Sztuka ekologiczna - Environmental art
Sztuka środowiskowa to szereg praktyk artystycznych obejmujących zarówno historyczne podejścia do natury w sztuce, jak i nowsze rodzaje dzieł o charakterze ekologicznym i politycznym. Sztuka ekologiczna ewoluowała od trosk formalnych, wypracowanych z ziemią jako materiałem rzeźbiarskim , w kierunku głębszego związku z systemami, procesami i zjawiskami w odniesieniu do trosk społecznych. W latach 90. pojawiły się zintegrowane podejścia społeczne i ekologiczne opracowane jako postawa etyczna i naprawcza. W ciągu ostatnich dziesięciu lat sztuka ekologiczna stała się centralnym punktem wystaw na całym świecie, ponieważ społeczne i kulturowe aspekty zmian klimatycznych wysuwają się na pierwszy plan.
Termin „sztuka środowiskowa” często obejmuje kwestie „ekologiczne”, ale nie jest dla nich specyficzny. To przede wszystkim celebracja związku artysty z naturą przy użyciu naturalnych materiałów. Pojęcie to jest najlepiej rozumiane w odniesieniu do historycznej sztuki ziemi/ziemi i rozwijającej się dziedziny sztuki ekologicznej . Dziedzina jest interdyscyplinarna, ponieważ artyści zajmujący się środowiskiem przyjmują idee z nauki i filozofii. Praktyka obejmuje media tradycyjne, nowe media oraz krytyczne społeczne formy produkcji. Praca obejmuje pełen zakres warunków krajobrazowych/środowiskowych, od wsi, przez podmiejskie i miejskie po przemysłowo-miejsko-wiejskie.
Historia: malarstwo pejzażowe i reprezentacja
Można argumentować, że sztuka środowiskowa zaczęła się od paleolitycznych malowideł jaskiniowych naszych przodków. Chociaż nie znaleziono (jeszcze) krajobrazów, malowidła jaskiniowe reprezentowały inne aspekty natury ważne dla wczesnych ludzi, takie jak zwierzęta i postacie ludzkie. „Są to prehistoryczne obserwacje natury. W taki czy inny sposób natura przez wieki pozostawała preferencyjnym tematem sztuki twórczej”. Bardziej nowoczesne przykłady sztuki środowiskowej wywodzą się z malarstwa pejzażowego i reprezentacji. Kiedy artyści malowali na miejscu, nawiązali głęboką więź z otaczającym środowiskiem i jego pogodą i przenieśli te bliskie obserwacje na swoje płótna. Obrazy nieba Johna Constable'a „najdokładniej przedstawiają niebo w naturze”. Londyńska seria Moneta jest również przykładem związku artysty z otoczeniem. „Dla mnie krajobraz nie istnieje sam w sobie, ponieważ jego wygląd zmienia się w każdej chwili; ale otaczająca go atmosfera ożywia go, powietrze i światło, które dla mnie nieustannie się zmieniają, to tylko otaczająca atmosfera daje przedmiotom ich prawdziwą wartość”.
Współcześni malarze, tacy jak Diane Burko, przedstawiają zjawiska naturalne – i ich zmiany w czasie – aby przekazać kwestie ekologiczne, zwracając uwagę na zmiany klimatyczne. Krajobrazy Alexisa Rockmana przedstawiają sardoniczny pogląd na zmiany klimatyczne i interwencje ludzkości w inne gatunki za pomocą inżynierii genetycznej.
Wyzwanie dla tradycyjnych form rzeźbiarskich
Rozwój sztuki ekologicznej jako „ruchu” rozpoczął się na przełomie lat 60. i 70. XX wieku. We wczesnych fazach był najbardziej kojarzony z rzeźbą – zwłaszcza ze sztuką Site-specific , Land artem i Arte povera – powstałym z narastającej krytyki tradycyjnych form i praktyk rzeźbiarskich, które były coraz częściej postrzegane jako przestarzałe i potencjalnie nie harmonijne ze środowiskiem naturalnym .
