Rembrandta -Rembrandt

Rembrandta
Rembrandt van Rijn - Autoportret - Google Art Project.jpg
Urodzić się
Rembrandt Harmenszoon van Rijn

( 1606-07-15 )15 lipca 1606 r
Zmarł 4 października 1669 (1669-10-04)(w wieku 63 lat)
Amsterdam , Republika Holenderska
Edukacja Jacob van Swanenburg
Pieter Lastman
Znany z Malarstwo , grafika , rysunek
Wybitna praca
Autoportrety
Lekcja anatomii dr .
_ _
_ _
_ _
_ _
_ _ 1647-1649
Ruch Holenderski barok złotego wieku

Rembrandt Harmenszoon van Rijn ( / r ɛ m b r ć n t , ˈ r ɛ m b r ɑː n t / , holenderski:  [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n)ˌsoːɱ vɑn ˈrɛin] ( słuchaj ) ; 15 lipca 1606 - 4 października 1669 ), zwykle znany po prostu jako Rembrandt , był holenderskim malarzem Złotego Wieku , grafikiem i rysownikiem . Innowacyjny i płodny mistrz trzech mediów , powszechnie uważany za jednego z największych artystów wizualnych w historii sztuki i najważniejszego w historii sztuki holenderskiej.

W przeciwieństwie do większości holenderskich mistrzów z XVII wieku, prace Rembrandta przedstawiają szeroką gamę stylów i tematów, od portretów i autoportretów po pejzaże, sceny rodzajowe , sceny alegoryczne i historyczne oraz tematy biblijne i mitologiczne, a także studia nad zwierzętami. Jego wkład w sztukę przyszedł w okresie wielkiego bogactwa i osiągnięć kulturowych, które historycy nazywają złotym wiekiem Holandii, kiedy sztuka holenderska (zwłaszcza malarstwo holenderskie ), będąc przeciwieństwem dominującego w Europie stylu barokowego , była płodna i innowacyjna oraz dała początek ważnym nowe gatunki. Podobnie jak wielu artystów holenderskiego Złotego Wieku, takich jak Jan Vermeer , Rembrandt był zapalonym kolekcjonerem i sprzedawcą sztuki .

Rembrandt nigdy nie wyjeżdżał za granicę, ale był pod silnym wpływem dzieł włoskich mistrzów i artystów niderlandzkich, którzy studiowali we Włoszech, takich jak Pieter Lastman , karawaggiści z Utrechtu , flamandzki barok i Peter Paul Rubens . Po młodzieńczym sukcesie jako portrecista, późniejsze lata Rembrandta były naznaczone osobistą tragedią i trudnościami finansowymi. Jednak jego akwaforty i obrazy były popularne przez całe jego życie, jego reputacja jako artysty pozostała wysoka i przez dwadzieścia lat uczył wielu ważnych holenderskich malarzy.

Za jego największe twórcze triumfy uważane są portrety Rembrandta jemu współczesnych, autoportrety i ilustracje scen biblijnych. Jego autoportrety układają się w intymną autobiografię. Największym wkładem Rembrandta w historię grafiki było przekształcenie procesu akwaforty ze stosunkowo nowej techniki reprodukcji w formę sztuki . Jego reputacja największego grawera w historii tego medium została ugruntowana za jego życia. Niewiele jego obrazów opuściło Republikę Holenderską za jego życia, ale jego grafiki krążyły po całej Europie, a jego szersza reputacja początkowo opierała się wyłącznie na nich.

Syn marnotrawny w burdelu , autoportret z Saskią, ok. 1930 r. 1635

W swoich pracach wykazywał się znajomością klasycznej ikonografii . Przedstawienie sceny biblijnej opierało się na wiedzy Rembrandta o konkretnym tekście, jego asymilacji z klasyczną kompozycją oraz obserwacjach ludności żydowskiej Amsterdamu . Ze względu na jego empatię dla kondycji ludzkiej został nazwany „jednym z wielkich proroków cywilizacji”. Francuski rzeźbiarz Auguste Rodin powiedział: „Porównaj mnie z Rembrandtem! Co za świętokradztwo! Z Rembrandtem, kolosem sztuki! Powinniśmy paść na twarz przed Rembrandtem i nigdy nikogo z nim nie porównywać!”

Życie

Rembrandt Harmenszoon van Rijn urodził się 15 lipca 1606 w Leiden , w Republice Holenderskiej , obecnie Holandii . Był dziewiątym dzieckiem Harmen Gerritszoon van Rijn i Neeltgen Willemsdochter van Zuijtbrouck. Jego rodzina była dość zamożna; jego ojciec był młynarzem , a matka była córką piekarza. Religia jest głównym tematem prac Rembrandta, a napięty religijnie okres, w którym żył, sprawia, że ​​jego wiara jest przedmiotem zainteresowania. Jego matka była katoliczką , a ojciec należał do Holenderskiego Kościoła Reformowanego . Chociaż jego praca ujawnia głęboką wiarę chrześcijańską, nie ma dowodów na to, że Rembrandt formalnie należał do jakiegokolwiek kościoła, chociaż kazał ochrzcić pięcioro swoich dzieci w holenderskich kościołach reformowanych w Amsterdamie: cztery w Oude Kerk (Stary Kościół) i jedno, Tytus, w Amsterdamie. Zuiderkerk (Kościół Południowy).

Jako chłopiec uczęszczał do szkoły łacińskiej . W wieku 13 lat zapisał się na uniwersytet w Leiden , choć według współczesnych miał większą skłonność do malarstwa; wkrótce został uczniem malarza historii Leiden , Jacoba van Swanenburga , z którym spędził trzy lata. Po krótkiej, ale ważnej sześciomiesięcznej praktyce u malarza Pietera Lastmana w Amsterdamie, Rembrandt pozostał kilka miesięcy u Jacoba Pynasa , a następnie założył własny warsztat, chociaż Simon van Leeuwen twierdził, że Joris van Schooten uczył Rembrandta w Lejdzie. W przeciwieństwie do wielu mu współczesnych, którzy podróżowali do Włoch w ramach szkolenia artystycznego, Rembrandt nigdy nie opuścił Republiki Holenderskiej za życia.

Portret Saskii van Uylenburgh , ok. 201 1635

W 1624 lub 1625 otworzył w Lejdzie pracownię, którą dzielił z przyjacielem i kolegą Janem Lievensem . W 1627 roku Rembrandt zaczął przyjmować studentów, w tym Gerrita Dou w 1628 roku.

W 1629 roku Rembrandta odkrył mąż stanu Constantijn Huygens (ojciec holenderskiego matematyka i fizyka Christiaana Huygensa ), który zlecił Rembrandtowi ważne zlecenia na dworze w Hadze. W wyniku tego połączenia książę Frederik Hendrik nadal kupował obrazy od Rembrandta do 1646 roku.

Pod koniec 1631 roku Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu, który szybko rozwijał się jako nowa stolica biznesu w Holandii i po raz pierwszy zaczął z wielkim sukcesem praktykować jako zawodowy portrecista. Początkowo przebywał u handlarza dziełami sztuki, Hendricka van Uylenburgha , aw 1634 ożenił się z kuzynką Hendricka, Saskią van Uylenburgh . Saskia pochodziła z dobrej rodziny: jej ojciec był prawnikiem i burmistrzem Leeuwarden . Kiedy Saskia jako najmłodsza córka została sierotą, zamieszkała ze starszą siostrą w Het Bildt . Rembrandt i Saskia wzięli ślub w miejscowym kościele św. Annaparochie bez obecności krewnych Rembrandta. W tym samym roku Rembrandt został mieszczaninem Amsterdamu i członkiem miejscowego cechu malarzy. Pozyskał także wielu uczniów, między innymi Ferdinanda Bola i Goverta Flincka .

