Saburo Hasegawa - Saburo Hasegawa
Saburō Hasegawa | |
|---|---|
 | |
| Urodzić się | 6 września 1906 |
| Zmarł | 11 marca 1957 |
| Narodowość | język japoński |
| Alma Mater | Uniwersytet w Tokio |
| Znany z | Malarstwo, krytyka sztuki |
| Styl | Abstrakcja, Kaligrafia |
Saburō Hasegawa (長谷川 三郎, Hasegawa Saburō , 06 września 1906 - 11 marca 1957) był japońskim kaligrafem, malarzem, pisarzem sztuki, kuratorem i nauczycielem. Wczesny orędownik sztuki abstrakcyjnej w Japonii i równie głośny zwolennik japońskiej sztuki tradycyjnej ( japońska kaligrafia , ikebana , ceremonia parzenia herbaty , malowanie tuszem ) i buddyzmu zen . W swojej karierze argumentował za związkiem wschodnioazjatyckiej sztuki klasycznej z zachodnim malarstwem abstrakcyjnym.
Biografia
Wczesne życie: 1906-1929
Saburō Hasegawa urodził się w prefekturze Yamaguchi w 1906 roku jako piąte z jedenastu dzieci. Jego ojciec był dyrektorem firmy Mitsui & Co., który pracował w Londynie i Hongkongu. W 1910 roku, kiedy jego ojciec został przeniesiony do Kobe do pracy, rodzina przeniosła się do pobliskiej Ashiya i zamieszkała w domu w stylu europejskim. Hasegawa nauczył się angielskiego w latach szkolnych i wraz z trzema przyjaciółmi założył klub artystyczny znany jako Hakuzōkai (Grupa Białego Słonia). W 1924 Hasegawa rozpoczął studia u postimpresjonistycznego malarza Narashige Koide w Osace . W 1926, wbrew woli ojca, Hasegawa wstąpił na wydział historii sztuki na Cesarskim Uniwersytecie Tokijskim (dziś Uniwersytet Tokijski). Ukończył studia w 1929 roku z pracą dyplomową omawiającą słynnego malarza tuszem okresu Muromachi , Sesshū Tōyō .
Wczesna kariera: lata 30. XX wieku
Od 1929 do 1932 Hasegawa podróżował do San Francisco, Nowego Jorku, Bostonu, Anglii, Francji, Hiszpanii i Włoch. Jego praca Martwa natura (Warzywo) (1930) została przyjęta na wystawę w 1931 Salon d'Automne w Paryżu. Hasegawa przez 19 miesięcy mieszkał w Paryżu, gdzie mógł obserwować i studiować nowe wydarzenia w sztuce współczesnej. W Paryżu poślubił Holenderkę o imieniu Viola de Boer (daty nieznane). Wrócił do Japonii w 1932 roku po niespodziewanej śmierci ojca.
Hasegawa i de Boers rozwiedli się w 1936 roku po urodzeniu jednej córki, Sumire (1934-1996). Poślubił swoją drugą żonę, Kiyoko (1913-2006) w październiku 1936. Razem mieli jednego syna Shōbu (1949-2015) i jedną córkę Michiko (ur. 1943).
Hasegawa pomógł zreorganizować wybitne stowarzyszenie wystawiennicze malarstwa olejnego jako Jiyū Bijutsuka Kyōkai ("Stowarzyszenie Wolnych Artystów") w 1937 roku. Towarzystwo stało się mistrzem abstrakcji w japońskim świecie sztuki. Pod koniec lat 30. Hasegawa, oprócz malarstwa, zaczął zgłębiać media, w tym fotografię. W 1938 r. Hasegawa pojechał do Chin odwiedzić swojego brata, który stacjonował tam do służby wojskowej. Podróż zainspirowała go do zajęcia się fotografią , a sceneria, w szczególności starożytne buddyjskie świątynie jaskiniowe, zainspirowały go do pracy w modernistycznych trybach fotograficznych. Wystawił swoje zdjęcia dokumentalne z Jiyū Bijutsuka Kyōkai .
