Włoska muzyka klasyczna - Italian classical music
| Muzyka Włoch | |
|---|---|
 | |
| Tematy ogólne | |
| Gatunki | |
| Specyficzne formy | |
| chorał gregoriański | |
| Media i wydajność | |
| Nagrody muzyczne |
|
| Listy muzyczne |
|
| Festiwale muzyczne | |
| Media muzyczne | Media muzyczne we Włoszech |
| Pieśni nacjonalistyczne i patriotyczne | |
| hymn narodowy | „ Il Canto degli Italiani ” |
| Inny | " La Leggenda del Piave " |
| Muzyka regionalna | |
| Formy lokalne | |
| Powiązane obszary | |
Muzyka średniowieczna
Plainsong
Plainsong, znany również jako chorał chorałowy, a dokładniej chorał gregoriański , ambrozjański i gallikański , odnosi się ogólnie do stylu monofonicznego , akompaniamentu, wczesnochrześcijańskiego śpiewu wykonywanego przez mnichów i rozwijanego w Kościele rzymskokatolickim głównie w okresie 800-1000 . Różnice mogą być marginalne, a w niektórych przypadkach nawet duże. Różnice te odzwierciedlają wielką różnorodność etniczną, kulturową i językową, jaka istniała po upadku Cesarstwa Rzymskiego na półwyspie włoskim. Różne tradycje monastyczne powstały w Kościele rzymskokatolickim w całych Włoszech, ale w różnych miejscach i w różnym czasie. Nawet niespecjalista muzyczny dostrzeże na przykład różnicę między prostym wykonaniem tonu w chorału ambozjańskim z Mediolanu a chorałami z Benewentu , które wykazują w głosie wyraźny „wschodni” ornament ozdobny, odzwierciedlający tradycje wokalne Grecki Kościół Prawosławny . Jednak pomimo różnic podobieństwa są ogromne. W każdym razie formalny chorał gregoriański został narzucony we Włoszech do 1100 roku, chociaż muzyka obrzędów greckich nadal była słyszana w różnych miejscach na półwyspie, zwłaszcza w tych miejscach, które niegdyś posiadało Bizancjum , takich jak Rawenna lub na półwyspie południowym. , który był schronieniem dla Greków uciekających przed wielkimi kontrowersyjnymi bizantyńskimi obrazoburczymi przed rokiem 1000. Oczywiście tam, gdzie praktykowano obrzędy greckie, pieśni śpiewano w języku greckim, a nie po łacinie , jak miało to miejsce w liturgii rzymskokatolickiej.
Muzyka Trecento
Trecento , od około 1300 do 1420 roku, był to okres intensywnego działania w Włoszech w sztukach, w tym malarstwa, architektury, literatury i muzyki. Muzyka Trecento była pionierem nowych form wyrazu, zwłaszcza w pieśni świeckiej oraz w użyciu języka potocznego, włoskiego . Pod tym względem muzyka Trecento może wydawać się bardziej fenomenem renesansowym ; jednak dominujący język muzyczny był ściślej związany z językiem późnego średniowiecza , a muzykolodzy generalnie klasyfikują Trecento jako koniec epoki średniowiecza.
Muzyka świecka
Muzyka świecka przed 1500 rokiem była w dużej mierze dziełem minstreli, trubadurów i mimów. Był to wiek wielkiej wernakularyzacji języka we Włoszech, a nawet w całej Europie; to znaczy, ludzie zaczęli pisać i śpiewać pieśni w swoim ojczystym języku, którym nie była łacina, ale jakimkolwiek rodzajem wernakularnej, średniowiecznej neołaciny, której używano na ich terenie. Tak więc Dante pokazał w Boskiej Komedii w 1300 roku, że wspólny język (do XVIII wieku nazywano go „toskańskim”, a nie „włoskim”) może być nośnikiem literatury pięknej. Logicznie rzecz biorąc, rozciągało się to na teksty piosenek, które ludzie śpiewali.