W 1635 Rembrandt i Saskia przeprowadzili się do własnego domu, wynajmując w modnej Nieuwe Doelenstraat z widokiem na rzekę Amstel. W 1639 r. przenieśli się do znanego nowo wybudowanego domu (obecnie Muzeum Domu Rembrandta ) w ekskluzywnej „Breestraat” (pol.: „Broadway”), dziś znanej jako Jodenbreestraat w miejscu, które stawało się dzielnicą żydowską; potem młoda nadchodząca dzielnica. Kredyt hipoteczny na zakup 13 000 guldenów byłby główną przyczyną późniejszych trudności finansowych. Rembrandt powinien był z łatwością spłacić dom ze swoich dużych dochodów, ale wydaje się, że jego wydatki zawsze dotrzymywały kroku jego dochodom i mógł dokonać kilku nieudanych inwestycji. To właśnie tam Rembrandt często szukał swoich żydowskich sąsiadów, aby mogli się wzorować na scenach ze Starego Testamentu . Chociaż byli już zamożni, para przeżyła kilka osobistych niepowodzeń; ich syn Rumbartus zmarł dwa miesiące po jego urodzeniu w 1635 r., a ich córka Kornelia zmarła w wieku zaledwie trzech tygodni w 1638 r. W 1640 r. mieli drugą córkę, również o imieniu Kornelia, która zmarła po nieco ponad miesiącu życia. Dopiero ich czwarte dziecko, Tytus , urodzone w 1641 r., dożyło dorosłości. Saskia zmarła w 1642 r. wkrótce po narodzinach Tytusa, prawdopodobnie na gruźlicę . Rysunki Rembrandta przedstawiające ją na łożu chorego i śmierci należą do jego najbardziej poruszających prac.

syn Rembrandta Tytus , jako mnich , 1660

Podczas choroby Saskii Geertje Dircx została zatrudniona jako opiekunka i pielęgniarka Tytusa, a także została kochanką Rembrandta. Później oskarżyła Rembrandta o złamanie obietnicy (eufemizm oznaczający uwodzenie pod [złamaną] obietnicą zawarcia małżeństwa) i otrzymywała alimenty w wysokości 200 guldenów rocznie. Rembrandt pracował nad umieszczeniem jej w przytułku lub przytułku (zwanym „oblubienicą”) w Gouda , po tym, jak dowiedział się, że zastawiła biżuterię, którą jej dał, należącą niegdyś do Saskii.

Pod koniec lat czterdziestych XVII wieku Rembrandt nawiązał współpracę ze znacznie młodszą Hendrickje Stoffels , która początkowo była jego pokojówką. W 1654 r. mieli córkę Kornelię, która przyniosła Hendrickje wezwanie od Kościoła Reformowanego, aby odpowiedzieć na zarzut, że „popełniła czyny prostytutki z malarzem Rembrandtem”. Przyznała się do tego i dostała zakaz przyjmowania komunii. Rembrandt nie został wezwany na sobór kościelny, ponieważ nie był członkiem Kościoła Reformowanego. Oboje byli uznawani za legalnie poślubieni na mocy prawa zwyczajowego, ale Rembrandt nie poślubił Hendrickje. Gdyby ożenił się ponownie, straciłby dostęp do funduszu powierniczego ustanowionego dla Tytusa w testamencie Saskii.

Rembrandt żył ponad stan, kupując sztukę (w tym licytując własną pracę), grafiki (często używane w jego obrazach) i rarytasy, co prawdopodobnie spowodowało ugodę sądową ( cessio bonorum ) w celu uniknięcia jego bankructwa w 1656 r., sprzedając większość swoich obrazy i dużą kolekcję antyków, ale pozwolono mu zachować swoje narzędzia. Lista aukcyjna zachowała się i daje dobry wgląd w kolekcje Rembrandta, które oprócz obrazów i rysunków dawnych mistrzów zawierały między innymi popiersia cesarzy rzymskich, zbroje japońskie, wśród wielu przedmiotów z Azji oraz zbiory historii naturalnej i minerałów. Jednak ceny zrealizowane w wyprzedażach w 1657 i 1658 roku były rozczarowujące. Rembrandt został zmuszony do sprzedaży domu i drukarni oraz przeprowadzki do skromniejszego mieszkania na Rozengracht w 1660 roku. Władze i wierzyciele generalnie mu się przychylili, z wyjątkiem cechu malarzy amsterdamskich , który wprowadził nową zasadę, że nie jeden w warunkach Rembrandta mógł zajmować się malarzem. Aby obejść ten problem, Hendrickje i Titus założyli fikcyjną korporację jako handlarzy dziełami sztuki w 1660 roku, z Rembrandtem jako pracownikiem.

Rembrandt Memorial Marker Westerkerk Amsterdam

W 1661 roku Rembrandt (a raczej nowy biznes) otrzymał zlecenie na dokończenie prac przy nowo wybudowanym ratuszu, ale dopiero po tym, jak Govert Flinck, wcześniej zlecony przez artystę, zmarł, nie rozpoczynając malowania. Powstała praca, Spisek Klaudiusza Cywilnego , została odrzucona i zwrócona malarzowi; zachowany fragment to tylko wycinek całego dzieła. Mniej więcej w tym czasie Rembrandt przyjął swojego ostatniego ucznia, Aerta de Geldera . W 1662 nadal realizował duże zamówienia na portrety i inne prace. W 1662 jeden z wierzycieli Rembrandta udał się do Sądu Najwyższego ( Hof van Holland ), aby zakwestionować, że Tytusowi należy zapłacić najpierw. Izaak van Hertsbeeck dwukrotnie przegrał i musiał zapłacić Tytusowi otrzymane już pieniądze, co zrobił w 1668 roku. Kiedy Wielki Książę Toskanii Cosimo III de' Medici przybył do Amsterdamu w 1667 roku, odwiedził Rembrandta w swoim domu.

Rembrandt przeżył zarówno Hendrickje, który zmarł w 1663 roku, jak i Tytusa, który zmarł w 1668 roku, pozostawiając córeczkę. Zmarł rok po swoim synu, 4 października 1669 w Amsterdamie, i został pochowany jako rzekomo bogaty człowiek, ponieważ spadkobiercy zapłacili w podatkach pogrzebowych znaczną sumę pieniędzy, np. w grobie nędzarzy w Westerkerk . Znajdował się w numerowanym „kerkgrafie” (grobie należącym do kościoła) gdzieś pod nagrobkiem w kościele. Po dwudziestu latach jego szczątki zostały wywiezione i zniszczone, jak to było w zwyczaju.

Pracuje

W liście do Huygensa Rembrandt przedstawił jedyne zachowane wyjaśnienie tego, co starał się osiągnąć poprzez swoją sztukę: największy i najbardziej naturalny ruch , przetłumaczony z de meeste en de natuurlijkste beweegelijkheid . Uważa się, że słowo „beweegelijkheid” oznacza również „emocję” lub „motyw”. To, czy odnosi się to do celów, materialnych czy innych, pozostaje do interpretacji; tak czy inaczej, krytycy zwrócili szczególną uwagę na sposób, w jaki Rembrandt płynnie połączył to, co ziemskie i duchowe.