„Stara Japonia i Nowy Zachód”
Począwszy od lat 30. działalność Hasegawy wykazała podwójne zainteresowanie europejską sztuką współczesną i historią sztuki japońskiej. W 1937 roku Hasegawa opublikował pierwszą książkę o abstrakcji w Japonii zatytułowaną Abusutorakuto āto (Sztuka abstrakcyjna). W latach 30. publikował artykuły na temat najnowszych osiągnięć w sztuce europejskiej oraz artykuły o sztuce klasycznej Azji Wschodniej, w tym „O Sesszu ” (1934) i „Sztuka awangardy i klasyka wschodnia” (1937). Hasegawa znalazł nieodłączne powiązania między tymi dwoma polami. Jego teoria „Starej Japonii i Nowego Zachodu” powstała mniej więcej w tym czasie. Zidentyfikowano podobieństwa między współczesną sztuką zachodnią a tradycyjną sztuką klasyczną z Japonii i Chin, argumentując, że współcześni artyści w Europie i Japonii uznali te wpływy za równie inspirujące. Na przykład w Abusutorakuto ato połączył malarstwo abstrakcyjne z klasyczną kaligrafią japońską. Kontynuował zgłębianie tych tematów przez resztę swojej kariery.
Działania wojenne: 1940-1948
Hasegawa kontynuował produkcję fotografii podczas II wojny światowej. Aresztowany w 1940 r. za odmowę udziału w ćwiczeniach wojennych. Po krótkim odsiadce Hasegawa przeniósł się z rodziną do Nagahama na północ od Kioto , gdzie spędzili resztę wojny w skrajnym ubóstwie. W tym czasie Hasegawa rozpoczął hodowlę na własne potrzeby i prawie przestał tworzyć dzieła sztuki lub pisać eseje artystyczne. Zaczął głębiej studiować taoizm i buddyzm zen, odwiedzał i korespondował z kapłanami zen i buddyjskimi uczonymi. Studiował także ceremonię parzenia herbaty w szkole Mushanokōji .
Kariera powojenna: 1948-1957
W 1948 roku Hasegawa ponownie zaczął publikować eseje o sztuce i tworzyć modernistyczne obrazy olejne. Nadal był zafascynowany japońską kulturą historyczną, ale także odżył zainteresowanie europejskim modernizmem. Na początku lat pięćdziesiątych Hasegawa całkowicie porzucił malarstwo olejne i zaczął tworzyć prace przy użyciu tradycyjnych japońskich materiałów, w tym tuszu, papieru i druku w drewnie . Rozpoczął też mocno eksperymentalny cykl fotogramów – powrót do wcześniejszych praktyk fotograficznych z lat 30. XX wieku. W 1955 roku prace Hasegawy zyskały nieoczekiwane uznanie krytyków w Stanach Zjednoczonych, podczas gdy w Japonii zostały w dużej mierze zignorowane. W 1955 na stałe przeniósł się z rodziną do Stanów Zjednoczonych.
Związek z Isamu Noguchi
Ponieważ Hasegawa biegle władał językiem angielskim i zajmował już szanowaną pozycję w japońskim świecie sztuki, został zaproszony do pracy jako przewodnik dla japońskiego amerykańskiego artysty Isamu Noguchi podczas podróży Noguchiego do Japonii w 1950 roku. Hasegawa i Noguchi razem odwiedzili ważne miejsca, w tym Cesarska willa Katsura , Ryōan-ji i świątynia Iseia . W trakcie podróży odkryli, że mają ze sobą wiele wspólnego i zostali bliskimi przyjaciółmi. Noguchi był podekscytowany dostępem do mniej znanych miejsc japońskiej sztuki i kultury, a jego własna sztuka odzwierciedlała pewne japońskie walory estetyczne. Hasegawa czuł, że ten entuzjazm dla japońskiej tradycji, jaki przejawiał Noguchi, nowoczesny artysta, pomógł mu uzasadnić jego wiarę w zbieżność japońskiej tradycji i sztuki nowoczesnej.
Hasegawa opublikował wiele artykułów na temat pracy Noguchiego. Ich relacje i wymiany zyskały znaczną uwagę mediów. Według historyka sztuki Kitazawy Noriaki, podróż Noguchi do Japonii mogła być katalizatorem serii intelektualnych debat, które miały miejsce w Japonii w latach pięćdziesiątych XX wieku, na temat znaczenia japońskiej tradycji we współczesnej sztuce , architekturze i społeczeństwie. Jest to powszechnie znane jako „spór o tradycję” ( dentō ronsō ).