W październiku 1968 r. Robert Smithson zorganizował wystawę w Dwan Gallery w Nowym Jorku zatytułowaną „Earthworks”. Prezentowane na wystawie prace były wyraźnym wyzwaniem dla konwencjonalnych pojęć wystawy i sprzedaży, ponieważ były albo zbyt duże, albo zbyt nieporęczne, by je zebrać; większość była reprezentowana wyłącznie przez fotografie, co dodatkowo podkreślało ich odporność na akwizycję. Dla tych artystów wyrwanie się z ram galerii i modernistycznej teorii zostało osiągnięte poprzez opuszczenie miast i wyjście na pustynię.
„Nie przedstawiali krajobrazu, ale angażowali go; ich sztuka dotyczyła nie tylko pejzażu, ale także w nim”. Ta zmiana w późnych latach 60. i 70. reprezentuje awangardowe pojęcie rzeźby, pejzażu i naszego z nim związku. Praca rzuciła wyzwanie konwencjonalnym sposobom tworzenia rzeźby, ale także przeciwstawiła się bardziej elitarnym sposobom rozpowszechniania sztuki i wystawiennictwa, takim jak wspomniana wcześniej wystawa Dwan Gallery. Ta zmiana otworzyła nową przestrzeń, a tym samym rozszerzyła sposoby dokumentowania i konceptualizacji pracy.
Wejście w przestrzenie publiczne i miejskie
Tak jak roboty ziemne na pustyniach Zachodu wyrosły z pojęć malarstwa pejzażowego, rozwój sztuki publicznej pobudził artystów do zaangażowania krajobrazu miejskiego jako innego środowiska, a także jako platformy do przekazywania pomysłów i koncepcji dotyczących środowiska szerszej publiczności . Podczas gdy ta wcześniejsza praca powstawała głównie na pustyniach amerykańskiego Zachodu, na przełomie lat 70. i 80. prace przeniosły się w krajobraz publiczny. Artyści tacy jak Robert Morris zaczęli angażować departamenty hrabstwa i publiczne komisje artystyczne do tworzenia prac w przestrzeni publicznej, takiej jak opuszczona żwirownia. Herbert Bayer zastosował podobne podejście i został wybrany do stworzenia swoich prac ziemnych w kanionie Mill Creek w 1982 roku. Projekt służył takim funkcjom, jak kontrola erozji, miejsce służące jako zbiornik w okresach obfitych opadów oraz park o powierzchni 2,5 akrów w porze suchej. Przełomowa książka Lucy Lippard o paraleli między współczesną sztuką ziemi a miejscami prehistorycznymi badała sposoby, w jakie te prehistoryczne kultury, formy i obrazy „nałożyły się” na prace współczesnych artystów pracujących z ziemią i systemami przyrodniczymi.
Alan Sonfist przedstawił kluczową ideę ochrony środowiska polegającą na przywróceniu natury do środowiska miejskiego dzięki swojej pierwszej historycznej rzeźbie Time Landscape, zaproponowanej w 1965 roku w Nowym Jorku i widocznej do dziś na rogu Houston i LaGuardia w nowojorskiej Greenwich Village.
Sztuka ekologiczna obejmuje również zakres krajobrazu miejskiego. Pionierska artystka zajmująca się środowiskiem, Mary Miss zaczęła tworzyć sztukę w środowisku miejskim dzięki swojej instalacji Ropes/Shore z 1969 roku i kontynuuje opracowywanie projektów angażujących rozszerzone społeczności poprzez City as a Living Laboratory. Agnes Denes stworzyła pracę w centrum Manhattanu Wheatfield - A Confrontation (1982), w której posadziła pole pszenicy na dwuakrowym terenie wysypiska śmieci pokrytego miejskim rumowiskiem i gruzem. Miejsce to jest teraz Battery Park City i Światowym Centrum Finansowym, transformacją od siły ekologicznej do potęgi ekonomicznej.
Instalacja Particle Falls Andrei Polli sprawiła, że cząstki stałe w powietrzu były widoczne w sposób widoczny dla przechodniów. Dla HighWaterLine Eve Mosher i inni przeszli przez dzielnice zagrożonych miast, takich jak Nowy Jork i Miami , zaznaczając przewidywane szkody powodziowe, które mogą wystąpić w wyniku zmian klimatycznych i rozmawiając z mieszkańcami o tym, co robią.