Jedyny znany pejzaż morski Rembrandta , Burza na Jeziorze Galilejskim , 1633. Obrazu wciąż brakuje po napadzie z Isabelli Stewart Gardner Museum w 1990 roku.

Koneserzy z początku XX wieku twierdzili, że Rembrandt wyprodukował ponad 600 obrazów, prawie 400 akwafort i 2000 rysunków. Nowsze stypendia, od lat 60. do współczesności (kierowane przez Projekt Badawczy Rembrandta ), często kontrowersyjnie, przeniosły jego dorobek do blisko 300 obrazów. Jego odbitki , tradycyjnie wszystkie nazywane akwafortami , choć wiele z nich jest wykonywanych w całości lub w części metodą grawerowania , a czasem suchą igłą , mają znacznie bardziej stabilną sumę nieco poniżej 300. Prawdopodobnie Rembrandt wykonał w swoim życiu o wiele więcej rysunków niż 2000, ale te przetrwały są rzadsze niż przypuszczano. Dwóch ekspertów twierdzi, że liczba rysunków, których status autografu można uznać za faktycznie „pewny”, nie przekracza około 75, choć jest to kwestionowane. Lista miała zostać ujawniona na spotkaniu naukowym w lutym 2010 roku.

Kiedyś około dziewięćdziesięciu obrazów uznawano za autoportrety Rembrandta , ale obecnie wiadomo, że kazał swoim uczniom kopiować jego własne autoportrety w ramach ich treningu. Współczesna nauka ograniczyła liczbę autografów do ponad czterdziestu obrazów, a także kilku rysunków i trzydziestu jeden akwafort, które zawierają wiele z najbardziej niezwykłych obrazów grupy. Niektóre ukazują go pozującego w quasi-historycznym stroju, albo rysującego się twarzą do siebie. Jego obrazy olejne śledzą postęp od niepewnego młodego mężczyzny, przez eleganckiego i odnoszącego wielkie sukcesy portrecisty lat trzydziestych XVI wieku, do niespokojnych, ale niezwykle potężnych portretów jego starości. Razem dają niezwykle wyraźny obraz mężczyzny, jego wyglądu i psychologicznego makijażu, co ukazuje jego bogato ogorzała twarz.

W swoich portretach i autoportretach ustawia twarz siedzącego w taki sposób, że grzbiet nosa prawie zawsze tworzy linię rozgraniczającą między obszarami jasno oświetlonymi i zacienionymi. Twarz Rembrandta to twarz częściowo zaćmiona; a nos, jasny i oczywisty, wbijający się w zagadkę półtonów, służy skupieniu uwagi widza i dramatyzowaniu rozgraniczenia między powodzią światła – przytłaczającą jasnością – a ponurym zmrokiem.

W wielu utworach biblijnych, takich jak Podniesienie krzyża , Józef opowiada swoje sny i Ukamienowanie św. Szczepana , Rembrandt przedstawiał siebie jako postać z tłumu. Durham sugeruje, że stało się tak dlatego, że Biblia była dla Rembrandta „rodzajem pamiętnika, zapisem chwil z jego własnego życia”.

Wśród ważniejszych cech charakterystycznych twórczości Rembrandta jest użycie przez niego światłocienia , teatralnego użycia światła i cienia wywodzącego się z Caravaggia lub, co bardziej prawdopodobne, z holenderskiego Caravaggisti , ale zaadaptowanego do bardzo osobistych środków. Godne uwagi są również jego dramatyczne i żywe prezentacje tematów, pozbawione sztywnej formalności, którą często okazywali mu współcześni, oraz głęboko odczuwane współczucie dla ludzkości, niezależnie od zamożności i wieku. Jego najbliższa rodzina — jego żona Saskia, jego syn Tytus i jego konkubina Hendrickje — często zajmowały ważne miejsce na jego obrazach, z których wiele miało motywy mityczne , biblijne lub historyczne.

Epoki, tematy i style

W swojej karierze Rembrandt traktował jako główne tematy portretu, pejzażu i malarstwa narracyjnego. Na koniec był szczególnie chwalony przez współczesnych, którzy wychwalali go jako mistrza interpretatora opowieści biblijnych za umiejętność przedstawiania emocji i dbałość o szczegóły. Stylistycznie jego obrazy przechodziły od wczesnej „gładkiej” maniery, charakteryzującej się doskonałą techniką w przedstawianiu iluzjonistycznej formy, do późnego „szorstkiego” potraktowania bogato urozmaiconych powierzchni malarskich, co pozwalało na iluzjonizm formy sugerowany przez dotykową jakość sama farba.

Porwanie Europy , 1632. Olej na desce. Dzieło zostało opisane jako „...świetny przykład 'złotego wieku'malarstwa barokowego ”.

Równoległy rozwój można dostrzec w umiejętnościach Rembrandta jako grafika. W rycinach jego dojrzałości, zwłaszcza od końca lat czterdziestych XVII wieku, swoboda i rozmach jego rysunków i obrazów znalazły wyraz także w druku. Prace obejmują szeroki zakres tematów i technik, czasami pozostawiając duże obszary białego papieru, aby zasugerować przestrzeń, innym razem wykorzystując złożone wstęgi linii do uzyskania bogatych ciemnych tonów.

To właśnie w okresie Lejdy Rembrandta (1625–1631) wpływ Lastmana był najbardziej widoczny. Jest również prawdopodobne, że w tym czasie Lievens również miał duży wpływ na jego pracę. Malowidła były raczej niewielkie, ale bogate w detale (np. kostiumy i biżuterię). Preferowano motywy religijne i alegoryczne , podobnie jak tronie . W 1626 Rembrandt stworzył swoje pierwsze akwaforty, których szerokie rozpowszechnienie w dużej mierze przyczyniło się do jego międzynarodowej sławy. W 1629 roku ukończył prace Judas Repentant, Return the Pieces of Silver i The Artist in His Studio , które świadczą o jego zainteresowaniu operowaniem światłem i różnorodnością aplikacji farb i stanowią pierwszy duży postęp w jego rozwoju jako malarza.

Typowy portret z 1634 roku, kiedy Rembrandt odnosił wielki sukces komercyjny

We wczesnych latach pobytu w Amsterdamie (1632-1636), Rembrandt zaczął malować dramatyczne sceny biblijne i mitologiczne w dużym kontraście i dużym formacie ( Oślepienie Samsona , 1636, Uczta Belshazzara , ok. 1635 Danae , 1636, ale później przerobiona). dążąc do naśladowania barokowego stylu Rubensa . Z okazjonalną pomocą asystentów w warsztacie Uylenburgha namalował liczne zamówienia portretowe, zarówno małe ( Jacob de Gheyn III ), jak i duże ( Portret stoczniowca Jana Rijcksena i jego żony , 1633, Lekcja anatomii dr. Nicolaesa Tulpa , 1632).

Pod koniec lat 30. XVII wieku Rembrandt wykonał kilka obrazów i wiele rycin pejzaży . Często w tych pejzażach uwydatniano dramat przyrodniczy, z wyrwanymi drzewami i złowieszczym niebem ( Domki przed burzliwym niebem , ok. 1641; Trzy drzewa , 1643). Od 1640 jego prace stały się mniej żywiołowe i bardziej trzeźwe w tonie, być może odzwierciedlając osobistą tragedię. Sceny biblijne wywodziły się teraz częściej z Nowego Testamentu niż ze Starego Testamentu , jak miało to miejsce wcześniej. W 1642 namalował Straż nocną , najważniejszą z najważniejszych grupowych zamówień portretowych, jakie otrzymał w tym okresie i dzięki której starał się znaleźć rozwiązania problemów kompozycyjnych i narracyjnych, które podejmowano we wcześniejszych pracach.