Aktywność w Nowym Jorku
Hasegawa został zaproszony przez grupę American Abstract Artists do kuratorowania wystawy azjatyckiej sztuki abstrakcyjnej w Nowym Jorku . Hasegawa udał się do Nowego Jorku w 1954 roku, gdzie pomógł zainstalować wystawę w Riverside Museum na Manhattanie . Wystawa obejmowała prace dziesięciu artystów, z których Hasegawa była jednym z nich i była pierwszą tego typu wystawą, która odbyła się w Stanach Zjednoczonych. Hasegawa pomagał także w wyborze artystów do wystawy w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku, Kaligrafia japońska w 1954 roku . Uczestniczył w otwarciu wystawy.
Hasegawa miał dwie indywidualne wystawy w galeriach w Nowym Jorku, które przyciągnęły wybitne postacie nowojorskiego świata sztuki. Miał także kilka nowych esejów opublikowanych w amerykańskich publikacjach, takich jak ARTnews .
Aktywność w San Francisco
Hasegawa przeniósł się do San Francisco we wrześniu 1955, gdzie uczył rysunku i historii sztuki azjatyckiej w California College of Arts and Crafts (CCAC) oraz wykładał w Amerykańskiej Akademii Studiów Azjatyckich (AAAS). Hasegawa odegrał ważną rolę w rozpowszechnianiu nauk Zen wśród artystycznej społeczności San Francisco, zwłaszcza wśród poetów Beat . Hasegawa miał kilka wystaw w rejonie zatoki, w tym w CCAC, domu towarowym Gump's , Oakland Art Museum i San Francisco Museum of Modern Art . Był także kuratorem wystawy sztuki japońskiej dla Muzeum Sztuki w Oakland.
Hasegawa zmarł na raka jamy ustnej w San Francisco w 1957 roku. Jego prace były następnie prezentowane na kilku pamiątkowych i zbiorowych wystawach w Stanach Zjednoczonych.
Praca
Obrazy i druki
Najwcześniejsze prace Hasegawy to obrazy olejne w stylu fowistycznym lub postimpresjonistycznym. W połowie lat trzydziestych, kiedy po raz pierwszy związał się ze Stowarzyszeniem Wolnych Artystów, prace Hasegawy przechodziły w abstrakcję i zaczął eksperymentować z kolażem przy użyciu materiałów takich jak przędza i szkło. Podczas II wojny światowej Hasegawa w dużej mierze przestał malować, z wyjątkiem serii obrazów olejnych pejzaży i martwej natury ukończonych w 1943 roku.
Po wojnie obrazy Hasegawy z końca lat 40. zaczęły eksplorować obrazy z prehistorycznej sztuki japońskiej, w tym artefakty z okresów Jōmon , Yayoi i Kofun . Była to forma prymitywizmu i orientalizmu, ale skupiała się w szczególności na kulturze japońskiej i była w dużej mierze zainspirowana jego teorią „Starej Japonii i Nowego Zachodu”. Jego zainteresowanie prehistoryczną Japonią znalazło odbicie w powojennych pracach innych japońskich artystów, takich jak Tarō Okamoto , który również badał starożytne artefakty, ale był w dużej mierze zainspirowany prymitywizmem paryskich modernistów.
Około 1951 r. Hasegawa przestał pracować w malarstwie olejnym, a zamiast tego poświęcił się tworzeniu odbitek i malarstwa tuszem oraz badaniu fotografii za pomocą fotogramów . Niektóre z jego malowanych tuszem obrazów z tego okresu bardzo zbliżyły się do awangardowej kaligrafii uprawianej przez kaligrafów, takich jak członkowie grupy Bokujinkai w latach pięćdziesiątych. Awangardowa kaligrafia koncentrowała się na formie linii tuszu, ale często skutkowała raczej sztuką abstrakcyjną niż przekazem jakichkolwiek czytelnych znaków. Obrazy Hasegawy z tego okresu łączyły w ten sposób gesturalizm japońskiej kaligrafii ze spontanicznością powojennej zachodniej abstrakcji gestykulacyjnej . Hasegawa tworzył także obrazy w kałamarzu . Jego odciski były monotypie w akwarela , gwasz , lub tuszu, wykonany z Kamaboko-ita (prostokątne kawałki drewna używane do pary Kamaboko , lub ryb ciasta, w Japonii) i funaita (desek okrętowych) jako blokach drukowania. Tworzył także wcieranie tuszu i mieszane media, które łączyły dowolne z powyższych technik.