W związku z tym warto wspomnieć o dwóch kwestiach: (1) wiemy znacznie więcej o słowach piosenek niż o rzeczywistym brzmieniu muzyki. Słowa zapisywano znacznie łatwiej niż melodie. (Patrz notacja muzyczna ). Wiemy więc, że w Prowansji istniała w XII wieku żywa tradycja trubadurów w ich języku i wiemy, że 1000 mil dalej na Sycylii istniała również żywa tradycja trubadurów na dworze Hohenstaufów Fryderyka II , śpiewane pieśni w dialekcie ludowym (bardzo pod wpływem, na przykład arabskiego ), ale jest domysłem, jak dokładnie każdy z nich brzmiał . Wiemy tylko, że muzyka ludowa z południowej Francji brzmi dziś zupełnie inaczej niż sycylijska muzyka ludowa. Ponieważ muzyka ludowa jest stosunkowo konserwatywna, gdyż opiera się szybkim zmianom, możemy założyć, że istniały wówczas przynajmniej niektóre oczywiste różnice w melodii, skalach i podejściu do wokalizacji. Wzywający i reagujący charakter popularnego w średniowieczu śpiewu chóralnego — to znaczy solisty śpiewający wers, na który następnie odpowiada grupa — znalazł swoje miejsce w średniowiecznej muzyce kościelnej jako sposób na zaangażowanie wszystkich członków kongregacji.
Skomplikowane polifonie tzw. Ars Nova zaczęły być słyszane w XIV i XV wieku; popularne pozycje, takie jak madrygały, wykorzystywały coraz gęstsze nakładki różnych melodii śpiewanych jednocześnie, aby stworzyć przeplataną i eufoniczną fakturę dźwięku; to NIE jest to samo co harmonia , czyli wybrzmienie wielu nut razem w celu utworzenia akordu. To jest późniejszy wynalazek. Niemniej jednak przejście od monofonicznych dźwięków śpiewów do wielu symultanicznych melodii polifonicznych stanowi rewolucję w naszej muzycznej percepcji: można powiedzieć, że można mieć więcej jednej rzeczy brzmiącej w tym samym czasie i nadal przyjemnie się jej słuchać.
Renesans
Większość ludzi nie myśli o muzyce, kiedy słyszą termin renesans . Jednak w tym samym sensie, w jakim architekci, malarze i rzeźbiarze XVI wieku składali hołd nowo odkrytym wartościom klasycznej Grecji , poeci i muzycy tego okresu próbowali zrobić to samo. Lata między 1500 a 1600 to najbardziej rewolucyjny okres w europejskiej historii muzyki; to wiek, w którym rozwinęła się harmonia i wiek, w którym narodziła się opera .
Te dwa wydarzenia są ze sobą powiązane. Czytelnicy z pewnością zauważyli przejście od monofonii chorałów gregoriańskich do skomplikowanych polifonii madrygałów i innej muzyki z kilku stuleci przed 1500 rokiem. Następna zmiana w percepcji muzycznej wiąże się z mniej powszechnym terminem: homofonia; to znaczy brzmienie akordu harmonicznego lub progresji akordów, które nie mają się wyróżniać, ale które wspierają oczywistą melodię na szczycie harmonii.