Autoportret , 1658, Kolekcja Fricka , arcydzieło ostatniego stylu, „najspokojniejszy i najwspanialszy ze wszystkich jego portretów”

W ciągu dekady po Straży Nocnej obrazy Rembrandta bardzo różniły się rozmiarem, tematem i stylem. Dotychczasowa tendencja do tworzenia dramatycznych efektów przede wszystkim poprzez silne kontrasty światła i cienia ustąpiła miejsca frontalnemu oświetleniu oraz większym i bardziej nasyconym obszarom koloru. Równocześnie zaczęto ustawiać figury równolegle do płaszczyzny obrazu. Zmiany te można postrzegać jako przejście w kierunku klasycznego sposobu komponowania, a biorąc pod uwagę również bardziej ekspresyjne użycie pędzla, mogą wskazywać na znajomość sztuki weneckiej ( Susanna and the Elders , 1637-1647). Jednocześnie nastąpił wyraźny spadek prac malarskich na rzecz akwafort i rysunków pejzażowych. W tych grafikach dramat naturalny ostatecznie ustąpił miejsca spokojnym holenderskim scenom wiejskim.

W latach 50. XVII wieku styl Rembrandta ponownie się zmienił. Kolory stały się bogatsze, a pociągnięcia pędzlem bardziej wyraziste. Wprowadzając te zmiany, Rembrandt zdystansował się od wcześniejszych prac i obecnej mody, która coraz bardziej skłaniała się w stronę drobnych, szczegółowych prac. Jego użycie światła staje się bardziej postrzępione i ostre, a blask prawie nie istnieje. Jego nietypowe podejście do nakładania farby mogło być częściowo sugerowane przez znajomość twórczości Tycjana i mogło być postrzegane w kontekście toczącej się wówczas dyskusji na temat „wykończenia” i jakości powierzchni obrazów. Współczesne relacje czasami z dezaprobatą zwracają uwagę na szorstkość pędzla Rembrandta, a sam artysta miał odwieść odwiedzających od zbyt dokładnego przyglądania się jego obrazom. Dotykowa manipulacja farbą może nawiązywać do średniowiecznych procedur, kiedy mimetyczne efekty renderowania informowały o powierzchni obrazu. Efektem końcowym jest bogato urozmaicone operowanie farbą, głęboko warstwowe i często pozornie przypadkowe, co sugeruje formę i przestrzeń zarówno w sposób iluzoryczny, jak i wysoce indywidualny.

W późniejszych latach motywy biblijne były nadal często przedstawiane, ale nacisk przesunął się z dramatycznych scen zbiorowych na intymne postacie o charakterze portretowym ( Jakub Apostoł , 1661). W ostatnich latach życia Rembrandt namalował swoje najbardziej refleksyjne autoportrety (od 1652 do 1669 namalował piętnaście) oraz kilka poruszających wizerunków zarówno mężczyzn, jak i kobiet ( Żydowska narzeczona , ok. 1666) – w miłości, w życiu i przed Bogiem.

Prace graficzne

Nadruk stu guldenów , ok. 201 1647–49, akwaforta, sucha igła i rytowanie na papierze japońskim, Narodowe Muzeum Sztuki Zachodniej .

Rembrandt wykonywał akwaforty przez większą część swojej kariery, od 1626 do 1660, kiedy zmuszony był sprzedać swoją prasę drukarską i praktycznie zaniechał akwaforty. Tylko niespokojny rok 1649 nie przyniósł żadnego datowanego dzieła. Z łatwością zajął się akwafortą i chociaż nauczył się również używać wiertła i częściowo grawerować wiele płytek, swoboda techniki trawienia była podstawą jego pracy. Był bardzo mocno zaangażowany w cały proces grafiki i sam musiał drukować przynajmniej wczesne przykłady swoich akwafort. Początkowo posługiwał się stylem opartym na rysunku, ale wkrótce przeszedł do stylu opartego na malarstwie, używając masy linii i licznych ugryzień kwasem, aby uzyskać różne siły linii. Pod koniec lat 30. XVII wieku zareagował przeciwko temu i przeszedł na prostszy styl, z mniejszą liczbą ugryzień. Pracował nad tak zwanym drukiem stu guldenów etapami w latach czterdziestych XVII wieku i było to „krytyczne dzieło w połowie jego kariery”, z którego zaczął wyłaniać się jego ostateczny styl akwaforty. Chociaż druk przetrwał tylko w dwóch stanach , pierwszy bardzo rzadki, dowód wielu przeróbek można zobaczyć pod ostatecznym drukiem, a wiele rysunków przetrwało dla jego elementów.

Trzy drzewa , 1643, akwaforta

W dojrzałych dziełach z lat pięćdziesiątych XVII wieku Rembrandt był bardziej skłonny do improwizacji na płycie, a duże odbitki zwykle przetrwały w kilku stanach, do jedenastu, często radykalnie zmienionych. Używał teraz kreskowania , aby stworzyć ciemne obszary, które często zajmują większość talerza. Eksperymentował także z efektami drukowania na różnych rodzajach papieru, w tym na papierze japońskim , którego często używał, oraz na welinie . Zaczął używać „ odcień powierzchni ”, pozostawiając cienką warstwę atramentu na częściach płyty zamiast wycierania jej całkowicie do czysta, aby wydrukować każdy odcisk. Bardziej wykorzystywał suchą igłę , wykorzystując, zwłaszcza w pejzażach, bogate rozmyte zadziory, które ta technika daje kilku pierwszym wrażeniom.

Jego grafiki mają podobną tematykę jak jego obrazy, chociaż dwadzieścia siedem autoportretów jest stosunkowo częstsze, a portrety innych osób mniej. Istnieje czterdzieści sześć krajobrazów, w większości niewielkich, które w dużej mierze wyznaczyły kierunek graficznego traktowania krajobrazu do końca XIX wieku. Jedna trzecia jego akwafort dotyczy tematyki religijnej, wiele traktowanych z domową prostotą, podczas gdy inne są jego najbardziej monumentalnymi grafikami. Kilka kompozycji o charakterze erotycznym, czy wręcz obscenicznym, nie ma w jego obrazach odpowiednika. Posiadał, dopóki nie został zmuszony do sprzedaży, wspaniałą kolekcję grafik innych artystów, a wiele zapożyczeń i wpływów w jego twórczości można przypisać artystom tak różnym, jak Mantegna , Raphael , Hercules Seghers i Giovanni Benedetto Castiglione .

Rysunki Rembrandta i jego uczniów/naśladowców były przez wieki szeroko badane przez wielu artystów i naukowców. Jego oryginalna sztuka rysunkowa została opisana jako indywidualistyczny styl artystyczny, który był bardzo podobny do dawnych mistrzów wschodnioazjatyckich, w szczególności mistrzów chińskich: „połączenie formalnej przejrzystości i kaligraficznej witalności w ruchu pióra lub pędzla, które jest bliższe chińskiemu malarstwu w technice i uczucie niż cokolwiek w sztuce europejskiej przed dwudziestym wiekiem”.

