewnętrzne konflikty do prowadzenia fabuły i wydobywania emocji, Mugen Noh koncentruje się na wykorzystaniu retrospekcji z przeszłości i zmarłych do wywoływania emocji.

Styl wydajności

Dodatkowo wszystkie sztuki Noh można podzielić na kategorie według ich stylu.

  • Geki Noh (劇能) to dramat oparty na rozwoju fabuły i narracji akcji.
  • Furyū Noh (風流能) to niewiele więcej niż utwór taneczny charakteryzujący się rozbudowaną akcją sceniczną, często obejmującą akrobatykę, właściwości sceniczne i wiele postaci.

Temat

Okina hōnō (dedykacja sztuki Noh „Czcigodny starzec” ) w Nowy Rok

Wszystkie sztuki Noh są podzielone tematycznie na pięć następujących kategorii. Ta klasyfikacja jest uważana za najbardziej praktyczną i jest nadal używana w dzisiejszych formalnych wyborach programistycznych. Tradycyjnie formalny program składający się z 5 zabaw składa się z selekcji z każdej z grup.

  1. Kami mono (神物, bóg gra) lub waki Noh (脇能) zazwyczaj przedstawia gówno w roli bóstwa, aby opowiedzieć mityczną historię świątyni lub wychwalać konkretnego boga. Wiele z nich składa się z dwóch aktów, w pierwszym akcie bóstwo przybiera postać ludzką w przebraniu, a w drugim objawia prawdziwe ja. (np. Takasago , Chikubushima )
  2. Shura mono (修羅物, wojownik gra) lub ashura Noh (阿修羅能) bierze swoją nazwę od buddyjskiego podziemia . Bohater występujący jako duch słynnego samuraja błaga mnicha o ratunek, a kulminacją dramatu jest chwalebne odtworzenie sceny jego śmierci w pełnym stroju wojennym. (np. Tamura , Atsumori )
  3. Katsura mono (鬘物, gra z perukami) lub onna mono (女物, gra kobieca) przedstawia gówno w kobiecej roli i zawiera jedne z najbardziej wyrafinowanych piosenek i tańców w całym Noh, odzwierciedlając płynne i płynne ruchy reprezentujące postacie kobiece . (np. Basho , Matsukaze )
  4. Na czwartym miejscu w programie pięcioodcinkowym tradycyjnie wystawianych jest około 94 sztuk „różnych”. Te sztuki obejmują podkategorie kyōran mono (狂乱物, sztuki szaleństwa), onryō mono (怨霊物, mściwe sztuki duchów ), genzai mono (現在物, przedstawienia), a także inne. (np. Aya no tsuzumi , Kinuta )
  5. Kiri Noh (切り能, ostatnie sztuki) lub oni mono (鬼物, demoniczne sztuki) zwykle przedstawiają gówniarz w roli potworów, goblinów lub demonów i są często wybierane ze względu na ich jasne kolory i szybkie, napięte ruchy finałowe. Kiri Noh jest wykonywany jako ostatni w programie składającym się z pięciu odtworzeń. W tej kategorii jest około 30 sztuk, z których większość jest krótsza niż sztuki w innych kategoriach.

Oprócz powyższych pięciu, Okina (翁) (lub Kamiuta ) jest często wykonywana na samym początku programu, zwłaszcza w Nowy Rok, święta i inne specjalne okazje. Łącząc taniec z rytuałem Shinto , jest uważany za najstarszy rodzaj gry Noh.

Znane sztuki

Poniższa kategoryzacja dotyczy szkoły Kanze .

Nazwa Kanji Oznaczający Kategoria
Aoi nie Ue 葵 上 Pani Aoi 4 (różne)
Aya no Tsuzumi 綾 鼓 Bęben adamaszkowy 4 (różne)
Dōjōji 道 成 寺 Świątynia Dōjō 4 (różne)
Hagoromo 羽衣 Płaszcz z piór 3 (kobieta)
Izutsu 井筒 Kołyska Studni 3 (kobieta)
Matsukaze 松風 Wiatr w sosnach 3 (kobieta)
Sekidera Komachi 関 寺 小 町 Komachi w świątyni Seki 3 (kobieta)
Shōjō 猩 々 Kojący Elf 5 (demon)
Sotoba Komachi 卒 都 婆 小 町 Komachi na grobie 3 (kobieta)
Takasago 高 砂 W Takasago 1 (bóstwo)
Jorimasa 頼 政 Jorimasa 2 (wojownik)

Wpływy na Zachodzie

Wielu zachodnich artystów było pod wpływem Noh.