Ecoart
Sztuka ekologiczna , znana również jako ecoart, jest praktyką artystyczną lub dyscypliną proponującą paradygmaty zrównoważone z formami życia i zasobami naszej planety. Tworzą ją artyści, naukowcy, filozofowie i aktywiści oddani praktykom sztuki ekologicznej. Historyczne precedensy obejmują roboty ziemne, Land Art i malarstwo/fotografia pejzażowa. Ecoart wyróżnia się skupieniem na systemach i wzajemnych powiązaniach w naszym środowisku: ekologicznym, geograficznym, politycznym, biologicznym i kulturowym. Ecoart buduje świadomość, stymuluje dialog, zmienia ludzkie zachowanie w stosunku do innych gatunków i zachęca do długoterminowego szacunku dla systemów naturalnych, z którymi współistniejemy. Manifestuje się jako zaangażowana społecznie, aktywistyczna, wspólnotowa sztuka restauracyjna lub interwencyjna. Artystka ekologiczna, Aviva Rahmani, uważa, że „sztuka ekologiczna jest praktyką artystyczną, często we współpracy z naukowcami, urbanistami, architektami i innymi, która skutkuje bezpośrednią ingerencją w degradację środowiska. Często artysta jest głównym agentem w tej praktyce”.
Istnieje wiele podejść do sztuki ekologicznej, w tym między innymi: dzieła sztuki przedstawiające, które odnoszą się do środowiska poprzez obrazy i przedmioty; projekty naprawcze, które przywracają zanieczyszczone środowiska; projekty aktywistyczne, które angażują innych i aktywują zmianę zachowań i/lub polityki publicznej; rzeźby społeczne oparte na czasie, które angażują społeczności w monitorowanie ich krajobrazów i branie udziału w zrównoważonych praktykach; projekty ekopoetyczne, które inicjują ponowne wyobrażenie i ponowne zaczarowanie świata przyrody, inspirując do uzdrowienia i współistnienia z innymi gatunkami; dzieła sztuki z bezpośrednim spotkaniem, które dotyczą zjawisk naturalnych, takich jak woda, pogoda, światło słoneczne lub rośliny; dzieła pedagogiczne, które udostępniają informacje o niesprawiedliwości środowiskowej i problemach ekologicznych, takich jak zanieczyszczenie wody i gleby oraz zagrożenia dla zdrowia; estetyki relacyjnej, która obejmuje zrównoważone, poza siecią, permakulturowe egzystencje.
Wśród ekoartystów toczy się dyskusja i debata, czy sztuka ekologiczna powinna być uważana za odrębną dyscyplinę w sztuce, odrębną od sztuki ekologicznej. Obecna definicja sztuki ekologicznej, opracowana wspólnie przez EcoArtNetwork, brzmi: „Sztuka ekologiczna to praktyka artystyczna, która obejmuje etykę sprawiedliwości społecznej zarówno w swojej treści, jak i formie/materiałach. długofalowy rozkwit środowisk społecznych i przyrodniczych, w których żyjemy. Powszechnie manifestuje się jako zaangażowana społecznie, aktywistyczna, oparta na społeczności sztuka restauracyjna lub interwencyjna.” Artyści pracujący w tej dziedzinie generalnie wyznają jedną lub więcej z następujących zasad: skupiają się na sieci wzajemnych powiązań w naszym środowisku — na fizycznych, biologicznych, kulturowych, politycznych i historycznych aspektach systemów ekologicznych; tworzyć dzieła, które wykorzystują naturalne materiały lub oddziałują na czynniki środowiskowe, takie jak wiatr, woda lub światło słoneczne; odzyskiwać, przywracać i naprawiać uszkodzone środowiska; informować opinię publiczną o dynamice ekologicznej i problemach środowiskowych, z którymi się borykamy; zrewidować relacje ekologiczne, kreatywnie proponując nowe możliwości współistnienia, zrównoważonego rozwoju i leczenia.
Wkład kobiet w dziedzinie EcoArt jest znaczący, wiele z nich jest skatalogowanych w WEAD, Women Environmental Artists Directory założonym w 1995 roku przez Jo Hanson, Susan Leibovitz Steinman i Estelle Akamine. Prace pisarek ekofeministycznych zainspirowały wczesnych praktyków płci męskiej i żeńskiej do zajęcia się swoimi obawami dotyczącymi bardziej horyzontalnego związku z kwestiami środowiskowymi w ich własnych praktykach. Feministyczna pisarka sztuki Lucy Lippard , pisząca dla Weather Report Show, której kuratorką była w 2007 roku w Boulder Museum of Contemporary Art, w skład którego wchodziło wiele ekologicznych, ekologicznych i ekofeministycznych artystek, skomentowała, ilu z tych artystek to kobiety.