Orientalna inspiracja

Rysunek Rembrandta przedstawiający indyjski obraz Mogołów
Odgrywanie ról w autoportrecie jako orientalny potentat z kris /keris, jawajskimi mieczami z epoki LZO (akwaforta, ok. 1634)

Rembrandt interesował się miniaturami Mogołów , zwłaszcza około 1650 roku. Narysował wersje około 23 obrazów Mogołów i być może był właścicielem ich albumu. Wśród tych miniatur znajdują się obrazy Shah Jahana , Akbara , Jahangira i Dary Shikoh . Mogły też mieć wpływ na kostiumy i inne aspekty jego prac.

Nocna straż

Straż nocna lub Kompania Milicji kapitana Fransa Banninga Cocqa , 1642. Olej na płótnie; na wystawie w Rijksmuseum w Amsterdamie

Rembrandt namalował duży obraz The Militia Company of Captain Frans Banning Cocq między 1640 a 1642 rokiem. Obraz ten został nazwany przez Holendrów De Nachtwacht , a sir Joshua Reynolds „Straż nocna” , ponieważ w XVIII wieku obraz był tak przyciemniony i zniszczony, że był prawie nie do odróżnienia i wyglądało to zupełnie jak scena nocna. Po oczyszczeniu okazało się, że reprezentuje dzień — grupę muszkieterów wychodzących z ponurego dziedzińca w oślepiające światło słoneczne.

Utwór został zamówiony do nowej hali Kloveniersdoelen , oddziału muszkieterów milicji obywatelskiej. Rembrandt odszedł od konwencji, która nakazywała, by tego rodzaju utwory gatunkowe były dostojne i formalne, a nie line-up, a nie scena akcji. Zamiast tego pokazał milicję przygotowującą się do wyruszenia na misję (jaki rodzaj misji, zwykły patrol czy jakieś specjalne wydarzenie, jest kwestią dyskusyjną).

Wbrew temu, co się często mówi, dzieło od początku okrzyknięto sukcesem. Fragmenty płótna zostały odcięte (ok. 20% z lewej strony zostało usunięte), aby obraz pasował do nowej pozycji, gdy został przeniesiony do ratusza w Amsterdamie w 1715 r.; Rijksmuseum ma mniejszą kopię tego, co uważa się za pełną oryginalną kompozycję; cztery postacie z przodu znajdują się pośrodku płótna. Obraz znajduje się obecnie w Rijksmuseum .

Oceny eksperckie

Jeździec Polski – Ewentualnie Lisowczyk na koniu

W 1968 rozpoczęto Projekt Badawczy Rembrandta pod patronatem Holenderskiej Organizacji Rozwoju Badań Naukowych; początkowo oczekiwano, że będzie trwać bardzo optymistycznie dziesięć lat. Historycy sztuki połączyli siły z ekspertami z innych dziedzin, aby przy użyciu wszelkich dostępnych metod, łącznie z najnowocześniejszą diagnostyką techniczną, ponownie ocenić autentyczność dzieł przypisywanych Rembrandtowi, a także sporządzić zupełnie nowy katalog raisonné jego obrazów. W wyniku ich ustaleń wiele obrazów, które wcześniej przypisywano Rembrandtowi, zostało usuniętych z ich listy, chociaż inne zostały ponownie dodane. Obecnie uważa się, że wiele z tych usuniętych jest dziełem jego uczniów.

Jednym z przykładów działań jest The Polish Rider w nowojorskiej Frick Collection . Autorstwo Rembrandta zostało zakwestionowane przez co najmniej jednego uczonego, Alfreda von Wurzbacha, na początku XX wieku, ale przez wiele dziesięcioleci później większość uczonych, w tym czołowy autorytet piszący w języku angielskim, Julius S. Held , zgadzała się, że było to rzeczywiście przez mistrz. Jednak w latach 80. dr Josua Bruyn z Projektu Badawczego Fundacji Rembrandta ostrożnie i nieśmiało przypisał obraz jednemu z najbliższych i najbardziej utalentowanych uczniów Rembrandta, Willemowi Drostowi , o którym niewiele wiadomo. Jednak opinia Bruyna pozostała mniejszością, sugestia autorstwa Drosta jest obecnie ogólnie odrzucana, a sam Frick nigdy nie zmienił własnego przypisania, etykieta wciąż brzmi „Rembrandt”, a nie „przypisywana” lub „szkoła”. Nowsze opinie przesunęły się jeszcze bardziej na korzyść Fricka, a Simon Schama (w swojej książce Rembrandt's Eyes z 1999 r. ) i badacz projektu Rembrandt Ernst van de Wetering (Sympozjum w Melbourne, 1997) opowiadali się za przypisaniem mu tytułu mistrza. Ci nieliczni uczeni, którzy wciąż kwestionują autorstwo Rembrandta, uważają, że wykonanie jest nierówne i preferują różne atrybucje dla różnych części dzieła.

Człowiek w Złotym Hełmie , Gemäldegalerie, Berlin , niegdyś jeden z najsłynniejszych portretów „Rembrandta”, nie jest już przypisywany mistrzowi.

Podobną kwestię poruszył Simon Schama w swojej książce Oczy Rembrandta, dotyczący weryfikacji tytułów związanych z tematyką ukazującą się w twórczości Rembrandta. Na przykład, dokładny temat przedstawiony u Arystotelesa z popiersiem Homera (niedawno przemianowany przez kuratorów w Metropolitan Museum) został bezpośrednio zakwestionowany przez Schamę, stosując stypendium Paula Crenshawa. Schama przedstawia istotny argument, że to słynny starożytny malarz grecki Apelles jest przedstawiony w kontemplacji przez Rembrandta, a nie Arystotelesa.

Inny obraz, Piłat myjący ręce , również budzi wątpliwości. Krytyczna opinia o tym obrazie zmieniała się od 1905 roku, kiedy Wilhelm von Bode opisał go jako „nieco nienormalne dzieło” Rembrandta. Uczeni datowali obraz na lata 60. XVII wieku i przypisali go anonimowemu uczniowi, prawdopodobnie Aert de Gelder. Kompozycja ma powierzchowne podobieństwo do dojrzałych dzieł Rembrandta, ale brakuje jej mistrzowskiego opanowania iluminacji i modelowania.

Trwają prace nad atrybucją i ponowną atrybucją. W 2005 roku cztery obrazy olejne przypisywane wcześniej uczniom Rembrandta zostały przeklasyfikowane jako prace samego Rembrandta: Studium starego człowieka z profilu i Studium starego mężczyzny z brodą z prywatnej kolekcji USA, Studium płaczącej kobiety , będącej własnością Instytut Sztuki w Detroit i Portret starszej kobiety w białej masce , namalowany w 1640 r. Stary człowiek siedzący na krześle to kolejny przykład: w 2014 r. profesor Ernst van de Wetering przedstawił The Guardian , że degradacja obraz Stary człowiek siedzący na krześle z 1652 r. "był ogromnym błędem...to obraz najważniejszy. Na obraz trzeba patrzeć w kategoriach eksperymentu Rembrandta". Zostało to podkreślone znacznie wcześniej przez Nigela Konstama , który studiował Rembrandta przez całą swoją karierę.