Praktycy teatru

  • Eugenio Barba  – W latach 1966-1972 japońscy mistrzowie Noh Hideo Kanze i Hisao Kanze prowadzili seminaria na temat Noh w Barba's Theatre Laboratory w Holstebro . Barba studiował przede wszystkim fizyczne aspekty Noh.
  • Samuel Beckett  – Yoshihiko Ikegami uważa Czekając na Godota Becketta za parodię Noh, zwłaszcza Kami Noh, w której bóg lub duch pojawia się przed drugorzędną postacią jako bohater. Ikegami twierdzi, że „dramatyczny konflikt, który był widoczny w Yeats, jest tak całkowicie odrzucony, że teatr Becketta (gdzie 'nic się nie dzieje') zbliża się do Noh jeszcze bardziej niż robił to Yeats”.
  • Bertolt Brecht  – Według Marii P. Alter, Brecht zaczął czytać sztuki japońskie w połowie lat dwudziestych i przeczytał co najmniej 20 sztuk Noh przetłumaczonych na język niemiecki do 1929 roku. Der Jasager Brechta jest adaptacją sztuki Noh Taniko . Sam Brecht zidentyfikował Die Massnahme jako adaptację sztuki Noh.
  • Peter Brook  – Yoshi Oida, japoński aktor z wykształceniem w Noh, rozpoczął współpracę z Brookiem przy produkcji Burzy w 1968 roku. Później Oida dołączył do zespołu Brooka.
  • Paul Claudel  – Według Johna Willeta, Paul Claudel dowiedział się o Noh podczas pełnienia funkcji ambasadora Francji w Japonii. Opera Claudela Christophe Colomb pokazuje niewątpliwy wpływ Noh.
  • Jacques Copeau  – W 1923 roku Copeau pracował nad sztuką Noh, Kantan, wraz z Suzanne Bing w Théâtre du Vieux-Colombier , nigdy nie widział sztuki Noh. Thomas Leabhart stwierdza, że ​​„Jacquesa Copeau instynktownie przyciągnął gust i skłonność do powściągliwego teatru opartego na duchowości”. Copeau pochwalił teatr Noh na piśmie, kiedy w końcu zobaczył spektakl w 1930 roku.
  • Jacques Lecoq  – Teatr fizyczny wykładany w L'École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq założony przez Lecoqa jest pod wpływem Noh.
  • Eugene O'Neill  – sztuki O'Neilla The Iceman Cometh , Long Day's Journey Into Night i Hughie mają różne podobieństwa do sztuk Noh.
  • Thornton Wilder  - sam Wilder wyraził zainteresowanie Noh w swoim „Przedmowie” do Trzech sztuk, a jego siostra Isabel Wilder również potwierdziła jego zainteresowania. Praca Wildera Nasze miasto zawiera różne elementy Noh, takie jak brak fabuły, reprezentacyjne postacie i wykorzystanie duchów .