Biorąc pod uwagę wpływ na środowisko
W ramach sztuki środowiskowej można dokonać zasadniczego rozróżnienia między artystami środowiskowymi, którzy nie biorą pod uwagę możliwych szkód dla środowiska, jakie mogą ponieść ich dzieła sztuki, a tymi, których intencją nie jest wyrządzanie szkody naturze. Na przykład, pomimo swoich walorów estetycznych, słynna rzeźba amerykańskiego artysty Roberta Smithsona Spiral Jetty (1969) spowodowała trwałe uszkodzenie krajobrazu, z którym pracował, używając buldożera do zeskrobywania i ścinania ziemi, a sama spirala uderzała w jezioro. . Podobnie krytykowano europejskiego rzeźbiarza Christo, gdy w 1969 r. tymczasowo owinął linię brzegową w Little Bay, na południe od Sydney w Australii. Komentarze ekologów przyciągnęły międzynarodową uwagę środowisk ekologicznych i skłoniły współczesnych artystów z regionu do przemyślenia skłonności land art i site-specific.
Zrównoważona sztuka powstaje z uwzględnieniem szerszego oddziaływania dzieła i jego odbioru w odniesieniu do jego otoczenia (społecznego, ekonomicznego, biofizycznego, historycznego i kulturowego). Niektórzy artyści decydują się zminimalizować ich potencjalny wpływ, podczas gdy inne prace polegają na przywracaniu najbliższego krajobrazu do stanu naturalnego.
Brytyjski rzeźbiarz Richard Long od kilkudziesięciu lat wykonuje tymczasowe prace rzeźbiarskie na świeżym powietrzu, przestawiając naturalne materiały znalezione na miejscu, takie jak skały, błoto i gałęzie, co w związku z tym nie będzie miało długotrwałego szkodliwego wpływu. Chris Drury ustanowił dzieło zatytułowane „ Medycyna ”, które było owocem codziennego spaceru medytacyjnego, raz dziennie, przez rok kalendarzowy. Rezultatem tej pracy była mandala mozaikowych znalezionych przedmiotów: sztuka natury jako sztuka procesu .
Czołowi artyści zajmujący się ochroną środowiska, tacy jak brytyjski artysta i poeta Hamish Fulton , holenderski rzeźbiarz Herman de Vries , australijski rzeźbiarz John Davis i brytyjski rzeźbiarz Andy Goldsworthy, podobnie opuszczają krajobraz, nad którym pracowali; w niektórych przypadkach w trakcie wykonywania swojej pracy odtworzyli zniszczone grunty odpowiednią florą rodzimą. W ten sposób dzieło sztuki powstaje z wrażliwości na siedlisko.
Być może najbardziej znanym przykładem sztuki środowiskowej pod koniec XX wieku był 7000 Oaks , akcja ekologiczna zorganizowana w Documenta w 1982 roku przez Josepha Beuysa , w której artysta i jego asystenci podkreślili stan lokalnego środowiska, sadząc 7000 dębów w całym i wokół miasta Kassel .
Świadomość ekologiczna i transformacja
Inni eko-artyści zastanawiają się nad naszym ludzkim zaangażowaniem w świat przyrody i tworzą ekologicznie poinformowane dzieła sztuki, które koncentrują się na transformacji lub rekultywacji. Pisarka i teoretyk Ecoart Linda Weintraub ukuła termin „logika cyklu”, aby opisać korelację między recyklingiem a psychologią. 21 wieku pojęcie pomny zaangażowania artystów z ich materiałów nawiązuje do paleolitycznych Midden stosy zużytych ceramiki i metali ze starożytnych cywilizacji. Weintraub przytacza prace Sarah Sze , koleżanki MacArthura, która zajmuje się recyklingiem, ponownym użyciem i odnawianiem odpadów ze strumienia odpadów w eleganckie, rozległe instalacje. Jej autorefleksyjna praca zwraca uwagę na nasze własne zagracone życie i związek z kulturą konsumpcyjną. Brigitte Hitschler „s dziedzinie energii zwrócił moc 400 czerwonych diod z tego do-destruktu potażu hałda, na którym zostały one zainstalowane, wykorzystując sztukę i naukę, aby odsłonić ukryte kulturę materialną .