Pragnienie – być może potrzeba – muzyki homofonicznej wynikało z wielu czynników. Po pierwsze, odrzucono zbyt skomplikowaną polifonię wielu różnych melodii biegnących jednocześnie; po drugie, ogólna, nowa estetyka muzyczna tego okresu, najlepiej podsumowana słowami Leonarda da Vinci z 1500 roku, który stwierdził, że muzyka jest „jednoczesna koniunkcja części proporcjonalnych” – czyli wspólne granie nut opartych na prostych proporcjach arytmetycznych, takich jak 2:1 (co daje dźwięk oktawy), 3:2 (co daje dźwięk kwinty) oraz 5:4 (co daje dźwięk wielkiej tercji). Tak więc, jeśli generujesz nuty z częstotliwością 400, 600, 800 i 1000 cykli na sekundę, masz wszystkie nuty najprostszego i najbardziej harmonijnego dźwięku w naszej muzyce — akordu durowego. To naprawdę takie proste. (Patrz Akustyka muzyczna .) Trzecim na liście czynników, które sprawiają, że XVI wiek jest tak ważny, było renesansowe pragnienie opowiedzenia historii, postawienia ludzi na małej scenie i zmuszenia ich do śpiewania pieśni o mitologii greckiej – opowieść o Orfeuszu , na przykład. Trudno to zrobić, jeśli wszyscy śpiewają melodię w tym samym czasie; polifonia ustąpiła więc homofonii, a wczesna opera składała się ze stosunkowo prostych melodii z tekstami o mitologii greckiej, śpiewanych po włosku i wspartych prostymi harmoniami. Ważnym miastem we Włoszech w rozwoju muzyki w XVI wieku była Florencja . (Patrz także: Florentine Camerata , Vincenzo Galilei , Jacopo Peri , Claudio Monteverdi , Palestrina , Arcangelo Corelli .)
Oprócz Florencji w okresie około 1600 r. szczególnie warto wspomnieć o dwóch innych miastach włoskich. Pomiędzy zwolennikami obu miast toczy się poniekąd przyjacielska rywalizacja o to, które z nich jest ważniejsze w historii rozwoju muzyki we Włoszech. Wenecja słusznie twierdzi, że jest miejscem narodzin opery komercyjnej; Neapol wskazuje na swoją własną historię konserwatoriów muzycznych sponsorowanych przez Kościół, instytucji, które rozwinęły się w „systemy zasilające”, dostarczające kompozytorów i muzyków wykonujących większość życia muzycznego we Włoszech, a nawet w całej Europie. (Zobacz także: Muzyka Wenecji i Muzyka Neapolu .)
17 th century
Okres od około 1600 do 1750 obejmuje epokę muzyki baroku . W tym okresie wydarzyło się wiele ważnych rzeczy. Jednym był powrót do melodyjnej złożoności polifonii; jednak melodie przebiegały w ramach nowoczesnego, ustalonego systemu harmonii opartego na akordach oraz skalach durowych i molowych. Ten ostatni element jest rozszerzeniem koncepcji muzyki homofonicznej i pozwolił, aby złożoność melodyczna o dowolnej wariancji dominowała nad znaczeniem tekstu. Walka o dominację między tekstem a muzyką sięga muzyki Greków i nadal toczy się we wszystkich formach europejskiej muzyki artystycznej i popularnej. Ta nowa dominacja melodii w harmonii kosztem tekstu doprowadziła do wielkich zmian, w tym do rozbudowy i wynalezienia zasobów instrumentalnych orkiestry; klawiatura została wysunięta w obu kierunkach; wytwarzanie instrumentów takich jak Stradivarius stało się wielkim przemysłem w Cremonie; a muzyka instrumentalna zaczęła się rozwijać jako osobny „utwór”, zupełnie poza tradycyjną rolą towarzyszenia ludzkiemu głosowi. Do form instrumentalnych należą m.in. sonata i fuga. Znane i wpływowe postacie muzyczne z tego okresu we Włoszech to Alessandro i Domenico Scarlatti , Benedetto Marcello i Antonio Vivaldi , reprezentujący znaczenie odpowiednio Neapolu i Wenecji w tym okresie.
18 th century
Od początku XVIII wieku do końca tego stulecia obejmuje to, co historycy nazywają „muzyką klasyczną”. (Zauważ, że to użycie terminu „klasyczna” nie odpowiada temu, co nie-historycy mają na myśli, gdy mówią „muzyka klasyczna” – to znaczy cała muzyka operowa i symfoniczna, w przeciwieństwie do „muzyki popularnej”).
Termin „klasyczny” jest odpowiedni dla tego okresu muzyki, ponieważ oznacza standaryzację form muzycznych, takich jak symfonia i koncert . Tak więc termin „klasyczny” jest używany w renesansowym znaczeniu klasycznej filozofii greckiej — forma platońska , idea, że rzeczy takie jak piękno istnieją wiecznie jako ideały, a praca artysty — w tym przypadku praca kompozytora — polega na ten ideał. Mamy więc na przykład symfonię sformalizowaną jako standardowe dzieło w czterech częściach na orkiestrę i tak dalej.