Własna praktyka studyjna Rembrandta jest głównym czynnikiem trudności w atrybucji, ponieważ, jak wielu przed nim mistrzów, zachęcał swoich uczniów do kopiowania jego obrazów, czasem ich wykańczania lub retuszowania w celu sprzedaży jako oryginałów, a czasem jako autoryzowanych kopii. Ponadto jego styl okazał się wystarczająco łatwy do naśladowania przez jego najbardziej utalentowanych uczniów. Sprawę dodatkowo komplikuje nierówna jakość niektórych własnych prac Rembrandta oraz jego częste ewolucje stylistyczne i eksperymenty. Do tego dochodziły późniejsze imitacje jego prac i renowacje, które tak poważnie uszkodziły oryginalne dzieła, że ​​nie są już rozpoznawalne. Jest wysoce prawdopodobne, że nigdy nie będzie powszechnej zgody co do tego, co stanowi, a co nie stanowi prawdziwego Rembrandta.

Materiały malarskie

Saskia jako Flora , 1635

Badania techniczne obrazów Rembrandta znajdujących się w posiadaniu Gemäldegalerie Alte Meister i Gemäldegalerie Alte Meister (Kassel) przeprowadził Hermann Kühn w 1977 roku. Analiza pigmentów około trzydziestu obrazów wykazała, że ​​paleta Rembrandta składała się z następujących pigmentów: biały ołowiowy , różne ochry , brąz Vandyke , czerń kości , czerń węgla , czerń lampy , cynober , jezioro madder , azuryt , ultramaryna , jezioro żółte i ołowiowo-żółty . Jeden obraz (Saskia van Uylenburgh jako Flora) podobno zawiera przeszywanicę . Rembrandt bardzo rzadko używał czystych niebieskich lub zielonych kolorów, najbardziej wyraźnym wyjątkiem jest Uczta Belshazzara w National Gallery w Londynie . Książka Bomforda opisuje nowsze badania techniczne i analizy pigmentowe obrazów Rembrandta, głównie w National Gallery w Londynie. Całą gamę pigmentów stosowanych przez Rembrandta można znaleźć w ColourLex. Najlepszym źródłem informacji technicznych na temat obrazów Rembrandta w sieci jest baza danych Rembrandta zawierająca wszystkie prace Rembrandta ze szczegółowymi raportami śledczymi, zdjęciami w podczerwieni i radiografii oraz innymi szczegółami naukowymi.

Imię i podpis

„Rembrandt” to modyfikacja pisowni imienia artysty, którą wprowadził w 1633 roku. „Harmenszoon” wskazuje, że jego ojciec nazywa się Harmen. „van Rijn” wskazuje, że jego rodzina mieszkała w pobliżu Renu .

Z grubsza mówiąc, jego najwcześniejsze podpisy (ok. 1625 r.) składały się z inicjału „R” lub monogramu „RH” (od Rembrant Harmenszoon), a począwszy od 1629 r. „RHL” (przypuszczalnie „L” oznaczało Leiden). ). W 1632 r. użył tego monogramu na początku roku, a następnie dodał do niego swoje nazwisko rodowe „RHL-van Rijn”, ale zastąpił tę formę w tym samym roku i zaczął używać samego imienia z oryginalną pisownią „Rembrant”. . W 1633 dodał „d” i odtąd konsekwentnie utrzymywał tę formę, udowadniając, że ta drobna zmiana miała dla niego znaczenie (cokolwiek by to nie było). Ta zmiana jest czysto wizualna; nie zmienia sposobu wymawiania jego imienia. Co ciekawe, pomimo dużej liczby obrazów i rycin podpisanych tym zmodyfikowanym imieniem, większość dokumentów, w których wspominano o nim za jego życia, zachowała oryginalną pisownię „Rembrant”. (Uwaga: przybliżona chronologia form podpisów powyżej odnosi się do obrazów, w mniejszym stopniu do akwafort; przypuszczalnie od 1632 r. istnieje tylko jedna akwaforta podpisana „RHL-p. Rijn”, wielkoformatowa „Podniesienie Łazarza”, B 73). Jego praktyka podpisywania swoich dzieł swoim imieniem, a następnie Vincent van Gogh , była prawdopodobnie zainspirowana przez Rafaela , Leonarda da Vinci i Michała Anioła , do których, tak jak i teraz, odnoszono się wyłącznie po imieniu.

Warsztat

Rembrandt prowadził duży warsztat i miał wielu uczniów. Lista uczniów Rembrandta z jego okresu w Lejdzie, a także z czasów w Amsterdamie jest dość długa, głównie dlatego, że jego wpływ na otaczających go malarzy był tak duży, że trudno powiedzieć, czy ktoś pracował dla niego w jego pracowni, czy po prostu kopiował jego styl dla mecenasów pragnących nabyć Rembrandta. Częściowa lista powinna zawierać Ferdinanda Bola , Adriaena Brouwera , Gerrita Dou , Willema Drosta , Heimana Dullaarta , Gerbranda van den Eeckhout , Carel Fabritius , Govert Flinck , Hendrick Fromantiou , Aert de Gelder , Samuel Dirksz van Hoogstraten , Abraham Philipn K , de Koninck , Jacob Levecq , Nicolaes Maes , Jürgen Ovens , Christopher Paudiß , Willem de Poorter , Jan Victors i Willem van der Vliet .

Zbiory muzealne

Najbardziej znane kolekcje dzieł Rembrandta znajdują się w amsterdamskim Rijksmuseum , w tym w The Night Watch and The Jewish Bride , Mauritshuis w Hadze , Ermitażu w Petersburgu , National Gallery w Londynie, Gemäldegalerie w Berlinie, Gemäldegalerie Alte Meister w Dreźnie , Luwr , Muzeum Narodowe w Sztokholmie i Schloss Wilhelmshöhe w Kassel. Na Zamku Królewskim w Warszawie znajdują się dwa obrazy Rembrandta.

Wybitne kolekcje obrazów Rembrandta w Stanach Zjednoczonych znajdują się w Metropolitan Museum of Art i Frick Collection w Nowym Jorku, National Gallery of Art w Waszyngtonie, Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie i J. Paul Getty Museum w Los Angeles.

Rembrandt House Museum w centrum Amsterdamu, w domu, który kupił u szczytu swojego sukcesu, ma meble, które w większości nie są oryginalne, ale przedmioty z epoki porównywalne z tymi, które Rembrandt mógł mieć, oraz obrazy odzwierciedlające wykorzystanie domu przez Rembrandta do handlu dziełami sztuki. Jego studio graficzne zostało wyposażone w prasę drukarską, na której drukowane są kopie odbitek. W muzeum znajduje się kilka obrazów Rembrandta, wiele z nich wypożyczonych, ale ważna kolekcja jego grafik, z których duży wybór jest na obrotowych wystawach. Wszystkie główne drukarnie posiadają duże kolekcje odbitek Rembrandta, chociaż niektóre istnieją tylko w jednym nakładzie, żadna kolekcja nie jest kompletna. Stopień, w jakim te kolekcje są eksponowane publicznie lub mogą być łatwo przeglądane przez nich w drukarni, jest bardzo zróżnicowany.