Kompozytorzy

  • William Henry Bell  - angielski kompozytor Bell napisał muzykę do nowoczesnej prezentacji kilku sztuk Noh, w tym Komachi (1925), Tsuneyo of the Three Trees (1926), Hatsuyuki (1934), The Pillow of Kantan (1935) i Kageyiko (1936) ).
  • Benjamin Britten  – Britten odwiedził Japonię w 1956 roku i po raz pierwszy zobaczył japońskie sztuki Noh, które nazwał „jednymi z najwspanialszych dramatów, jakie kiedykolwiek widziałem”. Wpływy były widoczne i słyszane w jego balecie Książę pagód (1957), a później w dwóch z trzech pół-operowych „Przypowieści o występach w kościele”: Rzeka Curlew (1964) i Syn marnotrawny (1968).
  • David Byrne  – Byrne spotkał Noh podczas trasy koncertowej w Japonii z Talking Heads i zainspirowały go wysoce stylizowane praktyki Noh, zupełnie inne od jego zachodnich odpowiedników, które skupiają się na naturalizmie . Według Josha Kuna, „japoński teatr Noh zainspirował go do zaprojektowania dużego garnituru biznesowego, który stał się wizualną podstawą występów Talking Heads na żywo”.
  • Alan Watts  – dwudziestowieczny filozof, w jego trzeciej piosence z albumu „This is IT” z 1962 r. czytamy: „Watts in a Japanese no-noh”.
  • Harry Partch  – Partch nazwał swoją pracę Delusion of the Fury „siecią rytualną”. Kate Molleson napisała dla „ The Guardian ”, że „narracja jest mętną mieszanką japońskiego teatru Noh, etiopskiej mitologii ludowej, greckiego dramatu i jego własnej zwariowanej wyobraźni”. Will Salmon cytuje samego Partcha, pisząc: „Noh od wieków jest sztuką piękną, jedną z najbardziej wyrafinowanych, jakie zna świat”. Delusion of the Fury zawiera w swojej historii dwie sztuki Noh, Atsumori Zeamiego i Ikuta Zenbō Motoyasu.
  • Karlheinz Stockhausen  – zasadniczo pozbawione fabuły libretto wielkiego cyklu operowego Stockhausena „ Licht ” („Światło”) opiera się na „mitologii czerpiącej z wielu tradycji kulturowych, od japońskiego teatru Noh po niemiecki folklor”.
  • Iannis Xenakis  – Xenakis „podziwiał Noh, czcigodną formę teatralną znaną z rytualnej formalności i złożoności gestów”. Electronic Music Foundation zaprezentowała Xenakis & Japan w marcu 2010 roku, „wydarzenie taneczno-muzyczne podkreślające odżywcze zainteresowanie Xenakisa japońską muzyką i teatrem”. W wydarzeniu wystąpiła wokalistka Noh, Ryoko Aoki.

Poeci

  • William Butler Yeats  – Yeats napisał esej na temat Noh zatytułowany „Pewne szlachetne sztuki Japonii” w 1916 roku. Chociaż bardzo starał się nauczyć Noh, zasoby dostępne w Anglii były wówczas ograniczone. Brak pełnego zrozumienia Noh skłonił go do tworzenia nowatorskich prac, kierując się własną wyobraźnią i tym, czym Noh marzył. Yeats napisał cztery sztuki pod silnym wpływem Noh, po raz pierwszy używając duchów lub istot nadprzyrodzonych jako głównych dramatów . Przedstawienia to W studni jastrzębia , Śnienie o kościach , Słowa na szybie okiennej i Czyściec .

Terminologia estetyczna

Zeami i Zenchiku opisują szereg odrębnych cech, które uważa się za niezbędne do właściwego zrozumienia Noh jako formy sztuki.

  • Hana (花, kwiat): W Kadensho (Instrukcje dotyczące postawy kwiatu) Zeami opisuje hanę mówiąc: „po opanowaniu tajemnic wszystkich rzeczy i wyczerpaniu możliwości każdego urządzenia, hana, która nigdy nie znika, nadal pozostaje”. Prawdziwy wykonawca Noh stara się pielęgnować rzadki związek ze swoją publicznością, podobny do sposobu, w jaki uprawia się kwiaty. W hanie godne uwagijest to, że podobnie jak kwiat, ma być doceniony przez każdego słuchacza, bez względu na to, jak wzniosłe i surowe jest jego wychowanie. Hana występuje w dwóch postaciach. Indywidualna hana to piękno przemijającego z czasem kwiatu młodości, a „prawdziwa hana ” to kwiat tworzenia i dzielenia się doskonałym pięknem poprzez działanie.
  • Yūgen (幽玄, głęboka wzniosłość): Yūgen to koncepcja ceniona w różnych formach sztuki w całej japońskiej kulturze. Pierwotnie używany w znaczeniu elegancji lub wdzięku reprezentującego idealne piękno w waka , Yūgen jest niewidzialnym pięknem, które jest raczej odczuwane niż widziane w dziele sztuki. Termin ten jest używany konkretnie w odniesieniu do Noh w znaczeniu głębokiego piękna transcendentalnego świata, w tym żałobnego piękna związanego ze smutkiem i stratą.
  • Rōjaku (老弱): oznacza stary, a jaku oznacza spokój i ciszę. Rōjaku to ostatni etap rozwoju spektaklu aktora Noh, w którym eliminuje on wszelkie niepotrzebne działania lub dźwięki w spektaklu, pozostawiając jedynie prawdziwą esencję sceny lub akcji, która jest naśladowana.
  • Kokoro lub shin (oba 心): Zdefiniowane jako „serce”, „umysł” lub oba. Kokoro noh jest tym, o czym mówi Zeami w swoich naukach i które łatwiej jest zdefiniować jako „umysł”. Aby rozwinąć hanę, aktor musi wejść w stan bez-umysłu lub mushin .
  • Myō (妙): "urok" aktora, który gra bezbłędnie i bez poczucia naśladownictwa; skutecznie staje się jego rolą.
  • Monomane (物真似, imitacja lub mimesis): zamiar aktora Noh, aby dokładnie przedstawić ruchy swojej roli, w przeciwieństwie do czysto estetycznych powodów abstrakcji lub upiększania. Monomane jest czasami przeciwstawiany yūgen , chociaż oba reprezentują punkty końcowe kontinuum, a nie są całkowicie oddzielone.
  • Kabu-isshin (歌舞一心, „pieśń-taniec-jedno serce”): teoria, że ​​pieśń (w tym poezja) i taniec są dwiema połówkami tej samej całości i że aktor Noh dąży do wykonania obu z całkowitą jednością serca i umysł.