Artystka i aktywistka zajmująca się ekologią , Beverly Naidus , tworzy instalacje, które rozwiązują kryzysy środowiskowe, problemy związane ze spuścizną nuklearną, a także tworzy prace na papierze, które przewidują transformację. Jej projekt permakultury oparty na społeczności, Eden Reframed , remediuje zdegradowaną glebę za pomocą fitoremediacji i grzybów, co skutkuje publicznym miejscem do uprawy i zbioru roślin leczniczych i jadalnych. Naidus jest edukatorką, która od ponad dziesięciu lat wykłada na Uniwersytecie Waszyngtońskim w Tacoma , gdzie stworzyła program Interdyscyplinarnego Studia w Społeczności łączący sztukę z ekologią i praktykami zaangażowanymi społecznie. Książka Naidusa Arts for Change: Teaching Outside the Frame jest źródłem informacji dla nauczycieli, aktywistów i artystów. Rzeźbiarka i artystka instalacji, Erika Wanenmacher, zainspirowała się Tonym Price'em w swoich pracach dotyczących kreatywności, mitologii i nuklearnej obecności Nowego Meksyku. Pochodzący z Oregonu artysta i arborysta Richard Reames wykorzystuje techniki szczepienia do tworzenia swoich dzieł o arbor-rzeźbie i arbortekturze. Używa procesy oparte na czasie z wielu nasadzeń drzew, które są następnie ukształtowane poprzez wygięcie, przycinanie, szczepienia, w taki sposób, że są podobne do pleaching i ciągła . Prace te mają zalety ekologiczne, w tym sekwestrację dwutlenku węgla , tworzenie siedlisk i łagodzenie zmian klimatu.
Rzeźba energii odnawialnej
Rzeźba wykorzystująca energię odnawialną jest kolejnym niedawnym osiągnięciem w sztuce ochrony środowiska. W odpowiedzi na rosnące zaniepokojenie globalną zmianą klimatu artyści projektują wyraźne interwencje na poziomie funkcjonalnym, łącząc reakcje estetyczne z funkcjonalnymi właściwościami wytwarzania lub oszczędzania energii. Praktycy tego rozwijającego się obszaru często pracują zgodnie z ekologicznymi kodeksami etycznymi i praktycznymi, które są zgodne z kryteriami ekoprojektu . Projekt energetyki wiatrowej Andrea Polli Queensbridge jest przykładem architektury eksperymentalnej , w której turbiny wiatrowe są umieszczane w konstrukcji mostu w celu odtworzenia aspektów oryginalnego projektu, a także oświetlenia mostu i sąsiednich obszarów. Publiczna rzeźba Ralfa Sandera , World Saving Machine, wykorzystała energię słoneczną do stworzenia śniegu i lodu przed Muzeum Sztuki w Seulu podczas gorącego koreańskiego lata.
Zobacz też
Bibliografia
Dalsza lektura
- Beardsley, John (1998). Roboty ziemne i nie tylko: sztuka współczesna w krajobrazie . Nowy Jork: Abbeville Press. Numer ISBN 978-0-89659-963-5.
- Gooding, Mel (2002). Pieśń Ziemi: Europejscy Artyści i Krajobraz . Londyn: Tamiza i Hudson. P. 167 pkt. Numer ISBN 978-0-500-51016-2.* Kagan, Sacha (2011). Sztuka i zrównoważony rozwój: łączenie wzorców dla kultury złożoności . Bielefeld: transkrypcja Verlag. Numer ISBN 978-3-8376-1803-7.
- Sonfist, Alan (2004). Natura: koniec sztuki . Florencja, Włochy: Gli Ori,Dist. Tamiza i Hudson. P. 280 pkt. Numer ISBN 978-0-615-12533-6.
Linki zewnętrzne
- ecoartnetwork
- ecoartspace
- Biżuteria botaniczna - przykłady przedmiotów do noszenia, wykonanych z nieprzetworzonych nasion roślin, znanych w starożytnych kulturach jako "Święte".