Wpływ i uznanie

Posąg Rembrandta i rzeźby Nocnej Straży w 3D na Rembrandtplein w Amsterdamie

[...] Twierdzę, że ani Protogenesowi , Apellesowi , ani Parrasjuszowi nie przyszło do głowy , ani nie przyszło im do głowy, gdyby powrócili na ziemię, że (zdumiewam się, że to tylko donoszę) młodzieniec, Holender, młynarz bez brody, może zebrać tak wiele w jednej ludzkiej postaci i wyrazić to, co uniwersalne. Cała cześć, mój Rembrandt! Przeniesienie Illium, a właściwie całej Azji, do Włoch jest mniejszym osiągnięciem niż przyniesienie laurów Grecji i Włoch do Holandii, osiągnięcie Holendra, który rzadko wychodził poza mury swojego rodzinnego miasta…

—  Constantijn Huygens , Pan Zuilichem, prawdopodobnie najwcześniejszy znany znawca i krytyk Rembrandta , 1629. Fragment rękopisu Autobiografia Constantijna Huygensa (Koninklijke Bibliotheek, Den Haag), pierwotnie opublikowanego w Oud Holland (1891), przetłumaczonego z niderlandzkiego.
Pomnik Rembrandta w Leiden

Rembrandt to jeden z najbardziej znanych i najlepiej zbadanych artystów wizualnych w historii. Jego życie i sztuka od dawna przyciągają uwagę interdyscyplinarnych badań naukowych, takich jak historia sztuki, historia społeczno-polityczna, historia kultury, edukacja, nauki humanistyczne, filozofia i estetyka, psychologia, socjologia, literaturoznawstwo, anatomia , medycyna, religioznawstwo , teologia, żydowska studia , studia orientalistyczne ( studia azjatyckie ), studia globalne i badania rynku sztuki . Był przedmiotem ogromnej ilości literatury w gatunkach zarówno beletrystyki, jak i literatury faktu . Badania i stypendia związane z Rembrandtem są samodzielną dziedziną akademicką z wieloma wybitnymi koneserami i naukowcami i są bardzo dynamiczne od holenderskiego Złotego Wieku.

Według historyka sztuki i badacza Rembrandta Stephanie Dickey:

[Rembrandt] zdobył międzynarodową sławę jako malarz, grafik, nauczyciel i kolekcjoner sztuki, nigdy nie opuszczając Republiki Holenderskiej. W swoim rodzinnym mieście Lejdzie iw Amsterdamie, gdzie pracował przez prawie czterdzieści lat, był mentorem dla pokoleń innych malarzy i stworzył dzieło, które nigdy nie przestało wzbudzać podziwu, krytyki i interpretacji. (...) Sztuka Rembrandta jest kluczowym elementem każdego studium holenderskiego Złotego Wieku, a jego przynależność do kanonu artystycznego geniuszu jest dobrze ugruntowana, ale jest on także postacią, której znaczenie wykracza poza zainteresowania specjalistów. Krytycy literaccy rozważali „Rembrandta” jako „tekst kultury”; powieściopisarze, dramaturdzy i filmowcy nadawali mu romantyzmu, a w kulturze popularnej jego nazwisko stało się synonimem doskonałości produktów i usług, od pasty do zębów po porady dotyczące samopomocy.

W 1775 roku 25-letni Johann Wolfgang von Goethe napisał w liście, że „mieszkam w całości z Rembrandtem” („…ich zeichne, künstle p. Und lebe ganz mit Rembrandt”). W wieku 81 lat (1831) Goethe napisał esej "Rembrandt der Denker" ("Rembrandt the Thinker"), opublikowany w pośmiertnym zbiorze jego prac.

Francisco Goya , często uważany za jednego z ostatnich Starych Mistrzów , powiedział: „Miałem trzech mistrzów: Naturę, Velázqueza i Rembrandta”. („Yo no he tenido otros maestros que la Naturaleza, Velázquez y Rembrandt”). W historii recepcji i interpretacji sztuki Rembrandta było to znaczące inspirowane przez Rembrandta „przebudzenia” lub „ponowne odkrycia” w XVIII-XIX-wiecznej Francji , Niemcy i Wielka Brytania, które zdecydowanie pomogły w ugruntowaniu jego trwałej sławy w kolejnych stuleciach. Kiedy krytyk odniósł się do popiersi Auguste Rodina w tym samym duchu, co portrety Rembrandta, francuski rzeźbiarz odpowiedział: „Porównaj mnie z Rembrandtem? Co za świętokradztwo! Z Rembrandtem, kolosem sztuki! O czym myślisz, przyjacielu! My powinniśmy padać na twarz przed Rembrandtem i nigdy nikogo z nim nie porównywać!” Vincent van Gogh napisał do swojego brata Theo (1885): „Rembrandt tak głęboko zagłębia się w tajemnicę, że mówi rzeczy, na które nie ma słów w żadnym języku. Właśnie sprawiedliwie nazywają Rembrandta – maga – to nie jest łatwe zajęcie”.

Rembrandt i świat żydowski

Chociaż Rembrandt nie był Żydem, wywarł znaczny wpływ na wielu współczesnych żydowskich artystów, pisarzy i uczonych ( w szczególności krytyków sztuki i historyków sztuki). Niemiecko-żydowski malarz Max Liebermann powiedział: „Za każdym razem, gdy widzę Fransa Halsa , mam ochotę malować; za każdym razem, gdy widzę Rembrandta, mam ochotę się poddać”. Marc Chagall napisał w 1922 r.: „Ani Imperialna Rosja , ani Rosja Sowietów mnie nie potrzebują. Oni mnie nie rozumieją. Jestem dla nich obcy” i dodał: „Jestem pewien, że Rembrandt mnie kocha”.

Oblubienica żydowska , c. 1665–16-9, Rijksmuseum Amsterdam. Własnymi słowami Vincenta van Gogha (1885): „Byłbym szczęśliwy mogąc poświęcić 10 lat mojego życia, gdybym mógł dalej siedzieć tutaj przed tym obrazem [ Żydowska Oblubienica ] przez dwa tygodnie, mając tylko skórkę suchego chleba dla jedzenia." W liście do swojego brata Theo , Vincent napisał: „Co za intymny, jaki to nieskończenie sympatyczny obraz”

Pocieszeniem było dla mnie, w epoce europejskiej tragedii żydowskiej , rozpamiętywanie życia i twórczości Rembrandta. Oto człowiek o germańskim pochodzeniu, który nie uważał ówczesnych Żydów w Holandii za „nieszczęście”, ale podchodził do nich z przyjaznymi uczuciami, mieszkał pośród nich i przedstawiał ich osobowości i sposoby życia. Co więcej, Rembrandt uważał Biblię za największą Księgę na świecie i przez całe życie trzymał ją z czcią, w dostatku i ubóstwie, w sukcesach i porażkach. Nigdy nie ustawał w swoim przywiązaniu do tematów biblijnych jako tematów swoich obrazów i innych przedstawień graficznych, a w tych przedstawieniach jako pierwszy miał odwagę wykorzystać Żydów ze swojego środowiska jako wzory dla bohaterów świętych narracji.

—  Franz Landsberger, niemiecki emigrant żydowski do Ameryki, autor Rembrandta, Żydów i Biblii (1946)

Krytyka Rembrandta

Rembrandt był także jednym z najbardziej kontrowersyjnych artystów (wizualnych) w historii. Kilku znanych krytyków Rembrandta to Constantijn Huygens , Joachim von Sandrart , Andries Pels (który nazwał Rembrandta „pierwszym heretykiem w sztuce malarskiej”), Samuel van Hoogstraten , Arnold Houbraken , Filippo Baldinucci , Gerard de Lairesse , Roger de Piles , John Ruskin i Eugène Fromentin .