Fizyczna roślina do komponowania i wykonywania muzyki we Włoszech znacznie się rozwinęła w tym stuleciu. Jest to okres, w którym powstały wielkie opery w Neapolu i Mediolanie: odpowiednio Teatr San Carlo i La Scala . Jest to również wiek rozgłosu neapolitańskiej, a potem włoskiej opery komicznej . Ważne jest też odnalezienie pewnego poczucia równowagi między tekstem a muzyką w operze, głównie poprzez libretta Metastasia .
Ważni kompozytorzy włoscy w tym stuleciu to: Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti i Niccolò Paganini . Jest to również wiek, w którym „muzyka włoska” stała się, że tak powiem, międzynarodowa, a wielu z tych włoskich kompozytorów zaczęło pracować za granicą.
19 th century
To wiek romantyzmu w europejskiej literaturze, sztuce i muzyce. Romantyzm w muzyce charakteryzuje się wieloma tymi samymi cechami, które charakteryzują literaturę i malarstwo tego stulecia: mniej uwagi dla formalności klasycyzmu, większe zaangażowanie ludzkich namiętności, takich jak miłość, bohaterstwo, odwaga, wolność itp. bezpośrednim następstwem tego humanizmu z francuskiego oświecenia . Włoska opera ma tendencję do porzucania lekkości opery komicznej na rzecz poważniejszego włoskiego romantyzmu lirycznego. Choć zawsze popularny Rossini jest z pewnością wyjątkiem od tego, to muzyka włoska XIX wieku jest zdominowana na początku przez Belliniego , Donizettiego , a potem oczywiście przez ostatnie pięćdziesiąt lat przez Giuseppe Verdiego , największa muzyczna ikona w historii Włoch. To także czas wczesnej kariery Giacomo Pucciniego , być może największego kompozytora czystej melodii w historii muzyki włoskiej, a na pewno ostatniego. Puccini to pomost do ery nowej muzyki XX wieku.
20 th century
Romantyzm w całej muzyce europejskiej z pewnością utrzymał się na przełomie wieków. We Włoszech przez wiele lat dominowała muzyka Verdiego i Pucciniego. Inni włoscy kompozytorzy romantyczni — przynajmniej kompozytorzy, którzy nadal komponowali w tonalnych tradycjach muzyki zachodniej (w przeciwieństwie do nowej atonalności i dysonansów Europy po I wojnie światowej — kompozytorzy, którzy „dotarli” do XX wieku, to Arrigo Boito , Ruggiero Leoncavallo , Pietro Mascagni , Francesco Cilea i Ottorino Respighi .
Było jednak nieuniknione, że włoscy kompozytorzy zareagują na zanikające wartości romantyzmu i cynizm prowokowany w wielu europejskich środowiskach artystycznych przez takie rzeczy jak I wojna światowa i takie zjawiska kulturowo-naukowe, jak psychoanaliza, w których – przynajmniej według Roberta Louisa Stevensona — „wszyscy ludzie mają tajemne myśli, które zawstydziłyby piekło”. Romantyzm – mimo niesłabnącej popularności wśród widzów operowych – zginął w I wojnie światowej. Nie można jednak powiedzieć, że muzyka romantyczna we Włoszech umarła pod własnym ciężarem, jak można powiedzieć o zbyt długich i przesadnie zinstrumentowanych utworach muzyki późnego romantyzmu w Niemczech, które ustąpiły muzyce minimalistycznej . Ale abstrakcja i atonalność i po prostu „trudna” muzyka dotarły do Włoch po śmierci Pucciniego. Wśród najważniejszych włoskich nazwisk w muzyce XX wieku są Luciano Berio , Luigi Dallapiccola , Goffredo Petrassi i Luigi Nono .