Fotografia
Hasegawa po raz pierwszy zetknął się z eksperymentalną fotografią i fotogramami w europejskich i amerykańskich magazynach, które odtwarzały prace takich artystów jak Man Ray i László Moholy-Nagy . Jego pierwsze prace fotograficzne były w tradycji dokumentalnej, wykonane podczas podróży do Chin w 1938 roku, gdzie komponował eksperymentalne ujęcia buddyjskich rzeźb jaskiniowych. Później wyprodukował serię fotografii dokumentalnych w 1939 roku, zatytułowanych Kyōdoshi ("Dziennik lokalny"), w których badał życie lokalnej wsi poprzez obrazy o wyraźnie modernistycznej oprawie. Fotografie zwracały szczególną uwagę na kadrowanie, modelowanie i rzeźbiarską jakość uchwyconego tematu. Wystawił kilka z tych fotografii z Jiyū Bijutsuka Kyōkai w 1940 roku.
Po wojnie Hasegawa zaczął bardziej eksperymentować z fotografią. W latach 1953-1954 stworzył serię wspólnych prac z fotografem Kiyoji Ōtsuji i innymi artystami z Jikken Kōbō dla Asahi Picture News . Hasegawa ułożył kolaż, który sfotografował Ōtsuji, co zaowocowało mieszaną pracą fotograficzną.
Pismo
Hasegawa dużo pisał o europejskim modernizmie, wprowadzając japońskich artystów do surrealizmu i ekspresjonizmu abstrakcyjnego . Opublikował artykuły o europejskich współczesnych artystach, w tym Henri Rousseau, Paul Klee, Wassily Kandsinky, Henri Matisse i Pablo Picasso. W tym samym czasie opublikował liczne artykuły o japońskich artystach, w tym Tawaraya Sōtatsu , Narashige Koide i Ike no Taiga . Od lat 30. wiele jego pism badało przecięcia między „starą Japonią a Nowym Zachodem”, z artykułami takimi jak „Listy z Francji i Ameryki” (1951), „Making Katsura Imperial Villa Abstract” (1951) oraz „Kaligrafia i nowa Malarstwo” (1951). Jego pisma zostały scharakteryzowane jako ucieleśniające „kosmopolityczny transnacjonalizm”, który znajdował się „pomiędzy Wschodem a Zachodem”.
Pisanie na kaligrafii
W latach trzydziestych i ponownie w latach pięćdziesiątych Hasegawa zachęcał do nowych postępów w awangardowej kaligrafii, zwłaszcza jako nowej formie malarstwa abstrakcyjnego. W latach 1950-1953 promował nowe eksperymenty w kaligrafii, redagując kolumnę „Sekcja alfa selekcji i krytyki” w czasopismach kaligraficznych Sho no bi i Bokubi – dwóch czasopismach redagowanych przez Moritę Shiryū z grupy kaligraficznej Bokujinkai . Hasegawa wybrał i zrecenzował w rubryce prace z kaligrafii abstrakcyjnej. Hasegawa napisał także kilka artykułów do Bokubiego, w których teoretyzował (podobnie jak w latach 30. XX wieku) szczególny związek między malarstwem abstrakcyjnym a kaligrafią, w tym serię zatytułowaną „Refleksje nad sztuką Nowego Zachodu i Starego Wschodu”. Hasegawa przedstawił także japońskiej publiczności dzieła Franza Kline'a, publikując je i analizując w Bokubi. Noguchi po raz pierwszy zapoznał Hasegawę z obrazami Kline'a podczas ich podróży w 1950 roku.
Omówione przez Hasegawę podobieństwa między zachodnią sztuką abstrakcyjną a japońską kaligrafią głęboko zainspirowały kaligrafów Bokujinkai i przyczyniły się do ich wczesnych podstaw teoretycznych.
Kolekcje i wystawy
Prace Hasegawy znajdują się w kilku stałych kolekcjach, w tym w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco , Narodowym Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Tokio , Narodowym Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Kioto i Narodowym Muzeum Sztuki w Osace .
W 2019 roku prace Hasegawy znalazły się na wystawie „Changing and Unchanging things: Noguchi and Hasegawa in Postwar Japan” organizowanej przez Muzeum Noguchi . Na wystawie znalazło się około 90 prac Hasegawy i Noguchi, a także obrazy Hasegawy, rysunki kaligraficzne i niektóre jego wiersze.