W 1875 roku Rembrandt był już potężną postacią, przenoszącą się z historycznej przeszłości do teraźniejszości z taką siłą, że nie można było go po prostu przeoczyć lub pominąć. Wielki cień starego mistrza wymagał zdecydowanej postawy. Późnoromantyczny malarz i krytyk, jak Fromentin , jeśli przypadkiem nie lubił niektórych obrazów Rembrandta, czuł się zobowiązany do usprawiedliwienia swojego uczucia. Wielkość dramatycznego starego mistrza nie budziła wątpliwości dla artystów około 1875 roku. „Albo się mylę”, napisał Fromentin z Holandii, „albo wszyscy się mylą”. Kiedy Fromentin zdał sobie sprawę, że nie może polubić niektórych dzieł Rembrandta, sformułował następujące uwagi: „Nie śmiem nawet spisać takiego bluźnierstwa; Zostałbym wyśmiany, gdyby to zostało ujawnione”. Dopiero jakieś dwadzieścia pięć lat wcześniej inny francuski mistrz romantyzmu Eugène Delacroix , wyrażając swój podziw dla Rembrandta, napisał w swoim Dzienniku zupełnie inne stwierdzenie: „...być może pewnego dnia odkryjemy, że Rembrandt jest znacznie większym malarzem niż Raphael . To bluźnierstwo, od którego włosy na głowie wszystkich malarzy akademickich stanęłyby dęba”. W 1851 r. bluźnierstwem było postawienie Rembrandta nad Raphaelem. W 1875 r. bluźnierstwem nie było podziwianie wszystkiego, co kiedykolwiek stworzył Rembrandt. Pomiędzy tymi dwiema datami uznanie Rembrandta osiągnęło punkt zwrotny i od tego czasu nigdy nie został pozbawiony wysokiej rangi w świecie sztuki.

—  badacz Rembrandta Jan Białostocki (1972)

W kulturze popularnej

[…] Rzecz, która naprawdę mnie zaskakuje, to stopień, w jakim Rembrandt istnieje jako fenomen w popkulturze . Masz tę muzyczną grupę nazywającą się [ sic ] Rembrandts , która napisała piosenkę przewodnią do Friends — „I'll Be There For You”. Są restauracje Rembrandt, hotele Rembrandt, artykuły artystyczne i inne rzeczy, które są bardziej oczywiste. Ale jest też pasta do zębów Rembrandt . Dlaczego, u licha, ktoś miałby nazwać pastę do zębów imieniem tego artysty, który jest znany ze swoich naprawdę mrocznych tonów? To nie ma większego sensu. Ale myślę, że to dlatego, że jego nazwisko stało się synonimem jakości. To nawet czasownik — w slangu podziemia jest taki termin „być rembrandtowanym”, co oznacza zostać wrobionym w przestępstwo. A ludzie w świecie kina używają go do oznaczania przesadzonych efektów obrazowych. Jest po prostu wszędzie, a ludzie, którzy nic nie wiedzą, którzy nie rozpoznaliby obrazu Rembrandta, gdyby się o niego potknęli, wypowiadasz nazwisko Rembrandt i już wiedzą, że to świetny artysta. Stał się synonimem wielkości.

—  stypendystka Rembrandta, Stephanie Dickey, w wywiadzie dla Smithsonian Magazine , grudzień 2006 r.

Podczas kręcenia The Warrens of Virginia (1915) Cecil B. DeMille eksperymentował z instrumentami oświetleniowymi wypożyczonymi z opery w Los Angeles. Kiedy partner biznesowy Sam Goldwyn zobaczył scenę, w której oświetlono tylko połowę twarzy aktora, obawiał się, że wystawcy zapłacą tylko połowę ceny za obraz. DeMille utrzymywał, że to oświetlenie Rembrandta . „Odpowiedź Sama była radosna z ulgą”, wspomina DeMille. „Za oświetlenie Rembrandt wystawcy zapłaciliby podwójnie!”

Działa o Rembrandt

Dzieła literackie (np. poezja i beletrystyka)

Filmy

Wybrane prace

Ewangelista Mateusz i Anioł , 1661

Wystawy

Przenoszenie nocnej straży Rembrandta na wystawę Rembrandta w 1898 r.
  • wrzesień–październik 1898: Rembrandt Tentoonstelling ( Wystawa Rembrandta ), Stedelijk Museum, Amsterdam, Holandia.
  • Styczeń–luty 1899: Rembrandt Tentoonstelling ( Wystawa Rembrandta ), Royal Academy, Londyn, Anglia.
  • 21 kwietnia 2011 – 18 lipca 2011: Rembrandt i oblicze Jezusa , Musée du Louvre.
  • 16 września 2013 – 14 listopada 2013: Rembrandt: The Consummate Etcher , Galerie sztuki Uniwersytetu Syracuse.
  • 19 maja 2014 – 27 czerwca 2014: Od Rembrandta do Rosenquista: Prace na papierze ze Stałej Kolekcji NAC , National Arts Club.
  • 19 października 2014 – 4 stycznia 2015: Rembrandt, Rubens, Gainsborough i Złoty Wiek Malarstwa w Europie , Jule Collins Smith Museum of Art.
  • 15.10.2014 – 18.01.2015: Rembrandt: The Late Works , The National Gallery, Londyn.
  • 12.02.2015 – 17.05.2015: Late Rembrandt , The Rijksmuseum, Amsterdam.
  • 16 września 2018 – 6 stycznia 2019: Rembrandt – Malarz jako grafik , Denver Art Museum, Denver.
  • 24 sierpnia 2019 – 1 grudnia 2019: Leiden około 1630: Rembrandt Emerges , Agnes Etherington Art Centre, Kingston, Ontario
  • 4 października 2019 – 2 lutego 2020: Światło Rembrandta , Dulwich Picture Gallery, Londyn
  • 18.02.2020 – 30.08.2020 : Portret Rembrandta i Amsterdamu, 1590–1670 , Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madryt
  • 10 sierpnia 2020 – 1 listopada 2020: Young Rembrandt , Ashmolean Museum, Oksford

Obrazy

Autoportrety

Inne obrazy

Rysunki i akwaforty

Uwagi

Bibliografia

Prace cytowane

Dalsze czytanie

  • Raisonné katalog : Fundacja Stichting Rembrandt Projekt badawczy:
    • Corpus of Rembrandt Paintings – Tom I , który zajmuje się dziełami z wczesnych lat Rembrandta w Lejdzie (1629–1631), 1982
    • Korpus Malarstwa Rembrandta – Tom II: 1631–1634 . Bruyn, J., Haak, B. (i in.), Band 2, 1986, ISBN  978-90-247-3339-2
    • Korpus Malarstwa Rembrandta – Tom III, 1635–1642 . Bruyn, J., Haak, B., Levie, SH, van Thiel, PJJ , van de Wetering, E. (red. Hrsg.), Band 3, 1990, ISBN  978-90-247-3781-9
    • Korpus Malarstwa Rembrandta – Tom IV . Ernst van de Wetering , Karin Groen i in. Springer, Dordrecht, Holandia. ISBN  1-4020-3280-3 . p. 692. (Autoportrety)
  • Rembrandta. Obrazy i metafory , Christian i Astrid Tümpel (redaktorzy), Haus Books Londyn 2006 ISBN  978-1-904950-92-9
  • Anthony M. Amore; Toma Mashberga (2012). Kradzież Rembrandtów: Nieopowiedziane historie o głośnych napadach na sztukę . ISBN 978-0-230-33990-3.

Zewnętrzne linki