Istniejące teatry Noh

Noh jest nadal regularnie wystawiany w teatrach publicznych, a także w teatrach prywatnych zlokalizowanych głównie w dużych miastach. W całej Japonii działa ponad 70 teatrów Noh, prezentujących zarówno produkcje profesjonalne, jak i amatorskie.

Teatry publiczne obejmują Teatr Narodowy Noh (Tokio), Teatr Nagoya Noh i Teatr Osaka Noh. Każda szkoła Noh ma swój własny stały teatr, taki jak Kanze Noh Theatre (Tokio), Hosho Noh Theatre (Tokio), Kongo Noh Theatre ( Kyoto ) i Nara Komparu Noh Theatre ( Nara ). Ponadto w całej Japonii znajdują się różne teatry prefekturalne i miejskie, które prezentują profesjonalne zespoły koncertowe i lokalne zespoły amatorskie. W niektórych regionach unikalne regionalne Noh, takie jak Ogisai Kurokawa Noh , rozwinęły się, tworząc szkoły niezależne od pięciu tradycyjnych szkół.

Etykieta publiczności

Etykieta publiczności jest generalnie podobna do formalnego teatru zachodniego – publiczność spokojnie przygląda się. Napisy nie są używane, ale niektórzy widzowie podążają za librettem . Ponieważ na scenie nie ma kurtyn, spektakl zaczyna się od wejścia aktorów na scenę, a kończy na ich opuszczeniu. Światła domu są zwykle włączone podczas występów, tworząc intymną atmosferę, która zapewnia wspólne doświadczenie między wykonawcami i publicznością.

Pod koniec spektaklu aktorzy powoli wychodzą (najważniejsze najpierw, z przerwami między aktorami), a gdy są na moście ( hashigakari ), publiczność klaszcze powściągliwie. Pomiędzy aktorami klaskanie ustaje, po czym zaczyna się od nowa, gdy odchodzi następny aktor. W przeciwieństwie do teatru zachodniego nie ma ukłonów, a po wyjściu aktorzy nie wracają na scenę. Sztuka może zakończyć się, gdy gówniana postać opuści scenę jako część historii (jak na przykład w Kokaji ) — zamiast kończyć się wszystkimi postaciami na scenie — w takim przypadku jeden klaszcze, gdy postać wychodzi.

W przerwie w holu serwowana jest herbata , kawa i wagashi (japońskie słodycze). W okresie Edo, kiedy Noh był dzień długi romans, bardziej znaczące makunouchi ' Bento (幕の内弁当"między-działa lunchbox") był lepszy. Na specjalne okazje, po zakończeniu występu, お神酒 ( o-miki, ceremonialna sake ) może być serwowana w holu przy wyjściu, jak to ma miejsce w rytuałach Shinto .

Publiczność jest usadowiona przed sceną, po lewej stronie sceny iw rogu z przodu po lewej stronie sceny; są one w kolejności malejącej atrakcyjności. Podczas gdy filar metsuke-bashira zasłania widok na scenę, aktorzy znajdują się przede wszystkim w rogach, a nie w środku, a zatem dwie nawy znajdują się tam, gdzie widoki dwóch głównych aktorów byłyby przesłonięte, zapewniając ogólnie wyraźny widok niezależnie od siedzenia.

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki